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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 10/07/20 - ver ahora
Transcripción completa

(Música)

Hola, soy Alfonso Albacete, director de cine,

y este es vuestro programa.

Empieza "Días de cine".

"Con siete años de retraso,

llega a los cines españoles 'Under the skin',

con una Scarlett Johansson de otra galaxia."

(HABLA EN INGLÉS)

"Fue el mejor payaso del mundo a comienzos del siglo XX,

Marcelino de nombre.

Español, nacido en Jaca, y admirado por Charles Chaplin y Bustes Keaton.

Compuso más de 500 bandas sonoras, desde western a cine político,

desde la épica al intimismo.

En 'Días de cine' despedimos a Ennio Morricone."

(Música)

Pues voy a coger una frase de Enma Suárez en "Sobreviviré"

y la voy a hacer mía.

"¿Qué habría sido mi vida

si no hubiera dirigido 'Sobreviviré',

si no hubiese dirigido 'Más que amor, frenesí',

sino hubiese hecho 'Solo química'?

No hubiera sido mejor ni peor.

Sencillamente no habría sido mi vida".

# Somos el caos y el orden,

# tremendas fuerzas que se oponen. #

"'Días de cine' ha recuperado su temporada de preestrenos

esta semana con 'La maldición del guapo',

a la que asistió parte del equipo

y que desde hoy aterriza en los cines."

-Mi verdadera naturaleza es la de ser un buen padre.

-No use la maldición del guapo conmigo.

"Nadie es lo que parece o al menos todos esconden algo

en esta comedia fina sobre estafadores,

amantes del dinero y, sobre todo, un padre y un hijo."

-He venido porque necesito tu ayuda.

-Ya era hora de que el hijo le pidiera ayuda al padre.

-Al padre no, al delincuente.

"'La maldición del guapo',

una coproducción hispano-argentina

con participación de Televisión Española,

llega al cine un año después de rodarse en Madrid."

-Yo no soy un delincuente.

Jamás he estafado a un pobre.

"Beda Docampo se ha rodeado de un elenco bien escogido

para narrarnos esta historia de un estafador que,

tras cumplir condena,

decide convertirse en un honrado trabajador,

buen padre, excelente amigo,

deseos no fáciles de cumplir para quien acostumbra a columpiarse,

eso sí, simpáticamente, entre el egoísmo y la ambición."

-Humberto es un hombre sin estrés, vive de las rentas.

-Como los Reyes.

-Pero sin corona. -Tienes un tío muy simpático.

-Es un bipolar de mucho cuidado.

-La que te comía con los ojos era la madre.

A la hija le gustan mayores.

-La película cuenta la historia de una trama enorme,

donde se ven fregados muchos personajes para, en este caso,

ese señor salirse con la suya,

y cuenta, la segunda trama principal,

que es, en este camino, encontrar a su hijo perdido y recuperarlo.

# En el peligro # está la oportunidad. #

"Gonzalo de Castro borda su papel de pícaro

que intenta recuperar la relación perdida con su hijo,

interpretado por el argentino Juan Grandinetti,

que no quiere ni verle y que no cesa de arrojar

vasos de agua fría a este padre delincuente,

que también se convierte en tío en su doble vida."

-Puedo decir que soy tu tío que vivió en Buenos Aires.

-Eres una máquina de mentir.

-Un chico que trata de dejar lo más que pueda a ese pasado atrás,

e incluso poder separarse de todo lo que tenga que ver con el padre,

digamos.

Y bueno, aparece una circunstancia

que lo lleva a tener que recurrir a él.

-Te quiero conocer un poco mejor.

-No me interesa que me conozcas.

Y yo te conozco demasiado.

-Pero hijito... -No me digas hijito.

¿Quieres saber por qué vine a verte? Porque el puto dinero.

# Quisiera # tener más dinero que coraje. #

"Un enredo entre timadores, amantes, codiciosos,

en el que también participan Cayetana Guillén Cuervo,

Ginés García Millán, Andrea Duro, Carlos Hipólito y Malena Alterio."

-¿Por qué estás haciendo fotos?

-¿Tú quién eres?

-Soy la mano derecha y la mano izquierda

de los dueños de esta casa.

-Mi personaje es una mujer fría, calculadora, preparada, competente,

aparentemente sin sentimientos,

pero que poco a poco vamos a ir descubriendo

que no es solamente esto que presenta

en un primer estadio de la película.

# Pero mi corazón # va cargado de equipaje. #

"Hay diálogos inteligentes en esta película de Bera Docampo,

autor de 'Francisco, el padre Jorge',

'Amores locos' o 'Quiéreme',

que ha trabajado siempre entre Argentina y España,

sus dos lugares en el mundo."

-¿Un tango? Qué casualidad.

¿Me concede este baile, bella dama?

(RÍE) -No, no, no.

No sé mucho de tangos.

-Yo te llevo, me sigues, ya está.

-Cariño, no acostumbro a seguir a los hombres.

-Yo quería que la gente se vaya sonriendo,

pero con dos condiciones:

con que la estafa no estuviera en primer plano,

sino que fuera un agregado,

y lo que estuviera en primer plano

son las relaciones emocionales entre las personajes,

que esos personajes tuvieran montones de caras.

# Somos el caos y el orden,

# tremendas fuerzas que se oponen. #

"Inspirándose en Billy Wilder y en Woody Allen

y admirador de talentos de la pícara italiana,

como Vittorio Gassman o Alberto Sordi,

ha delineado varios personajes embaucadores y fracasados,

con el mundo del timo como telón de fondo."

-Si muerden el anzuelo te voy a necesitar.

-¿Cuál es tu plan?

-Un millón 700.000 euros los siete.

-Quiero cinco rubíes.

Como dicen en las películas, lo tomas o lo dejas.

-Es una comedia elegante, en donde nada es lo que parece.

-Una historia muy para este verano,

muy para salir de este confinamiento,

muy para poder salir de casa.

Es una ensaladita de verano.

-¿Es que no puedes decir la verdad ni una puta vez?

"'La maldición del guapo' es una buena opción

para los que aún no han regresado al cine,

una comedia fresca, entretenida, con buen reparto,

que combina infidelidades, personajes seductores,

usurpadores y sorpresas como las de la vida."

(Música)

Toma 22.

Un actor de la historia del cine

con el que me hubiese gustado trabajar es Gary Grant.

Gary Grant, me encanta el carisma que tiene, el humor que tiene,

la empatía, cómo trabaja la empatía.

Me hubiese encantado trabajar con él, no solamente en comedia.

También hizo dramas y thrillers maravillosos, ¿no?,

entre los trabajos que hizo con Alfred Hitchcock, por ejemplo.

En 2004 leí una noticia en un periódico que me impactó.

Conocí, a través de esa noticia, la existencia de un personaje

que hasta ese momento

había resultado absolutamente desconocido para mí.

"Llega a los cines 'Marcelino, el mejor payaso del mundo',

un documental que recrea la vida de Marcelino Orbés, payaso,

clown y acróbata que fue considerado por la prensa de la época,

el mejor payaso del mundo entre 1900 y 1914."

-Marcelino es contratado en el Hippodrome de Londres

y se instala en la capital británica,

y aquí será donde se convierta en una gran estrella

del mundo del espectáculo.

"El polifacético actor Pepe Viyuela

protagoniza este homenaje a un artista

del que no se tenía constancia de su existencia.

Nacido en Jaca, en la provincia de Huesca,

Marcelino Ordés fue el mejor y más aclamado artista de su época.

Actuó en el Hippodrome, primero de Londres

y después de Nueva York."

-Un teatro con 5200 localidades y con unas dimensiones

que hoy en día son inimaginables.

"Marcelino Ordés hacía reír a más de 2 millones y medio

de personas al año, la prensa lo ensalzaba,

Chaplin lo admiraba, Buster Keaton decía de él que era el mejor."

-Es la historia del ascenso y de la caída

de un personaje crucial

en un momento muy importante de la historia,

y todas esas historias de alguien que sube hasta lo más arriba

y cae hasta lo más bajo a mí siempre me han interesado.

"'Marcelino, el mejor payaso del mundo'

está dirigida por el documentalista Germán Roda,

a partir del libro del mismo título del periodista

y escritor Mariano García,

quien también está presente en la película."

-Él contaba una anécdota, de que empezó...

Él quería ser payaso, él decía que siempre, desde el principio,

lo tuvo claro, pero en la familia en la que empezó a trabajar,

que se llamaban Martini, empezó a hacer acrobacias,

y antes incluso que las acrobacias,

siendo apenas un niño que ligeramente sabía andar

y poco más,

recogía las sillas y las ponía antes y después de cada función.

"De Marcelino Ordés se sabe poco.

Tan solo los grandes hitos de su vida.

Se conoce la fecha y lugar de nacimiento,

su enorme éxito en Londres, primero, y en Nueva York, después,

y su caída en desgracia, hasta su suicidio, arruinado y solo,

en 1927."

-Marcelino se suicidó a los 54 años.

Llevaba muchos meses desaparecidos de los medios de comunicación,

pero la noticia de su muerte salió en la primera página

de todos los periódicos norteamericanos.

"Además, apenas existen imágenes gráficas de su persona.

Un puñado de fotos y una película de unos segundos de duración,

un arte incipiente en la época, este del cine,

que fue el causante en gran medida de su declive profesional."

-Marcelino seguramente se tuvo que enfrentar a esto,

a darse cuenta de que él no seguía la conducta

de las nuevas generaciones

y él había conseguido un éxito y no quería renunciar a ese éxito

y de alguna manera cerraba los ojos al hecho

de que el mundo iba en otra dirección.

"'Marcelino, el mejor payaso del mundo'

recrea una posible vida de Marcelino Ordés

desde la fascinación por el personaje

y bajo la circunstancia siempre presente de su origen aragonés.

Un hecho en sí, lo de nacer en un lugar u otro,

que siempre está determinado por la casualidad,

pero que en 'Marcelino, el mejor payaso del mundo',

se trata como acontecimiento capital en la vida de este payaso,

en la que se cumplió el tópico de que,

mientras en el escenario hacía reír a millones de personas,

fuera de él su vida íntima era atormentada y solitaria."

-Queremos mostraros a un payaso contemporáneo metiéndose en la piel

de un payaso del siglo pasado,

y lo que buscamos es recrear sus números

y los episodios más importantes de su vida.

Dos, dos, "Días de cine".

Una actriz

con la que me hubiese encantado trabajar

de la historia del cine es Audrey Hepburn.

Me parece absolutamente deliciosa, ¿no?

Esa fragilidad, cuando era muy jovencita,

pero esa inteligencia emocional con la que trabajaba ya cuando hizo,

por ejemplo, "Dos en la carretera", con Stanley Donnell.

Me encantaba la humanidad que reflejaba su mirada

y me encantaba esa sensibilidad

con la que impregnaba todo Audrey Hepburn.

-Bernadette Fox era, ni más ni menos,

lo más arriesgado en el mundo de la arquitectura hace 20 años.

"No cabe duda de que Richard Linklater

es uno de los directores

más interesantes del panorama actual.

Nos regaló, por ejemplo,

ese fresco en tres capítulos de una pareja

que pasea su amor por escenarios europeos.

O esa maravillosa oda al crecimiento de unos niños a lo largo de 12 años,

exactamente el tiempo que tardó en rodarla,

pues los actores eran los mismos y crecían con sus personajes."

-Cielo, ¿estás durmiendo bien? -¿Dormir? ¿Qué es eso?

(Ronquidos)

Oh...

"Las expectativas, por lo tanto,

de un autor de ese calibre son siempre muy altas.

Ahora nos llega su último trabajo, 'Dónde estás, Bernadette',

film que adapta la novela de Maria Semple,

que tuvo muy buena recepción en su momento."

-Las personas como tú tienen que crear

porque si no sois una amenaza para la sociedad.

"La novela, de entrada,

tenía una cierta dificultad en ser llevada al cine,

por cuanto ofrecía el retrato de una familia,

en concreto de una madre vista por su joven hija,

y cuyas comunicaciones a menudo

se manifestaban a través de mensajes en redes.

El guion cinematográfico se centra directamente en la madre,

a cargo de una siempre solvente Cate Blanchett,

una arquitecta que lo tiene todo.

Pero algo falla.

Se trata de un personaje en crisis,

con rasgos neuróticos y en desacuerdo con el mundo."

-Es el momento de empezar mi segundo acto.

"En cierto modo, ofrece un estimulante contrapunto

al que la misma actriz hizo en 'Blue Jasmine'.

Si en el film de Woody Allen se trata de una mujer en caída libre

que ha perdido su estatus social y económico,

la Bernadette de Linklater aparentemente no tiene mucho

de lo que quejarse,

lo cual la conduce irremediablemente a buscar en su interior."

"Al final, un viaje a la Antártida,

algo que no está al alcance de cualquiera sirve de catalizador

para que las cosas cambien.

Y no faltan los destellos de la maestría de Linklater

y esa habilidad para hacer que, al igual que él,

queramos a sus personajes."

-Parece un fallo de diseño

que la configuración por defecto de nuestro cerebro sea el peligro

Y la supervivencia, en lugar de algo como la alegría y el agradecimiento.

(Música)

"Maider Fernández Iriarte quería hacer un documental

observacional sobre el santuario de Lourdes,

pero cuando conoció a Jordi supo que era otra historia

la que quería contar."

Sobre todo lo conocí a través del material filmado,

más que in situ,

porque no me había fijado en él hasta que vi las imágenes en casa.

Vi que era un hombre auténtico. No iba al son del grupo,

sino que el tío actuaba según lo que a él le apeteciese.

Fue ir conociendo a Jordi e ir descubriendo la película, ¿no?

O sea, que eran como caminos paralelos.

-Imagínate que no te conozco y quiero saber quién eres.

"Contando con la colaboración de Virginia García del Pino,

Maider Fernández Iriarte filma una conmovedora

y sensible crónica de una amistad que nos enseña a escuchar,

pero también a mirar."

-Yo soy una persona agnóstica, que no cree en Dios, y él sí.

Pero nos encontramos. -Necesito ir a Lourdes.

-Yo tenía como claras varias cosas.

Una era que la comunicación era muy importante,

y tenía que centrar en esos elementos la parte formal

de la estética de la película.

-No podré...

ir a casa.

-También tenía otra cosa clara, y era que no quería mostrar a Jordi,

no quería mostrar su cuerpo desde el principio.

Por eso tardamos un poco en revelar quién es él físicamente, ¿no?

Porque quería que el espectador

o las espectadoras se fijasen en su discurso

y en su forma de comunicarse, que eso estuviese en primer término.

Y bueno,

por eso fijaba como gestos planos sobre la tabla de cartón

que él utiliza para comunicarse,

sobre el movimiento de sus manos también.

Ahí se ve, primero, el esfuerzo que él hace en comunicarse,

y también el tiempo que necesita para ello.

-¿La gente se para a mirarte o qué hace?

¿Te miran?

¿Y qué...?

¿Te tocan?

-Nosotros, como podemos hablar,

podemos estar hablando y puede suceder que la persona,

mi interlocutora, no tenga interés en lo que le estoy diciendo.

Sin embargo, con Jordi, si no le prestas atención,

eso se rompe totalmente.

Y eso me interesaba mucho, la fragilidad de la comunicación.

-Espera, le digo.

Espera, que me da a decir la respuesta y te la digo.

"'Las letras de Jordi'

no es una película para todos los públicos.

Lamentablemente, hemos de añadir.

Por qué en los tiempos que corren cualquier lección de generosidad

hacia el otro debería ser bienvenida.

Una generosidad que, por otro lado, tiene mucho de egoísta,

porque dando al otro es como nos completamos como seres humanos."

Alfonso Albacete y esto es "Días de cine".

Pues yo no creo que sea muy mala una película, pero bueno,

una película que no me debería gustar,

porque dicen que es muy mala, pero me parece maravillosa,

me voy a poner las gafas para decirlo, para no avergonzarme,

es "Showgirls", de Paul Verhoeven, que me apasiona esa película.

Y me encantó verla en el cine y cada vez que la veo,

porque la he visto muchísimas veces, me apasiona.

Me apasiona todo Paul Verhoeven, realmente,

pero "Showgirls" os la recomiendo.

"Jo vuelve a casa

después de mucho tiempo en el hospital."

"Adora las películas de acción, a Jackie Chan y los superhéroes."

"Disfruta con ellas,

y le gustaría ser la protagonista de una de esas historias."

"Gracias a su imaginación y con la ayuda de su hermana,

esquiva a su madre sobreprotectora

y le da una vuelta a su dura realidad.

La ópera prima de actor y director keniano Likarion Wainaina,

basada en algunas experiencias propias,

es una coproducción entre Alemania

y Kenia que se estrenó en el Festival de Berlín."

"Aunque a veces parezca naif, el director adopta el tono correcto.

No cae en lo ñoño, tiene humor y aporta algunos momentos mágicos."

"No quería defraudar a los niños enfermos".

"'Supa modo' es una película sin pretensiones, tierna, sencilla,

conmovedora y llena de esperanza,

que transmite toda la luz y verdad de sus protagonistas,

una niña y dos mujeres fuertes."

"Ideal para niños y no tan niños,

Jo demuestra a todos ser una heroína real

y quizá su historia podría convertirse en un cómic."

Llega esta semana a las pantallas una de esas películas

que es mucho más que una obra maestra.

Es "Dersu Uzala",

dirigida en 1975 por ese grande del cine que fue Akira Kurosawa,

que llevaba varios años sin rodar

y que incluso había intentado suicidarse.

"Dersu Uzala" contó con producción de la Unión Soviética.

Adaptaba el libro del capitán Vladimir Arseniev,

el autor del libro en el que se basa la película,

junto a ese cazador de la taiga, Dersu.

-¿Te gustaría ser nuestro guía?

-Ese hombre simple y sin igual

que distinguía entre gente y no gente.

-El sol es gente, gente muy importante.

Si el sol muere, todos mueren.

-"Dersu Uzala" es una película panteísta,

que nos habla de la amistad, de la lealtad,

de todas esas cosas que son escasas en este mundo,

y que es necesario ver

porque tiene algunas escenas absolutamente magistrales,

rodadas, ya os digo,

en los mismos escenarios en los que tuvieron lugar los hechos

que cuenta el libro de Vladimir Arseniev.

Y hablando de esta maravillosa película,

no menos maravilloso es el libro en el que se basa, "Dersu Uzala.

La taiga del Ussuri", de Vladimir Arseniev, como ya he dicho.

Un libro que cuenta estas aventuras sin igual

entre estos hombres tan distintos y a la vez tan iguales.

En 1902, un oficial del zar, explorador y etnógrafo,

Vladimir Arseniev, visita los confines de Siberia y China,

algunas regiones hasta entonces desconocidas para los europeos.

Una noche, en el corazón de la taiga siberiana,

se encuentra con un viejo cazador.

-¡No disparéis!

¡Yo soy gente!

Sabemos que hoy vas a quedar con ganas de saber más

sobre Kurosawa, gigante del cine universal,

que medía, además, dos metros.

Pues su autobiografía es una buena ocasión

para saber más de este hombre, aunque él dice que es audiobiografía

o algo parecido, y acaba, precisamente,

en "Rashōmon", porque dice que después de eso

él está en sus películas y no tiene nada que contar.

Kurosawa reconoce en el prólogo que la escribió

porque alguien a quien él admiraba muchísimo, John Ford,

no la había escrito, así que, un buen motivo

para escribir una autobiografía excelente

donde se dicen cosas tan hermosas como:

"He olvidado que la creación es memoria".

Sabemos que tenéis ganas de más sobre el maestro Akira Kurosawa.

De modo que es la ocasión de que descubráis

el documental que Chris Marker realizó sobre el maestro japonés

durante el rodaje de la película "Ran".

Un documental como los que sabía hacer Chris Marker,

que no tiene desperdicio.

Y ya puestos, hablando de "Ran",

el guion original de la película, eso sí, en inglés,

que tiene los dibujos que el mismo Kurosawa

hizo para la ocasión,

como hacía en tantas ocasiones en sus películas.

"Storyboard", que son mucho más que unos "storyboard"

porque son pinturas, si veis los dibujos,

sabréis por qué luego hizo Kurosawa sus sueños.

Esto ha sido todo, no dejéis de ir al cine.

Y si tenéis ocasión, descubrid esa obra maestra

que es "Dersu Uzala".

"Mis más entrañables recuerdos

corresponden, sin duda, a aquel otoño."

Acción.

Una película que todo el mundo considera una obra maestra,

tiene premios internacionales, y que a mí, realmente no me gusta,

no me salí del cine porque me quedé en la butaca

totalmente metido y sin poderme mover,

es "Amor" de Haneke.

Pasaba yo por un momento complicadísimo.

Me parecía muchísimo lo que estaba contando.

La verdad tan cruda, tan difícil, tan fuerte.

Y realmente, me pareció horrible ver esa película.

Y no la volvería a ver.

¿Quieres que te describa una escena concreta

y explique por qué me gusta?

Me acuerdo muy bien. Fue durante mis vacaciones.

El 10 de noviembre de 1972

en el cine de Park Square, en Boston, Massachusetts.

Fue el primer día de mi vida cinematográfica.

Se trata de la primera escena que vi de "Tener y no tener".

Llegué diez minutos tarde al cine y vi la escena

en la que el protagonista, Humphrey Bogart,

que hace de un tipo llamado Harry Morgan, se sube a un barco.

Atraviesa el muelle para ir a un barco pesquero

y se sube.

Howard Hawks empieza la escena con un plano de él andando

en un decorado lleno de figurantes.

Y ya está.

No hay introducción. No hay preámbulo.

Hawks arranca la película con él en plano.

Con el mismo tamaño que tendrá durante toda la secuencia.

Es la forma en que Hawks empezaba muchas de sus películas.

Hay una persona y la persona está ya ahí.

Sin más.

Y la cámara se le pega inmediatamente.

Te dice enseguida que la película ha empezado

y que el personaje va a ser central.

No hace falta crear ninguna expectativa

alrededor de la persona; te da la persona sin más.

Y atraviesa el decorado.

Es un buen decorado, pero es un decorado.

Se nota que es falso. Lo rodaron en un estudio.

Pero el agua es de verdad, y durante unos segundos,

te preguntas si es un muelle de verdad.

Porque han puesto agua de verdad.

Es un término medio. Hawks fue lo bastante listo

para usar ciertos elementos realistas.

Para que no te quedara claro si era un artificio

o una localización que se habían encontrado.

Y en cuanto la gente empieza a hablar,

te preguntas lo mismo.

Los personajes con los que interactúa Bogart

en la película tienen vozarrones,

se notan que son actores de Hollywood.

Bogard los despacha con un par de frases.

Muy rápido. Y se aleja de ellos.

En todos esos momentos, hay una cierta tensión

entre la naturaleza hollywoodiense del decorado y la forma

en que los actores favoritos de Hawks se mueven en él.

Solo es un pequeño momento al principio de la película.

Pero toda la película es así.

Y en los márgenes hay unas personas que están allí

como jugando, como si se hubieran colado

en un plató de Hollywood.

Y se lo están pasando fenomenal.

Es Howard Hawks en estado puro.

"Takashi Miike es, sin duda,

uno de los directores más eclécticos, prolíficos

y controvertidos del cine japonés y del panorama internacional.

Capaz de presentar tres películas diferentes

en una misma edición de un festival,

sus cerca de 100 títulos a lo largo de 30 años de carrera,

reúnen obras de culto del cine más trasgresor.

Adaptaciones de manga, comedias, cine juvenil,

musical, terror o alocada serie B

plagadas de acción, violencia y sexo.

Pero también cintas de un depurado clasicismo visual

que rinde en sentido homenaje a los grandes maestros

del cine nipón."

Para mí, mi cine es un todo.

Un todo que, visto en la distancia, de forma objetiva,

muestra que el ser humano es una comedia.

Una ironía.

Un ser que lo da todo por encajar.

Que se esfuerza, se deja la piel.

Hasta el punto que resulta ridículo.

"Degustar la filmografía de Miike

requiere estar preparado para lo mejor,

pero también para lo peor.

Saborear de igual manera traumas y cicatrices

de atormentados personajes, o un perverso positivismo

que termina por aterrizar en estrambótico romanticismo."

"Para que un hombre sea estable emocionalmente,

necesita una mujer."

"En 1999, Takashi Miike estrenó la inclasificable 'Audition'."

(Teléfono)

"Adaptación de la no menos inclasificable novela

de Ryu Murakami.

Y seguramente, su título más celebrado

por la crítica internacional, que lo confirmó como un gran autor.

Una cinta que es pura esencia de su cine.

Delicada, como la mejor porcelana, y romántica en su primera mitad."

"Si vamos a estar juntos, quiero que sepa todo sobre mí."

"E inusitadamente terrible en su conclusión.

Tanto, que en varios momentos resulta casi imposible

sostener la mirada en la pantalla."

"Los ojos también son un punto doloroso."

Para trabajar en la adaptación de un manga o de una novela,

es importante el respeto por la obra,

claro está, pero también por su autor.

Por el creador de la obra.

Porque pertenecemos a mundos distintos.

Yo hago cine y él hace cómic o literatura.

Y nos hemos encontrado. Tengo que preguntarme

qué quería expresar el autor con esa obra.

Y adaptarla con un interés real.

Con un profundo respeto, con amor.

Para mí, eso es esencial.

Tengo que crear algo que a él puedo gustarle.

"Miike es, continuando con los símiles alimenticios,

un glutamato de la cultura japonesa.

Exceso pantagruélico para 'gourmets' como Quentin Tarantino,

cuya admiración manifiesta por este creador,

ha terminado de granjearle una legión de fans."

Una película puede tocar varios temas y épocas.

Tanto si el espectador es oriental como si es occidental,

siempre habrá una parte que pueda entender y compartir.

Para mí, el papel del cine es ayudar al espectador

a comprender esto.

"Alto, parad ahí.

Supongo que sois la comitiva del señor Naritsugu."

"En esta constante retroalimentación

de la cultura y tradiciones de su país,

dos géneros refulgen con audaz interés

en su carta; el de samuráis y el cine de yakuza.

El primero, una suerte de revisión oriental del wéstern,

donde el deber y el honor son códigos de similar importancia

a la de los personajes."

"He luchado cuanto he podido por sobrevivir.

Pero ya no soporto esta vergüenza."

"Recuerda, soy el capo del grupo Narimura.

Si quieres llegar a las manos conmigo, adelante."

"El segundo, al que pertenece 'Fist love',

caldero perfecto para mezclar el policiaco y 'thriller'

con todo tipo de ingredientes.

En esta ocasión, los personajes de un boxeador

al que se le ha diagnosticado un mortífero tumor cerebral

y una prostituta drogadicta,

perseguida por varias facciones criminales,

coinciden a lo largo de una noche en la que tendrán que unir

fuerzas si quieren salir con vida y ya de paso descubrir el amor.

Con un estilo cercano al cómic, una extensa galería de personajes

se trenza creando violentos encuentros

en un divertido ejercicio de acción

que mantiene permanentemente su pulso alto.

Miike administra con elegancia y humor negro

la violencia más contenida y comercial, en cualquier caso,

que en sus trabajos iniciales."

Yo hago y me divierto haciendo tanto cine violento como contenido.

Pero al hacer películas violentas, uno se plantea dónde está el límite.

No está nada claro.

¿Quién decide "hasta aquí está bien"?

Por eso, hacer este tipo de películas

es tan emocionante y divertido.

Hasta el punto de que uno ve cómo sus propios límites

se van ampliando.

"Puede que el espectador perciba en 'First love'

influencias del cine de Guy Ritchie,

del Tarantino de 'Amor a quemarropa' y demás sucedáneos.

Aderezado con una acción frenética al borde del 'slapstick'.

Cóctel tan superficial como disfrutable

por lo bien equilibrado de su alquimia.

Tal vez sean estos autores los que primeramente

se inspiraron en los trabajos del realizador."

"¿Tú eras amigo de Kakihara?

Ahora no me reconocería.

Me arreglé la cara.

(LLORA) ¡No! ¡Basta!

¿Te operaste?

¿Por qué elegiste esa cara?

Pero qué dices."

"El paso de los años parece haber sumido

en un letargo ligero

el interesante primitivismo del autor.

Aunque los que seguimos su trayectoria,

sabemos que en cualquier momento puede deparar

otra asombrosa sorpresa."

Marchando.

Feliz de estar aquí en el programa por excelencia de cine en España.

¿Qué es el cine para Alfonso Albacete?

El cine es mi vida. Cada día me levanto

pensando en cine y me acuesto soñando con cine.

Y para mí, siempre digo que el día más feliz de mi vida

es el día que empiezo a rodar una película.

Yo recuerdo que de pequeño iba a un colegio de curas.

Y cuando te portabas mal, te tenías que confesar,

y te mandaban penitencias y tal.

En cambio, cuando me portaba bien, mis padres me mandaban al cine.

Y entonces, desde ahí, el cine ha sido un premio para mí.

Y luego, ha sido el sitio donde me aislaba de los "bullying"

y de los acosos y todo esto.

Y ha sido para mí un paraíso.

De descubrir ese sitio mágico que es el cine.

Yo siempre quería estudiar y quería sacar el curso adelante,

porque mi objetivo era meterme a estudiar cine.

Hacer Ciencias de la Imagen. Y luego, tuve la oportunidad

de trabajar con el gran Juan Antonio Bardem

en "Lorca: muerte de un poeta", serie de Televisión Española,

que además se rodaba como cine.

Y ahí realmente fue mi pasión, ver rodar a este maestro.

Soy director,

pero quizá porque no pude ser actor.

Porque me encanta el trabajo con los actores.

Es lo que más me gusta.

Me considero un director de actores.

He trabajado con actrices maravillosas

como Carmen Maura, Emma Suarez,

Cayetana Guillén Cuervo, Natalia de Molina,

o actores como José Coronado,

Alejo Sauras; estoy feliz de trabajar.

Pero no he podido ser actor, y sí estudié interpretación

para poderme comunicar con los actores

y poder trabajar con ellos.

Creo que eso es una de las cosas que me ha llevado a ser director.

A poder sacarles a toda esta gente

que tiene muchísima sensibilidad y muchísimo gusto

por meterse en otros personajes, sacarles toda esa energía

y plasmarlo en la gran pantalla.

¿Cuál es el misterio del trabajo de un director de cine?

En "Nickelodeon" de Peter Bogdanovich decían:

"Ese solo la dirige".

Sí, yo creo que el negociar bien.

El coordinar bien y el negociar. Creo que en el cine,

el director tiene que estar siempre llegando a acuerdos.

Llegas a acuerdos con las cadenas, acuerdos con los actores,

acuerdos con el productor.

Y luego, acuerdos hasta con la distribución.

Tienes que estar siempre negociando.

Yo creo que, eso, actuar con mucha mano izquierda.

Sobre todo, tener historias que contar.

Y hacerlo desde tu verdad.

Es verdad que siempre me piden que haga comedia.

Pero siempre despisto un poco y pude hacer películas

como "Sobreviviré", con Emma Suarez,

que ahora está reconocida como una película,

primera película en la que se habla de bisexualidad aquí en España.

Y que cuenta esa historia tan bonita de esa mujer empoderada

que le salen las cosas mal y tiene que alzarse

al grito de "sobreviviré" y tener esa historia de amor tan bonita.

Pude trabajar con Juan Diego Botto también

y con Emma Suarez, y ahí descubrí

que es importantísimo la química entre los actores

y que de repente, de una película que crees que es una más,

se convierte en un clásico como lo es.

Ahora, háblame un poquito así brevemente de tus películas.

Hemos hablado más de "Sobreviviré", pero de tus otras películas.

Bueno, la primera, "Más que amor, frenesí",

una película que dirigí junto a Miguel Bardem

y David Menkes,

producida por Fernando Colomo y Beatriz de la Gándara.

Y es una película que hablaba de los años 90 en un Madrid muy loco

y muy divertido.

Luego con "No me hables de hombres que me pongo atómica",

o aka "Atómica", ahí también con Bibiana Fernández,

con una locura de argumento.

Luego, llegó el momento más serio; hicimos "Sobreviviré",

que fue una cosa mágica. Después llegó "I love you, baby".

¿Vale? Luego, "Entre vivir y soñar", con Carmen Maura,

que es una película que rodé entre Barcelona y París.

Después vino la locura absoluta.

Fue hacer "Mentiras y gordas", que fue un exitazo.

Y fue el poder trabajar con el talento de aquel momento.

Me vi a todos los actores que había jóvenes en ese momento,

pero cuando entró Ana de Armas en aquella habitación,

se iluminó la habitación, ahí no había otra.

Había que trabajar con Ana de Armas.

Con ese Mario Casas superjovencito que empezaba.

Y después de eso, llegó "Solo química", que es mi homenaje

a la comedia romántica.

Mi homenaje a no creer en el amor o creer en el amor,

a las películas de los clásicos, a los musicales.

Y volví a hacer una película con Rodar y rodar,

que es una productora que me gusta muchísimo.

Y con Alejo Sauras,

que es maravilloso.

Con Natalia de Molina, que me hacía un papel,

que quiero repetir con ella, que es una actriz que me encanta.

Pues nada, Alfonso, esperamos verte pronto en "Días de cine"

presentando película.

Espero yo también estar muy pronto.

Para mí es un programa de referencia.

Estar contigo, Gerardo, y con todo el equipo.

Y para mí, hoy es mi día de cine.

Eres padrino de "Días de cine".

Soy el padrino. No he hablado de "El padrino",

que es una de mis películas de referencia total.

"Esta semana por fin llega a las salas

una de las películas más esperadas de la última década,

'Under the skin'.

Sí, habéis oído bien, hemos dicho de la última década.

Porque tras ser presentada en Venecia en 2013,

la fantasía protagonizada por Scarlett Johansson

se estrena con siete años de retraso.

Inspirándose en la novela homónima del neerlandés Michel Faber,

el siempre interesante Jonathan Glazer

nos presenta un esqueleto narrativo minúsculo

sobre el que se apoya un universo de reflexión existencial.

Una sugerente indagación en indescifrable naturaleza humana

y los dispares sentimientos que esta genera,

y un sensible y muy interesante análisis

sobre los roles de género que la sociedad atribuye

a cada persona según su sexo.

Glazer muestra al espectador unas cuantas piezas del puzle.

Pero espera que este lo reconstruya, complete y ordene.

Y eso no siempre es del gusto de todos.

La principal premisa se resume en pocas palabras.

Una misteriosa mujer deambula por Escocia

en busca de hombres jóvenes y solitarios

a los que arrastra hacia un destino incierto.

Apenas hay diálogos.

Y cuando los hay, apenas son comprensibles.

Glazer se apoya en el magistral trabajo

de su estrella.

También en unos actores novatos,

cuyos encuentros con Scarlett Johansson

fueron grabados sin guion y con cámaras no profesionales.

Proveniente del mundo de la publicidad y videoclip,

en los que se aprecia su interés

por los mundos sombríos y perturbadores,

Jonathan Glazar es un incansable buceador

en los misterios del alma y la mente humana.

Uno de sus más recientes ejemplos es 'The fall',

un cortometraje sin créditos que muestra el linchamiento

de un ser humano y se inspira

en una foto de Erik y Donald Trump Junior

durante una cacería.

Mucho antes, en su primera película, 'Sexy Beast',

se llevó a su terreno un género tan clásico

como el del 'thriller' criminal, plagándolo de elementos oníricos

y surrealistas de su personal mundo creativo.

Algo que intentó repetir en la muy interesante,

pero fallida, 'Reencarnación',

ahondando en el enigma de la muerte y las posibilidades de renacer.

Disfrazada como una fantasía de terror, de ciencia ficción,

'Under the skin' mantiene sus obsesiones y rasgos de autor.

Pero es aún mucho más ambiciosa.

Glazer insiste en su homenaje

a algunos de sus referentes principales.

Stanley Kubrick y la descomunal '2002'.

David Lynch y su desgarradora "Hombre elefante".

David Cronenberg y la innovadora en el género del terror 'Scanners'.

El deambular de la protagonista nos retrotrae a 'Species'

y 'El quinto elemento'.

Y en su particular 'vía crucis', hayamos algo

de los replicantes de 'Blade runner'.

Si un título sobresale por encima de todo

es 'El hombre que cayó a la Tierra', de Nicolas Roeg,

cineasta vital para la manera de concebir el mundo

y el cine de Jonathan Glazer.

Resulta imprescindible mencionar la música de Mica Levi,

con la que trata de expresar los sentimientos de la protagonista

conforme ella va experimentando nuevas sensaciones.

Aunque han tenido que pasar siete años

para poder verla en salas comerciales,

tenemos la absoluta seguridad de que pervivirá para siempre.

La fascinante 'Under the skin' es

ya un clásico de la ciencia ficción."

Vamos allá. Alfonso Albacete. "Días de cine".

Acción.

Pues, es muy difícil decir cuál es mi película favorita hoy día.

Pero pensaré cuál fue mi película favorita

durante toda mi juventud y adolescencia,

que sigue siendo para mí una referencia total

y es "Tiburón" de Steven Spielberg.

Yo tenía todo lo que se escribía sobre la película.

Los cuadernos de "Tiburón", el guion; todo.

Todo ese comienzo brutal.

Cómo estaba vendida la película.

Ella fue la primera, con esa chica corriendo,

devorada por el tiburón.

Fue una película que me marcó muchísimo,

que creo que es un antes y un después.

Y que demostró quién era el gran maestro del cine,

Steven Spielberg.

"Es imposible que no estén al tanto

del fallecimiento de Ennio Morricone.

Tótem de la música cinematográfica.

Con más de 500 composiciones a sus espaldas.

Muchas de ellas forman parte

de la memoria colectiva de occidente.

Su música se ha imbricado con la obra de algunos

de los mejores directores italianos.

Sergio Leone, Corbucci, Pier Paolo Pasolini,

Gillo Pontecorvo, Dario Argento, Bertolucci,

Giuseppe Tornatore, Franco Zeffirelli.

Entre los no italianos, Terence Young, Terrence Malick,

John Carpenter, Pedro Almodóvar, Miguel Hermoso,

John Boorman, Samuel Fuller, Roland Joffé,

Roman Polański, Barry Levinson,

y más recientemente, Quentin Tarantino, entre otros.

'Los odiosos ocho' es la primera ocasión

en la que el director cuenta con música original

compuesta expresamente para una película suya.

Era la primera vez que dejaba en manos de otro

la capacidad de influir en sus imágenes

sin previo control suyo."

(HABLA EN ITALIANO)

"La película obtuvo el Óscar a la mejor banda sonora.

Sería la segunda vez que le entregaban uno a Morricone,

a quien unos años antes se le había reconocido

su importante trayectoria con un Óscar honorífico."

Este tema lo he hecho en base al nombre de Bach.

Conoce los sonidos, las letras del nombre de Bach.

Si bemol. La b, la a, la c, la h.

Son diversiones privadas.

La gente no se da cuenta.

"El tesoro del archivo de Televisión Española

conserva numerosas entrevistas que nos revelan

a un gran conversador sin pelos en la lengua.

Un personaje de otro tiempo, como su obra, inmensa,

perteneciente a un arte, hoy desplazado, en parte,

por otros entretenimientos fugaces.

Pero que entonces, aún significaba mucho

para la práctica totalidad de los ciudadanos del mundo.

Por eso y por la fuerza de su música,

en este reportaje sobran las palabras de un redactor

y faltará espacio para escuchar en qué se traducen

esas partituras que contribuyeron decididamente

a aupar algunas de esas películas

a la categoría de obras imperecederas."

Si tuviera que componer para un solo instrumento,

¿cuál elegiría?

No puedo limitarme de esa manera.

Si quiere una respuesta concreta, apúnteme con una pistola y dígame:

"Escoge un instrumento inmediatamente o te mato".

Entonces, lo escogería. Así soy incapaz.

Mire, yo siempre he tratado de ser fiel a mí mismo.

Y no porque ahora sea un poco más conocido.

En todo caso, el hecho de ser ahora más conocido,

me hace sentir la necesidad de volver a componer,

como he vuelto a hacer desde hace unos años,

música al margen del cine.

La música sinfónica de cámara nace de una necesidad personal

y espiritual del compositor.

Mientras, la música para el cine,

nace de las exigencias de la película.

La música es enormemente dependiente del hecho cinematográfico.

De la imagen.

De tal manera que el cine se dirige a dos sentidos.

Uno, la vista, y el otro, el oído.

Y como la vista está más entrenada,

tiene mayor ventaja respecto al oído,

que es menos capaz de escuchar y menos aún de oír

varias fuentes sonoras diferentes,

como son la música, los ruidos, los diálogos, etc.

Por eso, el oído está, sin lugar a dudas,

en desventaja respecto a la vista.

Y es, seguramente, la parte visual la que vence en la película.

Cuando vence la parte musical, es porque el director

ha querido dar a su película un espacio especial

para el compositor.

Esto ha ocurrido con Leone y también con otros directores

respecto a mí.

Quiero decirte una cosa.

Yo ya había hecho dos películas del Oeste.

Una de ellas, entre otras, con un director español, Blasco.

Sergio escuchó la música que yo había escrito

para estas dos películas, y sin conocerme,

decidió que yo haría "La muerte tenía un precio".

La génesis de una idea se remonta a quién sabe qué casos.

Recuerdo que la música principal de "Por un puñado de dólares",

la del silbido, era una instrumentación.

Un arreglo que yo había hecho años antes

para la televisión, para otra pieza.

Leone y el productor oyeron esa pieza

y quisieron un arreglo con esa idea,

que era una idea de percusiones, de campanas.

De pitos y de ruidos de trabajo,

que daban la sensación de un trabajo que se realizase

en una ciudad, pero escuchado desde lejos.

¿Sabes? La voz humana, antes de ser una voz que habla

y canta hablando, diciendo palabras,

es un timbre, un sonido.

Yo me he limitado varias veces a utilizarla

como sonido, sin palabras.

Da la sensación que solo has hecho este tipo de películas.

¿Llegaste a estar fatigado de tanta película del Oeste?

No, debería estar enfadado y mucho,

pero por lo que usted acaba de decir.

Pero bueno, lo voy a pasar por alto.

Sin embargo, tengo que corregirle.

Yo he compuesto música de unas 300 películas.

De las cuales, solo 30 eran del Oeste.

Voy a hablar de un momento imprescindible

en la historia del cine.

Y es el final de la película de François Truffaut,

"El último metro", cuando estás metido

en una escena cotidiana

y de repente sale la cámara y te muestra que estás en un teatro

y que todo es ficción.

Aquí termina "Días de cine".

Muy feliz de haber participado en el programa

de cine de Televisión Española.

Y bueno, como me gustan los finales felices,

pues os daré besos a todos, ya que Gerardo

no se va a dejar, me va a hacer una cobra.

Te voy a hacer un cobro, ¿eh?

Que sepáis que todo lo que ha dicho son mentiras y gordas.

Y bueno, sobreviviré, ¿no?

-Sobreviviremos a esto. -Deberías.

-Vale. -Deberíamos.

-Un abrazo sí nos damos. -Un abrazo.

Sí, señor.

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Días de cine - 10/07/20

10 jul 2020

El lunes fallecía a los 91 años Ennio Morricone, compositor italiano responsable de inolvidables bandas sonoras de la historia del cine. ‘Días de cine’ le rinde homenaje en un programa que tendrá como padrino al director, escritor, productor y guionista.
El espacio de cine de La 2 mirará al cine español, con títulos como ‘La maldición del guapo’, con Gonzalo de Castro, Juan Grandinetti, Malena Alterio y Cayetana Guillén Cuervo; ‘Marcelino, el mejor payaso del mundo’, un docudrama protagonizado por Pepe Viyuela que recrea la vida de Marcelino Orbés, considerado el mejor payaso del mundo entre 1900 y 1914 y admirado por Charles Chaplin o Buster Keaton.
También español es el documental ‘Las letras de Jordi’, dirigido por Maider Fernandez Iriarte, que cuenta la historia de Jordi, nacido hace 51 años con parálisis cerebral, y su necesidad de comunicación.
A continuación, lo último de Cate Blanchett, ‘Dónde estás, Bernadette’, la nueva película de Richard Linklater que adapta el libro homónimo de María Semple; ‘Under the skin’, ciencia ficción de la mano de Scarlett Johansson; ‘First love’, del japonés Takashi Miike; y ‘Supa modo’, película keniana que cuenta la historia de Jo, una niña de nueve años, muy aficionada a las películas de acción, que vive la fase terminal de una grave enfermedad.
Además, la secuencia favorita del crítico, director y guionista Dan Sallit, y las recomendaciones del programa completan la edición de esta semana.

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