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Para todos los públicos UNED - 03/11/17 - ver ahora
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Hoy nos encontramos en un sitio muy especial

porque la clase la va a dar, por primera vez,

una historiadora del arte.

Dentro de la exposición de Lucía Vallejo “Memento mori”

en la sala “La fragua” de “Tabacalera, promoción del arte”,

gracias al patrocinio del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte,

donde va a tener lugar la Master Class de Barbara Rose,

historiadora del arte estadounidense,

crítica de arte, comisaria de exposiciones,

ha trabajado con los medios más relevantes

del mundo entero especializado,

ha realizado exposiciones en lugares como el Reina Sofía, el Thyssen

o el MoMA de Nueva York, ha escrito numerosos libros.

Hoy vamos a tener una clase muy especial por dos razones:

una porque es la primera que no es de una artista en su estudio,

y dos porque nos va a dar una clase

muy especial porque va a ser muy personal.

Va a hablar de mujeres en el arte a lo largo de la historia,

pero no de una manera académica, sino, como he dicho,

era uno de los primeros artistas abstractos en el mundo.

Pero esa imagen, ¿es una imagen de algo?,

pues sí que es, porque haciendo investigaciones en los archivos,

yo he encontrado fotos de Stevens, su marido,

de bueno... de sus partes personales.

Esto está hecho después de una foto de su vagina hecha por Stevens

que no se publica y de la que tampoco se habla.

Ella pintó muchas flores, pero todas esas flores están relacionadas

con partes íntimas femeninas, pero ella no quería hablar de esto.

Es una foto de ella hecha por su marido Alfred Stieglitz.

Se casó con Stieglitz siendo bastante joven.

Stieglitz ya tenía una galería de arte, era un gran fotógrafo,

pero sobre todo tenía dinero.

Esta historia de las mujeres es también una historia

de cómo se puede funcionar como artista.

A primeros de siglo,

como Georgia O’Keefe murió con 98 años, pero vivió todo el siglo XX,

la persona que quería casarse con ella era Frank Lloyd Wright,

pero como arquitecto no podía hacer nada para su carrera (de ella),

pero Stieglitz con su galería y su dinero

las cosas funcionaron perfectamente,

pero él era una persona mayor y yo, personalmente,

no sé si ella jamás en su vida estuvo enamorada de él.

Sólo una vez firmó “Georgia Stieglitz”

y fue para el certificado de muerte cuando murió Stieglitz.

Otra amiga mía, Lee Krasner, se casó con Jackson Pollock

y por ello vivió una vida bastante difícil,

porque los machos de la escuela de Nueva York

no querían admitir que ella era una gran pintora.

Cuando yo la conocí, en 1963,

casi 10 años después de la muerte de Pollock...

Esto es un cuadro de ella de finales de los años 50.

Su estilo no tiene nada que ver con Pollock

porque ella no pintaba en el suelo,

ella era muy estructurada y, la verdad, que está ahora saliendo,

es que ella era la profesora de Jackson Pollock porque él,

como pintor, era muy provinciano

y cuando se conocieron él era muy primitivo en su estilo,

pero poco a poco Krasner introdujo a Jackson Pollock

en las teorías de Matisse, de Hans Hofmann,

porque ella estudió con Hans Hofmann...

En los años 30 las mujeres artistas en EE.UU.

podían salir porque había un programa,

después de la caída de la bolsa, del gobierno.

La mujer artista podía también entrar en este programa.

Krasner era la jefa de Willem de Kooning que trabajaba para ella.

Cuando empezó la guerra, cuando volvieron los hombres de la guerra

hubo de nuevo una represión total de las mujeres.

Pollock la protegió mucho y apreció mucho su arte,

pero como era una persona que no quería entrar en el mundo del arte...

Él promocionaba la pintura de Lee, pero no podía presionar a nadie

porque su galerista era Peggy Guggenheim

y Peggy Guggenheim odiaba absolutamente a Lee Krasner.

Es por ello que era muy competitiva con las mujeres en general

y por eso Lee no pudo entrar en la mejor galería de la época,

pero luego sí que hizo la expo con Petty Parsons,

también mujer, pero abierta y que estimaba la producción de Krasner.

Yo, mirando la situación, pensaba que nadie conoce

la obra de esta persona que yo considero una genio.

Yo he hecho una película documental y con esta película, finalmente,

se ha empezado a apreciar su obra.

Yo, sobre otra gran amiga mía, Helen Frankenthaler,

he escrito la monografía sobre su obra.

Esta es Helen en su taller,

muy joven, y ella comenzó una nueva técnica.

Esta es mi amiga Judi Harvest

que tiene en la próxima bienal de Venecia una expo.

Ella trabaja solamente en cristal; trabaja en Murano.

Hace varias series concentradas sobre problemas como el malestar

o lo que esté en peligro.

Ahora está con las abejas porque si mueren las abejas,

y se están muriendo, nosotros no tenemos más agricultura.

Todo esto está hecho en Murano, en Venecia, en cristal.

Otra amiga, que se llama Carolee Schneemann, era súper guapa.

Esto es una performance de ella hecho en los años 60.

Al principio era una artista de performance,

pero tuvo una relación con la escuela austríaca.

Ella era accionista

y ha hecho performance con los accionistas austríacos

y en el Mumok, en Viena,

su obra está puesta con la obra de ellos,

pero la contradicción entre su belleza personal,

porque verdaderamente era muy guapa,

pero no quería ser víctima de su propia presencia física,

hizo exageraciones y performance muy, muy fuertes,

que chocaron a mucha gente.

Pero como persona es muy tranquila,

es una persona extraordinariamente simpática, tranquila,

pero no quería ser dominada.

Pero, había un artista masculino, de nombre Robert Morris,

este es Robert Morris, la chica que se ve es Carolee Schneemann.

Morris, para dominarla,

le ha puesto un nudo en la posición de Olimpia de Manet

y le ha pintado su cuerpo de color rosa.

Yo le pregunté que por qué hizo eso y me dijo:

“¡Para hacerla callarse!”

Otra amiga mía, Hannah Wilke,

hizo toda una serie de fotos de sí misma

-también súper guapa-

porque el problema de ser súper guapa y mujer artista

es también un problema.

Es interesante porque es un problema, quizás, diferente,

pero es un gran problema, a la vez.

Hizo una serie que se llama “Escarificaciones” y fue muy atacada.

Parece muy actual, como de la tele de hoy en día.

Ella murió de cáncer de pecho

y lo que hizo fue hacer fotos de ella misma a diario mientras moría.

Esto es un detalle de la obra de Lee Bontecou

de los años 60 en la galería Castelli.

Leo Castelli no tuvo problema con las mujeres.

Si el artista era fuerte, bien.

Lee, en su momento, era extraordinariamente importante.

Está muy relacionada con la obra de John Chamberlain,

pero más construida,

muy fuerte y cosida al igual que una mujer cose su tela.

Esta es una obra suya de los años 60.

Luego ella dejó el ámbito del arte y se casó.

Normalmente la mujer artista se casa, tiene hijos y es el final.

Pero ella, durante esa época, en secreto,

continuó trabajando y ahora va a presentar nueva obra,

pero es una obra hecha, más o menos,

fuera del mundo del arte y es en cristal.

Es una obra muy, muy grande y está hecha en acero de Rosemarie Castoro.

Rosemarie era muy amiga mía.

Se puede entrar dentro,

es como las máquinas de torturas medievales

y es extremadamente fuerte,

pero tan sólo para realizar esta obra le faltaba un año,

pero Rosemarie hizo teatro, danza, escultura, dibujo... todo.

Era una persona que no tenía miedo de nada, de nada, de nada...

Esto es la obra de Jo Baer: be, a, e, ere.

Joe Baer tiene ahora 93 años y vive en Ámsterdam.

Es de origen canadiense y siempre ha vivido su vida como quería.

Era la única mujer de la escuela minimalista.

No, hay otra...

Esta es una obra de principio de los 60.

Joe decidió cambiar de vida e irse de los EE.UU. y vivir en Irlanda.

Ahora, desde hace 20 años,

vive sola a los 93 años en Ámsterdam haciendo cuadros como este,

muy misteriosos y yo no puedo decir lo que siento, son misteriosísimos.

Esto es una obra de Dorothea Rockburne.

Dorothea fue alumna de Black Mountain College

y era la ayudante de Rauschenberg

para ganarse la vida porque no tenía dinero.

Ella, para mí, es una gran artista que estudió física y matemáticas.

Esta es Melissa Kretschmer que tiene unos 40 años.

Es pintora, pero inventa un modo diferente de pintar,

porque pinta, pero también, sobre madera,

hace excavaciones dentro de la madera y es muy detallista.

Su taller es un sitio donde hacer grandes cosas en madera

y su problema es que está casada con Carl Andre.

Ella es mucho más joven.

En este momento tiene una expo suya personal en Düsseldorf.

Su marido es mayor y es un problema de la mujer en general,

qué se hace con los hijos, el marido y tal y cual.

El artista hombre no tiene que pensar en esto, entonces qué hace.

Seguramente todo el mundo reconoce de quién es esto,

es Carmen Calvo a quien yo conozco desde el año 82

cuando era comisaria de una exposición suya en Valencia.

Carmen es para mí una de las artistas más originales que hay.

Tiene una imaginación increíble.

Carmen ha inventado un proceso de trabajar con fotos

y añadir sobre las fotos otros elementos.

John Baldessari, que es muy conocido en EE.UU.,

ha cogido esta idea de Carmen y,

perdóname, pero nadie lo sabe, nadie lo dice.

Esta es Nancy Graves.

Nancy Graves era la esposa de Richard Serra, la primera.

Nancy ha hecho de todo, escultura, pintura...

pero Nancy tiene la suerte de tener dinero;

no tanto, pero bastante como para no pensar en esto.

Había una competición feroz, si uno se puede imaginar una mujer artista

viviendo con Richard Serra luchando todo el día, día y noche...

Un día me dijo:

“Tengo la solución para cómo hacer que se vaya Richard”

Ella comenzó con una serie de camellos,

porque también estuvo en el desierto haciendo películas.

Ella es una artista sobresaliente,

habría que hacer una gran antológica suya,

porque es increíble como artista.

Ahora estamos en Orland que es francesa.

Primero inventó un personaje que se llama Santa Orland

y que era una escultura policromada de la que ella hizo las fotos,

pero muy potente.

Luego empezó con una serie de obras

que eran performances quirúrgicas y plásticas sobre sí misma.

Cambió completamente su cuerpo

y aquí se ven los cuernos que se puso dentro.

Cambió todo su aspecto.

Pero las sesiones de cirugía fueron completamente estructuradas

como una obra de arte.

Esto es una nueva amiga inglesa.

Esto parece una foto y es una foto,

pero es una foto de un ambiente completamente construido por ella.

Aquí ella está en la silla Corbusier,

que se conoce muy bien, que es un icono del diseño,

pero la verdad es que no era una obra de Le Corbusier,

era una obra de su novia Charlotte Perriand.

Este es un cuadro muy, muy grande que me encanta particularmente a mí

y que está en la expo Painting After Postmodernism.

Se llama Lois Lane y tengo que confesar que Lois era alumna mía.

Lois fue alumna mía en los años 70 en Yale University,

y yo organicé una expo: “La pintura norteamericana de los años 80”.

No dije nada de la composición

de esa exposición que era de 44 pintores,

pero la mitad eran mujeres y nadie se dio cuenta, jamás, hasta ahora.

Nadie dijo que la mitad eran mujeres.

En el año 80, los pintores más fuertes eran ya mujeres.

Si hay preguntas...

Fundae es una entidad de derecho privado

que pertenece al sector público estatal

y está gobernada por los interlocutores sociales,

la administración del estado

y la administración de las comunidades autónomas,

de cada una de las 17 comunidades autónomas.

El objetivo institucional de la Fundae es difundir

entre empresarios y trabajadores la importancia de la formación

e informar de la disponibilidad

de cursos gratuitos para los trabajadores

sostenidos con los fondos de la cuota de formación profesional

y que tienen como finalidad mejorar su empleabilidad

y, por tanto, la competitividad de las empresas españolas.

La manera en que nosotros trabajamos

en el sistema de la formación para el empleo,

básicamente, consiste en poner en marcha

procedimientos de financiación de cursos a través de la llamada

formación subvencionada o formación de oferta,

oferta de las administraciones públicas y, también,

a través de las bonificaciones que las empresas aplican

a sus cotizaciones de la seguridad social por la impartición de cursos,

o la financiación de cursos a sus trabajadores.

Es innegable la importancia

y trascendencia cultural del Antiguo Egipto.

El gran legado que ha llegado a nuestros días

permite generarnos una imagen muy aproximada de la vida

en una civilización milenaria.

La difícil conservación de esta ingente cantidad de tesoros

ha provocado que algunos de ellos hayan tenido que salir del país.

tiene el privilegio de contar con una joya del Antiguo Egipto.

Un edificio completo traído desde esas desérticas y lejanas tierras.

Es el templo de Debod,

construido hace unos 2.200 años en la Baja Nubia.

Tras el Museo del Prado y el Museo Thyssen-Bornemisza,

el templo de Debod,

es el tercer museo más visitado de la capital de España.

En 2014 recibió unos 400 mil visitantes

dispuestos a sumergirse, por un rato,

en el edificio más "antiguo" de Madrid.

Desde el punto de vista de su carácter,

el hecho de tener un templo egipcio en Madrid,

es un hecho bastante importante.

No todas las ciudades, fuera de Egipto, tienen colecciones egipcias,

y muy pocas, elementos de esta naturaleza

y de la importancia del templo de Debod.

El templo es un monumento prácticamente, completo,

tiene algunos añadidos que se realizaron en Madrid,

cuando ya estaba el templo en España,

para completar su visión, no para añadirle nada nuevo,

pero, en realidad, es un templo completo,

y, además, un templo de gran importancia histórica

por los personajes que están representados, concretamente,

uno de los personajes representados en sus paredes,

del cual tenemos muy pocos datos,

y el templo de Debod, junto con otro elemento en Filé,

son los únicos testimonios de su existencia.

La historia del templo de Debod es un relato de supervivencia,

tanto a los inconvenientes climáticos

como al desarrollo de la civilización.

Retrocedemos a 1959, en la llamada República Árabe de Egipto.

Allí, el presidente Gamal Abdel Nasser,

consideraba indispensable la construcción

de una segunda presa de Asuán,

para garantizar el abastecimiento de agua de la población egipcia.

Una enorme empresa, difícil y costosa, sí,

pero necesaria para la prosperidad energética de los egipcios.

La ayuda internacional,

con especial mención a la que prestó la URSS, facilitó la tarea.

Sin embargo, no disponían de los recursos económicos

que evitaran que un buen número de monumentos

desaparecieran sepultados por las aguas.

La UNESCO lanzó un llamamiento

para poner a salvo una serie de restos históricos de la Baja Nubia

que iban a quedarse para siempre bajo el Nilo.

En 1960, España respondió a esa llamada.

Fue el comienzo de la investigación egiptológica de nuestro país.

Como agradecimiento a esta colaboración internacional,

la República de Egipto entregó cuatro templos:

Dendur, a los Estados Unidos de América;

Ellesiya, a Italia;

y en 1968, el templo de Debod a España.

Alemania recibió el pórtico ptolemaico del templo de Kalabsha,

que se encuentra en el Museo Egipcio de Berlín.

El templo de Debod fue desmontado

y trasladado a la isla de Elefantina, frente a Asuán, en 1961,

quedando depositado allí durante diez años.

En 1971, se trasladó al puerto de Alejandría,

de donde partió rumbo a España.

Ya en España se acometió

la difícil y compleja tarea de volver a colocar

cada uno de los 1.356 bloques originales en su lugar,

y de reemplazar los que se habían perdido con el paso de los años,

lo cual se hizo mediante una piedra blanda

traída de Villamayor, Salamanca,

de un color algo diferente para poder distinguirla de la original.

El templo se situó en el Paseo del Pintor Rosales

y fue inaugurado en 1972,

entre una gran expectación por los madrileños de aquella época,

grandes y pequeños.

Yo estaba recién licenciada

de la Facultad de Geografía e Historia

de la Universidad Complutense,

alumna de los profesores Blázquez y Almagro Basch,

y como recién iniciada en el mundo de la Arqueología,

pude participar en la reconstrucción

de un templo egipcio en esta zona del Parque del Oeste de Madrid.

Fue un proceso larguísimo

y unas negociaciones bastante duras y difíciles.

Y por fin, después de diez años, llegaron las...

el desmantelamiento del templo y la llegada de las piedras aquí.

No llegaron todas, ni mucho menos,

tampoco llegó toda la documentación que se esperaba.

Fue un trabajo muy laborioso y muy difícil,

en el que tuve el honor de... no participar,

pero, por lo menos, estar pendiente de ello

y aprendí muchísimo de la construcción del templo.

"El templo de Debod, en los jardines del Cuartel de la Montaña,

ha sido esta vez el escenario del concurso

de pintura infantil, al aire libre,

que desde hace 16 años se viene celebrando en Madrid,

con ocasión de las fiestas de san Isidro,

organizado por el Instituto Municipal de Educación".

Desde entonces, el templo de Debod,

ha formado parte del paisaje madrileño,

escenario de las más originales iniciativas

a lo largo de estas 4 décadas.

Hasta aquí la versión oficial.

Sin embargo, en el año 2000 se desclasificaron unos documentos

que ponían en duda el concepto de donación.

Texto que recoge Miguel Jaramago,

miembro de la Asociación Española de Egiptología,

a través de uno de los mayores expertos en el tema.

España tuvo que pagar para que se le concediera el templo.

Leo la información que consta en el Ministerio de Exteriores,

que está publicada en Historia XVI, y os la leo literalmente.

Esto es una publicación

realizada por un investigador que se llama Carlos Jambrina,

hizo un trabajo magnifico y comenta que, efectivamente,

el templo se donó y, en concreto, a Madrid.

El que viniera a Madrid, fue una decisión también difícil,

fue porque Madrid dio el último empujón económico

para que se pudiera comprar el templo, entonces dice...

El documento de Exteriores del año 1969,

"se sabe que el templo de Debod se va a instalar en Madrid porque,

desde el ayuntamiento de Madrid se ha concedido"...

dice: "dicho templo será erigido en Madrid,

porque está procediendo a los abonos de esta cantidad

y las cantidades anteriores".

Y el autor dice:

"Fue una cuestión de dinero, el que paga se lo queda".

Eso en cuanto a la adjudicación a Madrid.

Y en cuanto a la adjudicación del templo a España,

también hay documentos en el Ministerio de Exteriores

en los que se hace constar como negociaciones bastante duras,

se solicitaba dinero a los distintos ministerios,

los ministerios no tenían mucho dinero,

se pasaban la pelota unos a otros, en fin,

es un artículo bastante interesante.

En síntesis, lo que quiero llegar a decir es que, efectivamente,

hay una donación oficial por la colaboración de España,

pero, claro, sorprende saber que Gran Bretaña o Francia no tuvieron.

A mí me da la sensación personal,

que los holandeses, italianos, americanos y alemanes,

tuvieron una negociación similar a la nuestra,

Es decir, mientras que la de España sí que

la ha publicado este investigador,

creo que los demás países también pagaron.

Lo cierto es que lleva décadas en Madrid

y los diversos visitantes del Parque del Oeste

ya se han acostumbrado a su presencia

entre grandes y emblemáticos edificios.

Un templo, una construcción religiosa,

donde vivía el dios al que se adoraba en el lugar,

ahora rodeado de los más curiosos,

de fotógrafos, deportistas, excursiones o, simplemente,

de aquellos que pasaban por ahí y que quieren disfrutar

de las fantásticas puestas de sol que ofrece la zona.

El templo era, simplemente, la morada del dios,

donde se ubicaba la figura de la divinidad,

no era el lugar donde acudían los fieles a adorar a su dios.

Esa es la gran diferencia que hay entre los templos egipcios

y los templos de otras religiones, incluso, las religiones actuales.

El dios habitaba allí y solamente tenían acceso a él,

el faraón y algunas elites de los sacerdotes,

donde le hacían los ritos y los sacrificios,

pero nadie más, ningún fiel ni ninguna otra persona.

Pero ¿y Debod, en concreto?

¿Qué función tenía en su ubicación originaria?

¿Qué dioses están representados en él,

y qué faraón ordenó construirlo?

El templo está repleto de relieves

que han resistido el paso de los años,

el estar sumergidos bajo las aguas del Nilo,

el vandalismo...

y numerosas agresiones más

que no han conseguido borrar los ecos de una cultura majestuosa.

Y entre todas las representaciones, destaca una figura casi desconocida,

la del rey nubio Adijalamani.

Actualmente, en una visita al templo,

podemos observar en sus paredes el paso del tiempo.

Los momentos en los que fue creada,

por ejemplo, en la capilla en la que estamos,

que llamamos la capilla de Adijalamani,

tenemos representado a un monarca que no es egipcio,

que no es de la dinastía Ptolemaica,

que no es un rey egipcio, sino que es un rey de Kush,

es un rey de Meroe, de un estado que estaba al sur de Egipto

y que mantuvo una cierta competencia por el control de esta zona

y por el control de todo el valle del Nilo a lo largo de su historia.

El templo de Debod es el único lugar

donde tenemos documentado prolijamente a este monarca.

Fuera del templo de Debob

solamente se conoce parte de una estela hallada en Filé.

Y ni siquiera su lugar de enterramiento,

aunque se ha asignado una pirámide en el cementerio real de Meroe,

es segura, porque el nombre real que figura en esa pirámide

no corresponde estrictamente a este monarca, Adijalamani.

Además, nuestro templo es uno de los mejores en el sentido,

no solamente por el tamaño, sino por su significación histórica,

documenta un personaje muy poco conocido,

es uno de los tres únicos documentos que hay de este rey.

De este rey sólo está el templo, está su tumba,

y una estela que apareció reutilizada en la isla de Filé,

al excavar la isla de Filé.

Así que tenemos un documento importante,

desde el punto de vista histórico,

además, artísticamente, es un edificio magnifico.

No se ha traído todo,

pero, es verdad, que lo que se ha dejado en Egipto,

que está ahora debajo del agua, es sólo el embarcadero y poco más.

Es decir que, prácticamente, lo tenemos...

como estaba en Egipto hace 100 años.

Un testigo del paso del tiempo como es el templo de Debod

nos muestra, a través de sus relieves,

qué civilizaciones, qué imperios han atravesado sus sagradas puertas.

Desde Adijalamani de Meroe hasta los últimos exploradores

han dejado su estampa.

También sabemos y podemos ver en nuestra visita por el templo,

elementos procedentes de monarcas ptolemaicos...

Ptolomeo VI, Ptolomeo VIII, Ptolomeo XII, son monarcas,

éstos sí egipcios, que dejaron su huella en el templo de Debod.

Probablemente, unos ampliando esta capilla,

hasta lograr el templo que hoy conocemos.

Ptolomeo VIII, Ptolomeo XII, dejaron sendas naos en el templo de Debod,

una se perdió en el siglo XIX,

y la de Ptolomeo XII, que la podemos ver actualmente en su lugar original,

en la capilla del Naos,

también se intentó sacarla del templo, pero, afortunadamente,

se rompió, fue desechada, y hoy podemos contemplarla aquí.

Pero es que, además de estos monarcas meroitas y ptolemaicos,

también tenemos presencia romana.

En el vestíbulo tenemos a Octavio Augusto,

el primer emperador de Roma,

representado haciendo ofrendas a los dioses

que tenían culto en el templo de Debod,

y sabemos que Tiberio, el segundo emperador de Roma,

también estaba representado en uno de esos relieves.

Una minuciosa mirada por las diferentes salas del templo

nos ofrece un recorrido por la historia.

Relieves en los que vemos a Adijalamani con Amón...

A Adijalamani con Amón... y con Mut.

Y aquí, con Osiris e Isis.

O una de las joyas del lugar, el Naos de Amón de Ptolomeo.

Y de nuevo, Adijalamani ofreciendo la Maat,

la representación de la justicia, la verdad y el orden a Amón.

Un sinfín de relieves e inscripciones

que no sólo se refieren a la época faraónica

y al significado religioso y espiritual.

Durante la Edad Media y Moderna,

nómadas, peregrinos paganos y cristianos visitaron el templo.

También fue ocupado ocasionalmente por los musulmanes.

Por tanto, podemos encontrar huellas de su paso por Debod,

desde cruces hasta nombres y figuras.

Inscripciones más recientes

dan testimonio de la cantidad de personas que, en su momento,

decidieron dejar su impronta en las paredes del templo,

siendo pioneros de esos

"Yo estuve aquí", con fecha incluida,

que podemos ver en cualquier pared del mundo.

Fuera de estos monarcas de la antigüedad,

tenemos otras huellas que se recogen en los sillares del templo.

Tenemos inscripciones griegas, tenemos inscripciones coptas,

cruces, pertenecientes a esa comunidad,

inscritas en algunos de los elementos del templo,

en los portales, o incluso aquí mismo, en el interior del templo.

Tenemos testimonios de los pueblos nómadas

que vivieron en estas márgenes del Nilo

a comienzos de la Edad Media.

Tenemos, por supuesto, elementos musulmanes,

de la etapa en que Nubia fue islamizada

y pasó a formar parte de la comunidad musulmana.

Y finalmente, la última etapa, está representada por viajeros

que a partir de comienzos del siglo XIX,

viajan por Egipto y suelen dejar,

suelen porque no es este el único templo en donde los podemos ver,

suelen dejar testimonio de su visita,

en forma de nombre y fecha, como mínimo,

que también podemos contemplar en las paredes del templo,

algunos, incluso, relativamente famosos y conocidos, como Rifaud,

que inscribieron su nombre

y la fecha en la que estuvieron trabajando,

porque, en este caso, debió estar trabajando

en el templo de Debod a principios del siglo XIX.

Ya en el siglo XX, concretamente en 1907,

con la construcción de la primera presa de Asuán,

el templo permanecía sumergido bajo las aguas nueve meses al año,

lo que provocó la pérdida de la policromía

y de numerosos relieves en arenisca.

En esta situación permaneció 54 años,

hasta que en 1961, una misión arqueológica polaca,

desmontó el templo y lo trasladó a la cercana isla de Elefantina.

El templo ha sufrido mucho y durante siglos,

pero aún podemos ver los relieves, y gracias a proyectos en marcha,

pronto nos haremos una idea, aún más certera,

de cómo fue el estado original de este tesoro, ahora madrileño.

Como el proyecto Tahud.

Desde 2003, el profesor Miguel Ángel Molinero y su equipo,

llevan estudiando los grafitis antiguos

y los relieves presentes en el templo

mediante la tecnología de la realidad aumentada.

A través de varias publicaciones impresas y on-line

van mostrando los últimos descubrimientos hallados

en las paredes del templo de Debod

y publicando los resultados a través de las redes sociales.

Lo que estamos haciendo es...

primero, una documentación exhaustiva de los relieves,

hemos buscado fotografías antiguas, calcos antiguos de los viajeros

que hemos documentado a través de los grafitis.

Nos han servido de base para buscar si han dejado descripciones escritas

o si han dejado dibujos que se conserven en bibliotecas

o en archivos europeos,

en algunos casos, efectivamente, los hemos encontrado

y se han hallado características que no conocíamos hasta ahora.

Para nosotros tiene una finalidad histórica,

se trata de intentar encontrar información

a través de esas inscripciones

que hacen viajeros, que hacen devotos de los dioses,

o que hacen personas que vivían en torno al edificio,

en sus ratos de ocio, y que nos informan sobre...

el periodo desde que el edificio terminó de construirse

y dejaron de actuar los artesanos,

los artistas contratados por el estado,

Y los grafitis nos están informando,

se han convertido en una fuente de información,

una fuente histórica muy importante para poder documentar

qué sucedió con el edificio en esos casi 20 siglos,

desde que se realizaron los últimos relieves

hasta que el templo fue desmontado.

Los grafitis reflejan no sólo la personalidad que quién los ha hecho,

sino, también, el contexto social en el que se desarrolla.

Resulta muy curioso que...

los grafitis que están hechos por devotos de distintos credos,

hay grafitis hechos por personas que creían en los dioses egipcios,

pero, también, hay grafitis hechos por los cristianos que expulsaron,

desde el punto de vista religioso, el culto a las divinidades paganas,

y también hay grafitis hechos por fieles de la religión musulmana

cuando, a su vez, se convirtió en la religión mayoritaria de Egipto.

En todos estos casos,

la personalidad de los individuos no está presente,

lo que escriben es su devoción hacia los dioses,

y sin embargo, tenemos otros grafitis,

como los de viajeros europeos del siglo XIX,

que lo único que señalan es quiénes son ellos.

Lo que les importa es su individualidad.

Si nos referimos a cómo era el templo en el siglo I d. C.,

nos faltan algunos elementos importantes.

Principalmente, la fachada principal del templo

y parte de las fachadas laterales,

que desaparecieron a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX.

También nos falta el portal de un tercer pilono.

El templo de Debob se caracteriza,

en las representaciones del siglo XIX,

por la presencia de tres portales, no dos, como vemos ahora.

Esa imagen tan característica del siglo XIX,

desapareció a principios del siglo XX,

probablemente, por la rapiña de piedra

que hicieron las poblaciones vecinas,

que también parece ser el origen

o la causa del colapso de la fachada en el siglo XIX.

El resto del interior del templo está prácticamente completo,

tal y como lo conocemos desde principios del siglo XX,

desde la restauración que hizo Alexander Barsanti en 1907.

Tras varias restauraciones

para intentar conservar el aspecto más primitivo del templo,

el resultado es admirable.

Lo primero que nos encontramos, delante del edificio del templo,

son dos pilonos que constituyen la vía procesional de acceso al templo.

Fueron tres los pilonos y todo el recinto estaba rodeado por un muro.

Una vez cruzada la fachada principal,

compartimos techo con los dioses en el vestíbulo,

repleto de relieves de Augusto.

Tenemos además una capilla dedicada a la purificación ritual,

la capilla de Adijalamani, y el mammisi.

Avanzando más, encontraremos el santuario,

la parte más privada y secreta del templo,

que guardaba la estatua del dios en un naos.

Completan esta planta baja

dos capillas, dos criptas y un corredor,

posiblemente una biblioteca.

Hoy, todas ellas dedicadas al desarrollo y difusión del templo.

En la planta superior está la capilla Osiríaca,

cubierta y en donde se celebraban los misterios del dios Osiris.

En la terraza, a cielo abierto,

se celebraba la ceremonia final de la Fiesta del Año Nuevo.

Actualmente, y por motivos de conservación,

la terraza está cubierta,

y en ella podemos ver una maqueta con el Nilo

y los principales templos,

así como una serie de piezas como sillares, estela y capitel,

encontradas en el área que ocupaba originalmente el templo.

El templo de Debod es un monumento construido

en la etapa final de la historia faraónica,

pero sigue insistiendo en un concepto vital

en la filosofía de los egipcios,

que supieron conservar a lo largo de sus cuatro mil años de historia

la dualidad y el equilibrio de fuerzas contrapuestas.

La simetría del edificio

es una manifestación de esta idea de dualidad.

La creencia dual es algo realmente complicado,

es muy diferente la creencia dual

que podíamos pensar o tener el concepto en otras religiones.

En Egipto, la creencia dual,

se podría decir de una manera muy breve que es,

"entre el caos y el orden".

El orden es la divinidad,

y por lo tanto, el interior del templo es el orden,

y donde habita el origen del orden que es la divinidad.

En cambio, la parte exterior es el mundo

y por lo tanto, el mundo tiene un origen caótico y es el caos,

el caos primigenio donde salía el mundo.

Esa es la gran diferencia,

por una parte, está la divinidad en su interior,

la morada de la divinidad es el orden,

todo lo que significa el mundo exterior es el caos.

los problemas de conservación han sido una constante.

Las piedras originales que conforman el templo de Debod

son de arenisca, materia porosa y bastante permeable.

Este aspecto no pasaría de ser una anécdota

si el templo se encontrara en su ubicación original,

cerca de la frontera con Sudán, rodeado de desierto,

en una zona en la que pasan años sin llover.

Pero el clima de Madrid amenaza su supervivencia.

la lluvia, la nieve, el hielo, la contaminación, el vandalismo

o la ingenua acción de las aves,

que anidan entre las piedras o llenan de excrementos sus paredes,

dañan las piedras que conforman el templo.

Las propuestas para promover la conservación del edificio

han sido numerosas en la teoría,

las acciones puestas en práctica, muy escasas,

más allá de la restauración

que llevan a cabo los responsables del templo.

Desde hace mucho tiempo se lleva solicitando,

especialmente, en los foros de egiptología

como los congresos ibéricos que se están haciendo desde el año 99,

menciones para que el templo, de alguna forma, se llegue a cubrir.

¿Qué permitiría eso? Permitiría muchas cosas.

Por un lado, permitiría mantenerlo aislado del entorno,

mantenerlo siempre a temperatura constante,

la accesibilidad sería mucho más controlada,

y además, permitiría, en la parte superior,

liberar la terraza, que era una sala importante

y que, ahora, se ha convertido en museo,

liberarla de la cobertura y darle su personalidad original,

es decir, era una sala donde se hacían rituales egipcios.

En el caso extremo de que el templo sufriera

un riesgo cierto de destrucción, la pérdida sería desastrosa.

En esta situación actual,

podemos ver lo que es la pérdida de patrimonio,

aunque esté a miles de kilómetros de nuestros hogares,

la pérdida de patrimonio histórico y artístico,

que supone la destrucción, por ejemplo, de grandes yacimientos

o de piezas de museos en países como Siria o Irak.

Bien, pues traslademos la destrucción o la pérdida

de los valores más importantes de este templo,

por efecto de su mala conservación

o de los riesgos que planean sobre él,

desde luego, sería una gran pérdida,

que de ninguna manera podemos admitir.

Es decir que, nuestro trabajo, de hecho,

está en mantener el templo

en las mismas condiciones en las que se nos entregó,

con las limitaciones, obviamente, que tenemos,

por la situación y ubicación en la que está,

pero, como digo, nuestro trabajo está,

fundamentalmente dirigido a que eso no pueda suceder.

Pero eso, también, nos da una enorme responsabilidad,

no solamente ante España,

sino en toda la comunidad internacional, de mantenerlo.

Es más difícil y, por lo tanto, hay que tener cuidado,

no solamente con la polución, con la humedad,

éste no es el clima de Nubia, ni muchísimo menos.

También con el factor humano que, desgraciadamente, a veces,

es peor que el tiempo y los años que pasan.

Y, fundamentalmente, ya que está en el exterior,

hay que preservarlo de las aves, de los excrementos, de la lluvia.

Eso nos obliga a tener mucho más cuidado con él

y a que nuestras autoridades

y quienes nos dedicamos al mundo de la antigüedad,

estemos más pendientes de ellos y pongamos, también, los medios.

Si pretendemos seguir disfrutando durante muchos años más

de este monumento del Antiguo Egipto,

es imprescindible abordar una política de conservación

y restauración integral del monumento

que lo ponga a salvo de las graves amenazas

que desde hace años se ciernen sobre él

y comprometen su supervivencia.

Tenemos una responsabilidad con la historia,

tenemos un deber con la cultura

y un compromiso con los antiguos egipcios,

que son también parte de nuestros orígenes y de nuestro pasado.

Debemos seguir cuidando con esmero este templo,

que se ha convertido en una seña de identidad de la ciudad de Madrid,

para que lo siga siendo durante mucho más tiempo.

  • UNED - 03/11/17

UNED - 03/11/17

03 nov 2017

Bárbara Rose, Masterclass. Fundae, formación de trabajadores. Templo de Debod

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