Madrugada del lunes al martes a las 00.30 horas
Madrugada del lunes al martes a las 00.30 horas
34.28 min
Transcripción completa
Proyector es un festival de videoarte que nació en 2008.
O sea, justo ahora es la 10 edición del festival.
Nació muy pequeñito. Nació en un espacio
que ya ha desaparecido en Madrid, el Espacio Menosuno,
que era un espacio independiente que estuvo funcionando siete años,
y nació un poco por la necesidad de un Madrid
de finales de la década pasada en la que había muy poco videoarte.
O sea, era muy complicado encontrar piezas de vídeo...
Había unas ferias que empezaban a trabajar con ello
porque en las primeras ferias de ARCO empezaron a meter vídeo,
pero eran los últimos tres años que empezaron a aparecer.
En galerías, prácticamente, todavía casi no había videoarte
porque todavía no estaba tanto en auge como puede estar ahora
y en museos, el Reina Sofía, estamos en una época que...
Creo que fue en el 2005 cuando compró la colección el Reina Sofía.
O sea, después de 40 años de videoarte,
el Reina Sofía compró su primera colección de videoarte.
Entonces, hablamos de un videoarte que todavía estaba muy incipiente
y, sobre todo, para artistas que fueran más desconocidos.
Y la idea era, por una parte, mostrar videoinstalaciones,
por otra parte, también trabajar con comisariados internacionales
de ciertas personas con las que estamos colaborando
de diferentes países y con diferentes temáticas,
por así decirlo, y crear una especie de estructura
en la que podíamos con temáticas encontrar una narración,
crear un comisariado especial de videoarte.
Y, poquito a poco, fue creciendo el festival
y fue creciendo en espacios, creciendo en artistas
y también añadimos la parte educativa,
en cuanto que empieza a haber conferencias,
presentaciones de artistas, encuentros, talleres...
El festival empieza en la Quinta del Sordo,
que es un espacio que lleva cuatro años
colaborando con Proyector,
que es un espacio independiente que acoge propuestas,
en este año son unas propuestas relacionadas con el personaje,
con la idea de artistas
que se maquillan, que generan nuevas identidades,
es la idea de personaje e identidad.
Yo, principalmente, trabajo con el cuerpo.
Ahora mismo, para mí, es...
No puedo separar mi investigación artística de mi práctica artística.
Me interesa
una búsqueda del deseo
no condicionada por el sistema capitalista
y desde ahí trabajo con relaciones con la mercancía
y con la nueva tecnología.
La pieza se llama "Everyday Masks".
Son una serie de 11 máscaras
construidas con productos de grandes cadenas de producción,
basura hermosa, efímera.
Hay estropajos, hay gorritos de fiesta,
hay plástico en general, materiales muy artificiales
con los cuales los cuerpos se relacionan
y es una invitación a encontrar otras maneras de relacionarse
desde un deseo...
recobrado, ¿no?
"Fair and Lost"
es una pequeña obra videoperformática,
de videoperformance.
En esa pieza, es una pieza duracional,
es una pieza de resistencia física,
yo pongo dos electrodos de fisioterapia en mis brazos
y están regulados al máximo de los shocks eléctricos,
entonces, mi brazo empieza a moverse de su voluntad.
Toda la performance es como un conflicto
entre mi voluntad de ponerme el maquillaje en la cara
y la realidad, el fact, de que no soy...
No puedo controlar mi cuerpo
por estos dos electrodos.
Entonces, es como una metáfora
del conflicto entre la voluntad de cada uno de nosotros,
de cada individuo, especialmente de las mujeres,
y los condicionamientos exteriores.
"Todo estaba por fin dispuesto para otorgar a dicho sujeto
la tan ansiada inmortalidad".
"Se había hecho de él un maravilloso lienzo en blanco
donde es proyectar los deseos de una sociedad
ávida de creer en algo.
Todo vacío debía ser llenado".
-Intentamos eso, que el festival, por una parte, sea con convocatoria,
por otra parte, trabajar con los formatos
y con la idea de instalación y, por otra, también con la temática,
que, aunque tenemos muchas temáticas
y no trabajamos con una temática única,
pero sí intentamos que, en cierto modo, nuestro festival
sí que hable un poco de lo que está aconteciendo.
Entonces, sí que, en cierto modo,
trabajamos desde la poesía hasta la parte más política.
La pieza que he presentado aquí, en Proyector, se llama "Resistencia".
Forma parte de una serie de piezas
que abordan esta cuestión sobre las tensiones migratorias
y la respuesta social que tenemos frente a ellas,
tanto en el ámbito puramente civil, como en el político.
Esta pieza funciona como un mosaico
en el que se van dando diferentes niveles de lectura
y está compuesta por diferentes elementos,
gráficos y audiovisuales, ¿no?
Se puede hacer casi un recorrido a lo largo de ella.
Vemos imágenes que hacen referencia
a lo que ha ido apareciendo en los medios de comunicación,
la imagen de esa pulsión migratoria, de cómo cruza la gente
y qué se hace o qué es lo que sucede en las mismas fronteras,
frente a imágenes institucionales, como de la Unión Europea
como elemento que, de alguna manera, está dando una respuesta
pero a dos niveles diferentes, lo que se cuenta y lo que se hace.
Se trabaja en dos niveles de respuesta.
La pieza es una pieza muy de site-specific,
lo que está acá es una especie de reconversión,
de adaptación de algo que está pensado para ese lugar
que fue el kilómetro cero de Santiago,
para entrar en diálogo con lo que le estaba pasando
al centro, digamos, a la ciudad.
Se articula ahí una imagen de una mujer.
En este caso, fui yo quien nada en el océano.
Que no hay nada como mecanismo obligatorio de la sobrevivencia.
Por otro lado está el contraste con una frase de neón que dice:
"Solucionamos su problema de"...
De visa, uno podría pensar,
pero también, al transportar la pieza para acá,
se quebró la palabra "visa" y quedó "Solucionamos su problema de".
Pero me parece que también, como ya se sale del lugar específico
y se instala en este otro lugar, "Solucionamos su problema de"
abría el campo, digamos,
de lectura y de referencias que pueda tener la pieza.
Y este neón rojo es una tecnología que, por lo menos en Chile,
está en franca decadencia, es como una especie de sobreviven...
De marcar una especie de sobrevivencia o de resistencia.
Es una pieza que inicié en 2008
y que se va ampliando.
Es una acción y funciona como manual de instrucciones.
Empecé durmiendo en el Museo del Prado
debajo de "Los fusilamientos del 3 de mayo".
Evidentemente, lo hacía para explicar al espectador
que tiene que tener una actitud íntima con los lugares
que tienen que ver con la cultura
y siempre lo hago en sitios que no solo tienen que ver
con la cultura, sino que son origen de conflictos
o tienen que ver con conflictos.
Lo primero que es claro es que hay una actitud íntima
con el sitio si estás durmiendo ahí.
Pero, al principio, en 2008, cuando empecé,
me parecía que quedarse a dormir ahí
era una forma de cambiar el espacio para siempre.
También es un espacio que nunca ha estado habitado
y, de repente, se habita, etc.
Pero luego, a partir de los hechos que ocurrieron en la Puerta del Sol
del 15 M, etc., que la gente se quedaba a dormir,
la obra tomó un...
un apoyo conceptual exterior interesante también.
Yo hago esta acción para explicar a los espectadores
que pueden hacerlo ellos, que funciona, de alguna forma,
como manual de instrucciones.
Por eso, algunas veces, incluso...
Bueno, algunas veces, siempre que presentamos estas piezas,
cuando se inauguran, el día que se inaugura,
damos la posibilidad a los espectadores
de quedarse a dormir en el museo.
-Está la Tabacalera como sede central.
Ahí es donde hemos centrado prácticamente 22 obras,
22 artistas del festival están allí.
Y es un comisariado un poco complicado
porque es más retrospectiva.
Hablamos de formatos, de artistas que trabajan todavía
con televisiones de tubo catódico,
hablamos de artistas que trabajan en diferentes formatos de super-8
en nueva tecnología, hablamos de mucha multiinstalación,
hay muchas piezas de tres canales, de cinco canales,
y hablamos no solo de formatos, sino también en ese punto también hay
formatos y también, en cierto modo, es un espacio bastante político,
en cuanto hay artistas... Santiago Sierra,
está Fernando Sánchez Castillo, Regina Galindo...
Es la idea de reivindicar, de criticar
de plantear qué está pasando hoy en día en la sociedad.
La idea de la "UMA", de videoinstalación,
pues es crear un simulacro visual
y también de sonido
equivalente a la experiencia que se tiene en ese territorio.
Las tres pantallas funcionan
de forma que el visitante de la videoinstalación
tiene que siempre estar un poco escogiendo dónde mirar.
Esa eso un poco la perspectiva que el propio corredor
en su dinámica de corrida tiene en su territorio.
Parte de la necesidad de contar un territorio.
Y, realmente, la maratón,
que nos parecía una prueba superdura, superexigente,
que ponía a las personas en el límite,
nos parecía un concepto muy interesante
para desarrollar una pieza artística.
También nos interesaba, no solamente contar esa percepción
de los atletas atravesando el territorio,
sino también contar algunos matices antropológicos de ese territorio,
pues salen pescadores, sale gente que trabaja ahí.
Hay mucho paisaje y, al final, creemos que era muy importante
demostrar la belleza de un territorio que no está intervenido.
El film habla básicamente de diferentes momentos históricos,
si podríamos decirlo así, de diferentes conquistas
en torno a la historia de la humanidad.
Es una historia de ficción que mezcla, digamos,
todos estos momentos, que no tienen y no respeta...
Este film no respeta épocas ni hace, digamos,
una narrativa en torno a la historia,
sino que lo mezcla y crea una nueva historia
que está más bien ligada a la ficción.
El proyecto es parte de una...
de los intereses por estudiar la...
la manera en que se concibe y se legitima la identidad nacional.
En este caso, mi identidad nacional como venezolano
y ver cómo los símbolos se van convirtiendo en...
de alguna manera, en herramientas para configurar
esta identidad colectiva que, además,
cada uno luego también lleva a su terreno.
Hay muchísimo trabajo relacionado con los colores de la patria,
este sentimiento nacional y...
claro, me parecía importantísimo,
también por la simbología de los colores.
En principio, el amarillo tiene que ver con el sol del trópico,
la riqueza, el azul tiene que ver con la naturaleza,
y el rojo, que es una cosa que...
que es como... muy abundante,
tanto en la obra, como en la realidad,
tiene que ver con la sangre derramada.
-En esta pieza... eh...
pues estoy... se llama "Glasnost",
refiriéndose al periodo del intento de transparencia
de la Unión Soviética,
y cómo esa transparencia
es muy difícil de lograr, ¿no?
Y en esta pieza se ve cómo una matrioska hecha con vidrio,
o sea, que ves todas las capas sin dificultad,
empieza a llenarse de pintura negra, ¿no? De...
pintura negra, que podrías pensar que es petróleo,
se puede pensar que es simplemente un elemento negro
que lo hace de nuevo opaco, ¿no?,
como una matrioska normal y corriente.
Y vemos en la instalación que se presenta en Tabacalera,
se ve el vídeo en el que se produce ese proceso de llenarse de negro
y también se ve la escultura original de vidrio,
que a su vez está rota,
como, también, otra forma de romperse esa transparencia.
"Freedom to move".
Como fotógrafa y videoartista
utilizo mi cuerpo como objeto fotografiable,
pero desde el punto de vista de que la fotografía y el vídeo
no es la realidad.
Entonces, busco como la teatralidad...
Está inspirada en una experiencia personal y...
Bueno, es sobre la indiferencia, sobre...
cómo a veces estamos en situaciones
que necesitamos ayuda, en la calle,
y vivimos en una sociedad muy individualista...
Somos un colectivo que trabajamos, sobre todo,
con material de apropiación.
Nuestro discurso es generado a partir de imágenes
que, o nos apropiamos de la realidad que nosotros mismos...
conseguimos grabando con los móviles o con cámaras,
o directamente del universo de Internet y de...
o el universo fílmico, sobre todo.
-En un mundo superpoblado de imágenes,
como al que asistimos,
en lo que Joan Fontcuberta ha denominado hipertrofia visual,
o... y que él mismo ha continuado diciendo
que es una obligación a nivel, como artistas,
de practicar lo que él llama ecología de la imagen,
el reciclaje de todas esas imágenes es una necesidad, ¿no?,
por parte del artista.
-La pieza que tenemos en Tabacalera,
que es "Campo continuo de tensiones binarias",
es una imagen capturada de la realidad,
descontextualizada de esa realidad,
y luego, mediante un proceso de...
-De deformación. -De deformación.
-Mediante glitch. -Sí.
La llevamos a la desaparición total de esa imagen.
Habla un poco de lo que es el devenir y el tiempo,
un poquito en esa línea.
-El sonido es un poco pues...
dar esa sensación de que esa descomposición visual
a la que el espectador asiste
se asemeja un poco a la descomposición de algo orgánico,
como es la tierra, ¿no?,
cuando se descompone lentamente dentro de un reloj de arena.
Para Proyector traje una pieza que se llama "Anecdotario breve".
Es una colección de 10 narcocorridos
que he intervenido para crear nuevas narrativas.
El narcocorrido está basado
en una balada mexicana utilizada durante la Revolución
para contar las historias de los héroes en el frente.
Y ahora se utiliza para enaltecer las hazañas de los narcotraficantes.
Entonces, tiene una connotación muy negativa.
El ejercicio sintáctico es muy sencillo,
es borrar palabras, primero verbos y después sustantivos,
para empezar a abrir huecos dentro de la narrativa
y así dejar espacio para que sean rellenados.
Y por eso es una instalación interactiva,
se puede decir, o que se puede usar en forma de karaoke.
(CANTA) -"Ni la buena ni la mala no la quiero para nada".
(CANTA) -"Aunque...".
(CANTA) -"Pero la rabia me acompaña".
-Las sedes son sedes muy diferentes.
Hacemos sedes de espacios independientes,
tenemos galerías de arte,
tenemos espacios institucionales de la Comunidad de Madrid,
de Ayuntamiento, de Ministerio...
Entonces, esa idea de que podemos llegar a diferentes públicos
porque llegamos a diferentes espacios.
Presento al Instituto francés
una investigación de dibujo.
La base es dibujo, es decir, que hace 15 años que dibujo
en cualquier sitio donde vivo.
Y a partir de esta búsqueda de dibujo,
de una poesía, una forma de dar vida
o de dar una forma poética a la vida,
yo doy movimiento con animaciones.
Nuestra manera de plantear el videoarte es imagen en movimiento.
Si partimos que no tiene que ser únicamente
una pieza grabada en casete,
porque hoy en día los casetes no existen,
ni digital, porque han evolucionado los formatos,
si partimos de eso, podemos plantear que videoarte
también es unas diapositivas que tienen un temporizador
y tienen un tiempo, tienen una narrativa en el tiempo.
Puede ser videoarte también el super-8,
aunque no sea videoarte genéricamente como podríamos nombrarlo.
Pero que nos gusta esa idea de que el vídeo, el cine experimental
también pueda ser videoarte, o nada es videoarte,
todo es una mezcla de diferentes disciplinas
que lo que hace es fusionar, crecer y...
y dar sentido un poco a ese planteamiento.
Proyector
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Esta semana en Metrópolis, nos acercamos a la décima edición del festival PROYECTOR celebrado en Madrid el pasado mes de septiembre. Lo que empezó como un pequeño proyecto autogestionado, es hoy un festival de videoarte consolidado que se extiende a lo largo de diez sedes: centros de arte oficiales, galerías, espacios independientes y espacios públicos para dar cobijo a una amplia programación que incluye exposiciones, encuentros profesionales, talleres y conferencias en torno al videoarte.
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