Presencial y virtual.

Aunque no pudo ser en primavera,

Documenta Madrid trae el mejor cine documental en otoño.

O hasta la Luna.

Daniel Calparsoro dirige una historia.

Pietro Marcello firma una adaptación de la novela

de Jack London.

(Música)

A mí me gustan mucho las plaquetas.

Lo que más me gusta es el "clac".

Estos meses he reflexionado mucho sobre mí.

He sentido un espíritu creativo

que me empujaba a convertirme en los oídos

por los que el mundo escucha.

Por fin se proyecta "Martin Eden",

posiblemente una de las mejores películas de 2019.

Acumuló 11 nominaciones a los premios Donatello,

ganando el mejor guion adaptado,

mejor actor en el Festival de Venecia y el Giraldillo de Oro

en el Festival de Sevilla.

Para Jack London, Martin Eden era un antihéroe.

Cuando llega el éxito,

podemos decir que pierde toda relación con la realidad,

pierde su contacto con la gente.

-¿Cómo se hizo esa cicatriz?

-Me la hizo un desgraciado.

Pero ahora él está cojo.

"Martin Eden" es la historia de un joven

que se cultiva hasta transformarse en un intelectual.

La cultura rescata de la ignorancia,

pero en el caso de Martin Eden es víctima de la industria cultural,

que es algo que le pasó a Jack London.

Fue una de las primeras víctimas de la literatura de masas.

La literatura entra en sus venas abriéndole a un nuevo mundo.

La filosofía y la política le transforman y terminan

por convertirlo en un escritor de éxito.

La forma de rodar de Marcello es portentosa.

Dibuja el periodo entre finales del XIX y mediados del siglo XX

como una oruga que a veces se comprime y en otras se expande.

La propuesta es que el cine popular conviva con el más experimental.

Aromas y sabor a Visconti o Pasolini,

un clásico instantáneo.

Para mí es imposible hablar del americano,

no es mi cultura.

Poderosa también en su región, esta adaptación se desbocada

en varias ocasiones, resultando poéticamente errática,

saltando del drama romántico al cine social.

En la piel de este diamante en bruto que se cincela por el amor

y la literatura se encuentra Luca Marinelli.

Una actuación que me atr

Una actuación que me atrevo a decir hubiera ocupado el podio

de nuestros Premios Días de Cine

si su estreno hubiese llegado semanas antes.

Tenía en mente a Luca Marinelli.

Luca era la persona de la que había pensado desde el principio.

Yo no soy un mito, y no lo demostraréis.

Conmigo no podréis nunca.

-Hoy empezamos por el final, porque el final es el principio esta vez.

Un libro de Werner Herzog.

Tiene mucho que ver con la película que recomendamos.

Un documental que recrea el viaje de Werner Herzog

como propio.

Ha dado lugar a una de las películas más bellas de 2020.

Comenzamos con la noticia del fallecimiento de John le Carré.

Autor de muchas novelas que aparentemente son de espías

pero que no lo son.

Autor de novelas como "El espía que surgió del frío".

Además de "El jardinero fiel", donde se decía que los periodistas

se inventan las historias

y son incapaces de ver las que tienen delante.

El próximo viernes no se emitirá "Días de cine",

pero os adelantamos algunos de los títulos que llegarán

a las pantallas.

Por ejemplo, una película de terror.

Otra película que se estrenará la próxima semana es "I Am a Woman",

un biopic australiano sobre la cantante.

Y para toda la familia, "Los Croods: una nueva era",

una de esas películas que llevan a montones de gente a las salas,

y ahora está haciendo mucha falta.

Con las voces en castellano de Raúl Arévalo y Ana Castillo.

Y aunque el próximo día 25 no habrá "Días de cine",

volvemos el 1 de enero con nuestro especial de lo mejor del año.

Hay una película que le gusta a muchas personas,

a millones de personas, y que yo no la puedo soportar.

Hasta la palabra no la puedo soportar. "Titanic".

¿Céline Dion canta bien? Canta bien.

Pero abre la boca y a mí hay algo que mal.

"Titanic" mal.

Esta edición de Documenta Madrid acertó por su apuesta

de las proyecciones en sala.

Aún se puede disfrutar de su programación en plataforma online.

Han asumido como propio estos dos tipos de corrientes fílmicas.

Dentro de la no ficción, cabe un documental observacional

como metraje experimental.

Se ha impuesto internacionalmente como criterio dominante.

Nos preguntamos qué sucedió con la semana de cine experimental

de Madrid, que algunos aún recordamos con cariño.

Sea como fuere, la selección de Documenta Madrid es impecable,

con una gran calidad en términos generales

y alguna que otra joya en particular.

Es fácil que casi cualquier espectador encuentre algo

que le pueda hipnotizar.

Ilustrísimo señor,

gobernador general de los territorios españoles

del golfo de Guinea.

Empezaremos por destacar "Anunciaron tormenta".

Nos sorprendió su ausencia en el palmarés.

Se estrena esta semana en cines comerciales.

Nadie quería hablar sobre eso. Se silenció.

La película es todo un proceso de investigación, casi policial,

que arroja luz a una parte oscura de nuestro pasado reciente,

la opresión colonial en la Guinea española.

Contrapone de forma reveladora dos fuentes narrativas.

Fui informado de que en la parte sur de esta isla ejercía

el titulado rey y que sus actos tenían atemorizados

a los partidarios de la civilización.

La documentación, elaborada por la administración de la metrópoli,

y los testimonios orales de los guineanos.

Aquí había muchos árboles.

Al rey le encerraron allí.

-Lo que pretendo hacer es una reconstrucción, si se quiere,

de estos documentos.

Si bien se han convertido en una especie

de historia oficial, te hace entender

que lo que hay ahí escrito es el encubrimiento de un crimen.

-Vistantes de la playa como cerca de dos horas de camino

¿Por qué me iba a limitar

solo a hacer este juego conceptual

cuando podía hacer algo lógico?

¿Por qué no iba a preguntar?

¿Por qué no preguntas a las propias víctimas,

a quienes han sufrido las consecuencias

generaciones después de este hecho histórico?

-Nadie podía acercarse a esa celda. Nadie.

-Preguntar para ver si se podía combatir no solo

desde unos recursos formales que pusieran de relieve

que esos escritos españoles eran erróneos e contradictorios.

-Escribe que se murió en el hospital de Santa Isabel.

Viendo que ya estaba agonizando, le bautizó.

No se sabe si es verdad.

Él tampoco estaría de acuerdo en que le bautizasen.

-A menos que le hubieran torturado.

No le gustaba nada de eso.

-El cine, por el registro que tiene,

podemos asistir a los silencios, las dudas, las equivocaciones...

Cuando hablan varias personas a la vez,

cómo se corrigen unos a otros.

Puedes entender mejor la sensación de vulnerabilidad,

el intento de recordar,

una serie de elementos difíciles de conseguir de otra manera.

-Todo el mundo estaba intimidado hasta hace poco.

Empezaron a concienciarse de que nosotros vivimos en nuestra tierra

y no es tierra de blancos.

(Música)

Otro estilo de colonización más reciente

es la que queda expuesta en "Responsabilidad empresarial",

del director argentino,

que elabora un interesante ensayo en el que queda expuesta

la implicación de varias empresas en el desarrollo

de la dictadura militar argentina.

15 están desaparecidos.

La mayoría de las víctimas tenían militancia gremial a las fábricas.

La mayoría de las víctimas tenían militancia gremial en las fábricas.

La guerra también quedó al descubierto en toda su crudeza.

Y dos películas distintas formaban un interesante contrapunto.

De un lado, la guerra real vista como un videojuego a través

de los visores electrónicos de los pilotos de helicópteros

de los ejércitos americano y franceses en Afganistán.

De otro, los códigos de la guerra real vistos desde el prisma

de un auténtico videojuego.

Sorprende el análisis tan profundo que llega a alcanzar

este ensayo visual en su dimensión filosófica.

Dialogan las películas y también los cineastas.

Dos relaciones epistolares entre directores.

"Correspondencia" se presenta como un sugerente diálogo

entre dos desconocidas,

Carla Simón y la chilena Dominga Sotomayor.

Cuando haces un intercambio así, la realidad se impone.

El año pasado, cuando estalló esta revolución en Chile,

Dominga tenía que mandar la última carta.

Pero su vida estaba superagitada por todo eso.

Fue muy fuerte recibirla.

Pero a ella le afectó su día a día.

Te das cuenta de que lo político y lo social

invade nuestra intimidad.

-Nos hemos criado con la precariedad desde pequeñas.

En "A media voz", la relación venía de lejos.

Las dos habían crecido en Cuba,

pero ambas se exilian por motivos diferentes.

La película propone un diálogo de ida y vuelta.

Las imágenes, voces e historias de nostalgia, ausencias

y problemas legales tienen fuerte poder de seducción.

Me da rabia que tengamos que salir catapultados de nuestro país

y que luego lo que nos espera sea la inmediatez.

-De alguna forma, somos el reflejo de una generación muy específica

de cubanos que decidimos emigrar.

Entonces, teníamos la voluntad de que fuéramos eso,

de que no fuéramos Heidi y Patricia.

-Que un personaje acabase de llegar mientras otro llevase más tiempo

era para que, poniendo los personajes juntos,

pudieran contar una vida.

No nos gustaría acabar sin mencionar

una de las joyas que nos tenía preparado el festival

el último día de proyecciones,

de la videoartista española Dora García.

Dora García contribuye a dar a conocer

llevando la contraria a la propia historiografía rusa.

Ha ido evolucionando.

En el año 22 se aparta del poder y pasa a ser diplomática.

Quería que se la recordase como figura

de la primera revolución de octubre a las órdenes de Lenin.

A partir de los años 30

se dejaron de publicar sus textos en ruso

a la vez que se publicaban en el mundo entero.

Después del estalinismo, se la recuerda por la labor diplomática.

Siempre se aisla la parte relacionada con la revolución

sexual.

--aísla

sexual.

Estamos ante una película que es una lección de guion y montaje.

A ver, actores y actrices...

Ya sé.

Montgomery Cliff.

Bueno, y Pepe Isbert también. Me hubiera gustado.

"A stormy night", el debut de David Moragas,

está rodada en Nueva York,

ciudad que el catalán conoce muy bien.

La trama es sencilla.

Dos jóvenes gays, español y americano,

pasan juntos tras quedar el primero atrapado por una fuerte tormenta

que provoca la cancelación de su vuelo.

Los dos representan dos versiones muy distintas de mí mismo.

Lo bonito que tiene el cine es que puedes coger muchas ideas

y organizarlas.

Aquí tengo la ocasión de organizar mis ideas

y distribuirlas en dos personajes distintos.

He estado en distintas escuelas de cine donde salía una vertiente

americana muy fuerte y el indie americano.

Los espectadores están invitados a una revisión

de cuestiones que surgen a lo largo de esa noche.

Los diálogos lo son todo o casi todo en "A stormy night".

Un matrimonio en crisis, una isla deshabitada y una misteriosa mujer

que ha sobrevivido a un naufragio son los principales protagonistas

de "ONS", donde los silencios son más elocuentes que las palabras.

Ambientada en la isla de Ons,

en la isla de Pontevedra,

dirige una película con tintes fantasmagóricos.

Los secretos que todos los personajes esconden

pesan tanto en el ambiente como la propia atmósfera

borrascosas de la isla.

También el reparto,

con Melania Cruz y Antonio Durán a la cabeza,

parece mimetizarse con el paisaje.

El personaje de Melania llega a la isla en verano

buscando la curación de su pareja

y todo es muy radiante y luminoso,

pero, a medida que entran en el otoño,

el clima de la isla va pasando por ellos.

Buscábamos un poco esto, que se fuese haciendo más sombría.

Que le fuese consumiendo la isla.

Nosotros hablamos mucho de la necesidad de amor,

de la seguridad emocional,

del instinto maternal y del deseo sexual,

y de la escasez de todo ello.

-Puedes quedarte aquí el tiempo que necesites.

Yo cuidaré de ti.

Bellamente rodada, confía en la inteligencia y sensibilidad

del público y prefiere no darle todo marcado.

Es todo un acierto.

Escenarios que parecen imposibles,

introspección, un recorrido por el Madrid del estado de alarma.

Un documento rodado en 8K, una altísima resolución.

Desea transmitir pura poesía existencial.

Empezó siendo un guion,

simplemente ser una antena para grabar este momento histórico.

Después evolucionó por el lado poético.

Hermosas voces absolutamente reconocibles de nuestro cine

para un documental artístico

que culminará con una exposición itinerante.

El clamor de una batalla ni empezada ni pérdida.

-Vinculo más "Renaceres" no con un documental periodístico

que te quiera contar un mensaje claro,

sino como una obra de arte que te suelta preguntas.

Con un tempo a lo Terence Malik

y alejándose del periodismo

con largas secuencias rodadas a lo largo de nueve meses

todos los días a la misma hora.

La propuesta es que sea un viaje que te invita a la autorreflexión

a través simplemente de música y de imágenes,

muy complicadas de encontrar por cómo se rodaron.

-Espirales que iluminan lo que quieras construir.

Todo el viento a tu favor.

Cuatro faros y un reloj.

-La peli no habla ni de pandemia ni de COVID ni de nada.

Es más un cuestionamiento, una pregunta acerca del ser humano.

Posee imágenes que parecen ciencia- ficción

y que invitan a la reflexión sobre el ser humano y su entorno.

Un trabajo arriesgado y muy personal sobre un año

muy complicado.

Isabel, estamos contentos de tenerte en "Días de cine".

Llevamos mucho tiempo detrás de ti.

Te has estado haciendo no la interesante,

porque has estado muy ocupada.

Es una especie de triunfo estrenar.

Es curioso que algo tan asociado al cine y tan orgánico del cine,

que es el estreno, ahora es como un milagro.

Es muy bonita esta sala.

Parece una cosa muy sencilla.

Es una especie de prolongación eterna de la infancia.

Mi abuela era taquillera de un cine.

De alguna manera, es como seguir viviendo en la mente de una niña

que quería hacer películas.

Me has contado esto de tu abuela, que yo no conocía.

Ya veías aquello en la pantalla y decías: "Yo quiero estar ahí".

Hubo un momento que me impresionó mucho.

Mi padre me llevó a la cabina de proyección.

Me impresionó.

O sea, ver que aquello que yo veía en la pantalla

partía de algo que se había impreso en unos trozos de celuloide

con agujeritos.

Después hay un momento en el que alguien decide.

¿Tú quería ser directora o actriz?

Actriz no. Soy consciente de que soy la peor actriz del mundo.

Me parecía más divertido ser la persona que manejaba los hilos.

¿Y por qué estudié historia?

Pensaba que un director tenía que tener una formación humanística.

Había leído unos cuantos libros

sobre la formación de un director como la formación del ojo.

Me parecía que era importante.

Yo tenía la sensación de que iba a aprender cine por mi cuenta.

Y es cierto que tuve una buena escuela.

Mientras estudiaba historia,

me contrataron de manera casual en una agencia de publicidad,

que además tenía una productora.

Se hacían muchos rodajes.

En el primer rodaje, el operador era el director

de fotografía de "2001". Hice una primera película gracias a él.

Esa primera película fue un fracaso total.

Luego, siete años después, hice "Cosas que nunca te dije".

Pensé en Lili Taylor,

que en aquel año era la musa del cine independiente.

Estaba rodando con Robert Altman.

Yo me acuerdo que él estaba en un hotel en Portland.

Me dijeron que estaba allí y le gustaban los puros.

Me traje de España una caja de puros.

Le convencí.

Hizo un papel secundario,

el papel de padre de Andrew McCarthy,

a cambio de la caja de puros.

Procuro pensar poco en el estilo.

Cuando uno empieza a pensar demasiado en el estilo

es cuando se pudre.

Pienso más en el contenido.

Sobre todo, en explicar historias de gente cercana,

en el ponerme de una manera en el papel del espectador.

Trabajaste con Tim Robbins.

Yo escribí "La vida secreta de las palabras" para Sarah.

Me parecía un actor impresionante.

Le acababan de dar un Oscar por "Mystic River".

Le intrigó el guion.

El primer encuentro con Patricia fue...

Es muy graciosa.

Y la tuviste en la librería.

Me quedé siempre con la duda.

¿Por qué le tiene tanta animadversión?

Le pretendió.

Y él no entró al trapo.

Eso pensaba yo.

Muy bien, muy bien.

Era la némesis de Patricia en "Aprendiendo a conducir".

Además, Carmen Machi y Pedro Casablanc.

Y Anna Torrent, que habla muy poco, pero mira mucho.

Hay gente que sabe sacar muy bien a los que miran,

y eso no lo hace cualquiera.

Me ha gustado eso como definición de lo que hago.

Yo saco muy bien a los que miran. Me gusta.

(Música)

Rodada sin diálogos, el nuevo trabajo de Juanma Bajo Ulloa,

participado por RTVE y presentado en el Festival de Sitges,

es un cuento actualizado.

Cambia a la princesa clásica por una yonqui

y a las brujas por tres traficantes de bebés.

Sacar algo más emocional.

Sentimientos que tienen algo que ver con lo inconsciente.

Por eso me he ido a lugares poco profundos.

Intentando hablar del alma del ser humano,

que a veces es muy oscura.

Por eso hay que iluminarla para verla.

Abrumada por el mono y el constante llanto de su recién nacido,

una toxicómana lo vende a una mujer y sus dos hijas.

Pero el instinto maternal es tan potente que regresa

para recuperarlo, descubriendo una escalofriante realidad.

Ves a una mujer que se vuelve animal.

Me gusta que coja este tema y lo haga en una poesía visual.

-El cine que me ha hecho convertirme en cineasta

es un cine que me ha hecho reflexionar.

Son imágenes que no me van a abandonar.

Narro cuestiones bastante dolorosas.

Ulloa propone un viaje desde el odio al amor profundamente visual.

Es encontrar lo que él está viendo.

-Tienes que ser más expresivo con la mirada y con los gestos.

Las palabras las tienes que reemplazar con la mirada.

Sus simbolismos,

la naturaleza, una madre suprema que constantemente asalta

los planos, junto con su fantástica banda sonora,

hacen de "Baby" un producto extraño.

(Música)

Hola. -Hola, chicas.

Rodada durante el confinamiento causado por la pandemia

y con los actores encerrados en su propia casa,

"Host" es un excelente ejemplo de cómo basta el talento para narrar

y muy pocos medios técnicos para conseguir entretener al personal

durante una hora escasa.

El experimento indie de un joven director británico que promete,

ya veremos si mucho o poco.

Savage se toma todas las licencias que desea para salvar

los déficits de su ingeniosa idea.

Entre algunos sustos anunciados y otros que no acaban de llegar,

viene a decirnos que en el género de terror lo único que cuenta

es que la gente pase miedo.

Y hay gente muy fácilmente impresionable.

No les digo más.

Tengo que decir que hay dos películas

de la historia del cine

que me hubiera encantado que fueran dirigidas por una servidora.

"Eva al desnudo" y "Apocalypse Now".

Yo veía en un cine de Barcelona "Apocalypse Now".

Y de repente veía la película y me veía con los helicópteros,

con Robert Duval, con Marlon Brando, con Dennis Hopper...

Me veía dirigiéndola, de verdad. Me parece una película total.

Contradicción es la palabra que describe a Kim Ki-duk y su final,

poético y brutal.

Un cine que no quiere dejar indiferente.

Murió en Letonia, lejos de su tierra.

Había recibido denuncias por agresión sexual

y pagó una multa por abofetear a una actriz.

"La isla" fue su presentación en occidente

y supuso una revelación.

Impactó por lo traumático de ciertas imágenes

y por la belleza del rodaje.

Narración minimalista.

Su visión cíclica del tiempo, aliada con el preciosismo visual,

traía el aroma de oriente.

El cuidado en el tratamiento de la imagen tenía origen

en el pasado como pintor de Kim Ki-duk.

Eso se refleja en todo su cine.

Frente a esas fábulas atemporales,

también trataba asuntos más cercanos a la realidad de su país.

Prostitutas, mendigos y criminales.

2004 fue su año. Estrenaba dos grandes películas.

"Hierro 3", una conmovedora historia de amor

que es la mejor película del autor.

"Samaritan girl" es más desgarrada.

Tendrá eco en el cine posterior del director.

Es una evidente alegoría religiosa,

pero también un drama urbano y una historia perversa

sobre las relaciones familiares.

El paisaje es el de la crisis económica que sacudía a Corea

y el mundo.

Antes, Kim Ki-duk había pasado por una crisis personal.

Un accidente de rodaje casi le costaba la vida a una actriz.

Kim Ki-duk dejó el cine y se encerró en sí mismo.

Es el mejor ejemplo de la feroz independencia de Kim Ki-duk.

Rodada con presupuestos modestos para no sufrir presiones.

Muchas veces trabajaba sin guion.

Frente al poder de sus imágenes,

la palabra tuvo siempre una palabra menor en su cine.

la palabra tuvo siempre un peso menor en su cine.

Esto llegó al límite en "Moebius", que no tiene ni un solo diálogo.

No quería dejar de hacer políticas incómodas, poéticas y rebeldes,

porque ese era el cine de Kim Ki-duk.

(Música)

Mi directora favorita de la historia del cine es Agnès Varda.

Era maravillosa. Tenía una curiosidad increíble.

Yo la admiraba muchísimo.

Es mi brújula.

(Música)

Eres Gloria Steinem.

-Puntó cuatro actrices dan vida a Gloria Steinem

-Cuatro actrices dan vida a Gloria Steinem

en cuatro etapas de su vida.

Parte de la autobiografía de Gloria Steinem.

Hace un viaje desde su infancia.

Se convirtió en el icono feminista en los años 60 y 70.

En "The Glorias" están presentes aquellas que impulsaron

los derechos de la mujer.

La verdad os hará libres, pero antes os cambiará.

"The Glorias" no es el clásico biopic.

Encuentra recursos originales para enriquecer la película.

Viajan en un autobús atemporal.

Por favor, Gloria, no es la primera vez.

Algunas situaciones, reacciones o sentimientos se presentan

con originales ensoñaciones.

Utiliza el archivo para mostrar momentos históricos.

"The Glorias" es un retrato interesante y necesario.

Muestra la importancia de los sororidad

y el activismo transformador.

Se han conseguido muchas cosas, pero no todas.

Hay que seguir peleando.

En todos estos años los valores con los que crecimos

se siguieron viniendo abajo.

Nunca pensé que estuvieras dispuesto a dar el paso

de quedarte a vivir en otro sitio.

Llega a las salas "A media voz",

estupenda propuesta de Patricia Pérez Fernández y Heidi Hassan,

dos amigas desde la infancia unidas por su inquebrantable vocación

cinematográfica que debutan juntas en el largometraje.

Tenía 24 años.

Un universo completamente nuevo se manifestaba delante de mis ojos.

-Lo que nos fue más natural fue utilizar nuestra correspondencia

escrita y fotográfica, audiovisual,

como inspiración para hacer esta película.

-¿Por qué nunca escribiste?

-Hace poco, alguien nos preguntó si todas las imágenes

que habíamos grabado sabíamos que las íbamos a utilizar

en la película. En realidad, no.

-Me gusta que compartas las cosas que te han ido transformando

en esa mujer en la que dices que te has convertido.

Se funden armoniosamente en un único discurso

sin que se confunda la voz personal y cinematográfica

de cada una de ellas.

Se sobrepone para una reflexión existencial.

La supervivencia en el exilio o los sueños rotos.

Aquí me siento como una página en blanco.

Solo tú puedes ayudarme.

Estoy segura de que sabrás por donde empezar.

--dónde

"A media voz" podría definirse como documental epistolar.

Me veo tan desorientada.

Soy consciente de que decidí entrar ilegal en España.

A partir de ese momento, no pude elegir mucho más.

¿Un placer culpable?

"Zoolander".

A mí me parece muy buena,

pero seguro que hay gente que le parece muy mala.

A mí me parece una obra maestra. Culpable, pero obra maestra.

Se presentó en el pasado Festival de Málaga,

donde, entre otros premios, consiguió el del público

y el de mejor actriz, que recogió Kiti Mánver.

Hemos pensado estrenar esta película aquí.

Y luego, una semana después, en cines de toda España.

Y de repente, la vida es aquello que te pasa mientras tú estás

ocupado haciendo otros planes, de repente llegó el coronavirus.

-No va a encontrar nada mejor.

-Lo sé, es un precio especial teniendo en cuenta...

-Teniendo en cuenta el inconveniente.

Da pie a ciertas dosis de humor negro que Kiti Mánver

y Juana Acosta manejan con gracia y soltura,

con la flexibilidad para el registro cómico

que tienen acreditada.

Yo le propuse a Juana, e inmediatamente me dijo sí,

por qué no estudiábamos juntas.

Estuvimos un mes estudiando juntas.

-Nunca había llegado a un rodaje sabiendo la película entera.

La tengo muy avanzada, pero tenerla memorizada de principio a fin

muy pocas veces me había pasado.

Acompañan a la pareja protagonista absoluta tres actores.

Con espacios más reducidos, cumplen a la perfección

sus cometidos.

José Sacristán, Carlos Areces y Daniel Grao.

"El inconveniente" desprende simpatía y va de menos a más

a lo largo del metraje.

Comienza con un tono ligero de comedia de situación.

Para ese fin, el guion se enriquece con algunas notas de reflexión.

¿De qué vas criticando lo que hago?

-Yo voy con la verdad por delante.

-La película habla de que tienes que vivir el momento

que la vida te va trayendo sin pensar ni en el futuro

ni en lo que tienes detrás.

-Si volviera a nacer, no volvería a cometer los mismos errores.

Con el telón de fondo de las perversas operaciones comerciales

que el sistema capitalista propicia,

debate asuntos como la soledad, el valor de la amistad

y la idea de que nunca es tarde para reconocer

y enmendar un error importante.

A los que os quedáis,

que aprovechéis el tiempo.

-Le podías haber puesto más emoción a la cosa.

Me gustaría llevar a la pantalla

una novela de una autora japonesa.

Es una distopía impresionante.

Me encantaría.

Y una de las cosas que me gustaría hacer una vez en la vida,

antes de que me muera, es una película con mucho presupuesto.

Me gustaría por una vez.

"La estanquera de Vallecas"...

Son algunos de los títulos más conocidos del que se denomina

cine kinki.

Me gustaban muchísimo.

Eran películas que tenían una vocación de cine espectáculo.

Daniel Calparsoro actualiza el policial patrio

en "Hasta el cielo".

No tiene vocación documental.

Es una película espectáculo, para disfrutar,

pero enraizada en esa realidad.

-El personaje está basado en una persona real y yo he conocido al

aluniceros real.

alunicero real.

Es un tío de lo más normal.

Ángel empieza a hacerse un nombre por su talento planeando golpes

y evitando a la policía.

Se gana la atención de dos mujeres.

Quiere ser peluquera.

Con sus vecinas se lleva muy bien.

Tiene otros objetivos.

Ahí sí que puedo entender un poco...

Con su habitual solidez, se aloja en el cuerpo de Luis Tosar.

Mezclando personajes que sí que he conocido,

pero dándole el punto de princesa.

La nueva delincuencia se actualiza

y no disimula su estatus.

En un milenio donde la fachada lo es todo,

estos criminales viven a ritmo de reguetón y de trap,

haciendo ostentación de lujo.

Una orgía de planos impecables.

Muy inspirada también en las películas.

Necesito respirar, taquicárdico, no paro...

Luego tiene su parte dulce.

La testosterona del quinqui de los 80 queda equilibrada

por la fuerza de sus personajes femeninos,

dispuestas también a mancharse las manos.

Las muchachas ya no esperamos.

-Todos los personajes son bastante ambiciosos.

Yo creo que incluso el policía también.

-El retrato que se hace del espectro de la delincuencia.

Con una evolución de su protagonista que recuerda

a la de los personajes de los videojuegos,

"Hasta el cielo" va concatenando diferentes asaltos,

a cada cual más espectacular.

El baile de lealtades y traiciones.

Allá arriba se nos tiene que ver... -Como hormigas. Ellos.

Allá arriba se nos tiene que ver... -Como hormigas.

Es un trepidante viaje por el mundo criminal

que propone atrapar al espectador durante sus dos horas de duración.

(Música)

Tras el rotundo éxito de "Wonder Woman", la de 2017,

llega la secuela con el mismo equipo que logró el milagro

de hacer un excelente filme comercial.

"Wonder Woman 1984" recurre al mismo esquema de la anterior,

trasladarse en el tiempo a un momento crítico de la historia

reciente de la humanidad para corregir el rumbo

y hacer que los dioses del mal no se salgan con la suya,

según la mitología de la civilización amazónica.

Ahora viajamos a los años 80, en plena Guerra Fría.

Un especulador sin escrúpulos a cargo de Pedro Pascal,

con un inequívoco parecido al joven Trump,

encarna la tramposa esencia del sueño americano.

Y para ello, Diana, nuestra deslumbrante Wonder Woman,

no solo lucha en el plano de la exhibición acrobática,

sino con contundentes mensajes provenientes

de su sabiduría ancestral.

En el camino y con la presencia de su partenaire, Chris Pine,

asistimos a momentos de comedia,

así como a un duelo de hembras alfa entre la mujer maravilla

y una Kristen Wiig con superpoderes sobrevenidos.

El entretenimiento está garantizado y su larga duración apenas se nota.

Y una vez más, por encima de todo,

brilla con luz propia irresistible encanto de la actriz

y modelo israelí Gal Gadot, espléndida en todos y cada uno

de sus registros.

(Música)

Hay un momento en que Montgomery Cliff hay un momento

que despide a su amada y se le cae la gabardina

y la va arrastrando un poco.

Me pareció precioso ese momento.

(Música)

Pues esto ha sido todo, amigos.

Me han hecho muchas preguntas,

pero se me han quedado muchas cosas por decir.

Muchas.

Pues seguimos hablando lo que haga falta.

Me has aclarado eso de la librería.

Tú me has traído solo para esto, ¿verdad?

Nos queda muy poco tiempo de programa.

El justo para recordaros que el 25 no habrá días de cine.

Volvemos el 1 de enero con un programa sobre los mejores de 2020.

(Canción en inglés)