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Para todos los públicos UNED - 03/02/17 - ver ahora
Transcripción completa

Dentro de las actividades recientes del Museo Thyssen Bornemisza,

queremos destacar la exposición titulada "Realistas de Madrid".

En la muestra pudimos contemplar obras de Amalia Avia...

Antonio López...

Francisco López...

Julio López...

María Moreno...

Esperanza Parada...

e Isabel Quintanilla.

El grupo de investigación de la UNED,

liderado por Amparo Serrano de Haro,

"Pintoras Españolas Mujeres del siglo XX",

nos explica las características de algunas de las obras.

La exposición de "Realistas de Madrid"

enlaza con una tradición que se asocia a la escuela española,

sobre todo, desde el siglo XIX, pero que...

se sitúa, normalmente, en la época barroca,

y es el arte español como un arte de realidades,

un arte realista.

Sin embargo, además de las distintas objeciones

que se podría hacer a esto,

lo interesante es cómo cada generación, históricamente,

va transformando esa noción de realismo

para dar un realismo peculiar,

o una noción de lo que es la realidad distinta,

aunque la realidad sea siempre la misma.

Y otra característica de este grupo de Realistas Madrileños es...

esta sensación de silencio,

esta sensación, en cierto modo, de encierro,

de mantenerse al margen, que era también porque...

son los años del silencio, como dice Martín Santos, es decir...

posteriormente ellos sobreviven y viven la España posterior,

la España de la transición, la España de la muerte de Franco,

la España democrática...

pero, en su origen, viven todo ese periodo de censura que les hace...

yo creo, un arte muy volcado hacia adentro que se puede ver,

por ejemplo, en el uso de las ventanas...

de las ventanas, de los espacios, de los umbrales...

hay un mundo exterior que puede resultar ajeno,

y un mundo interior.

También, por supuesto, es una posición poética,

es una posición artística de mirar hacia adentro

y, cuando ellos salen afuera, cuando salen a la ciudad,

que también ocurre,

es una ciudad desierta, es una ciudad de edificios,

es una ciudad... en que no se siente el pulso de la población,

y yo creo que, originalmente, se debe...

a esta formación durante el franquismo

que les reduce a una introspección, a un silencio,

y a un mantener sus ideas en el ámbito de la más estricta intimidad.

Uno de los elementos interesantes de esta exposición

es que están puestos, en paridad absoluta,

los cuadros de las mujeres del grupo de los Realistas Madrileños

y los cuadros de los hombres.

Y como podemos ver, precisamente, en este ejemplo de estos dos cuadros,

el primero, está más cerca, el de María Moreno, de los años 70,

y de su pareja en la vida real, Antonio López,

ambos, tanto cuadros de los artistas más conocidos

como de los más desconocidos,

de los artistas hombres y de las mujeres artistas,

tienen la misma calidad.

De hecho, creo que es imposible

que alguien que venga a esta exposición pueda distinguir,

simplemente mirando los cuadros,

si están hechos por un hombre o por una mujer.

Como vemos, además, son estilos bastante similares,

temáticas similares, trabajan todos la realidad del mismo modo,

y no hay ninguna forma de hacer una diferenciación por sexo,

y tampoco, realmente, por calidad, son todos de una alta calidad,

aunque algunos nombres resulten más familiares y más conocidos que otros.

Lo que es fascinante de estas dos obras que tenemos aquí,

es el uso que se hace de la luz y de lo que no está,

sobre todo, en ese sentido, en el cuadro de Antonio López.

Es decir, cómo una leve indicación de...

a lápiz, en este caso, puesto que son dos dibujos

y, también, una de las cosas valiosas de esta exposición

es que se han introducido muchos dibujos,

dibujos preparatorios o dibujos acabados,

y ahora, realmente, en el arte contemporáneo,

hay una vuelta al interés por el dibujo,

una vuelta tanto económica como de investigación estilística.

Son obras que están creadas en torno a la luz...

la luz es el protagonista de estas dos pinturas que tenemos,

una luz tratada con matices de añoranza,

con matices absolutamente realistas y con matices, también, de recuerdo,

pero... es la protagonista absoluta de estas dos obras.

De Antonio López,

uno de los artistas que configuran la exposición,

pudimos ver "Interior de váter"...

"Cuarto de baño"...

"Pasillo de Fernando Higueras"...

y "Lavabo y espejo".

En esta obra de Antonio López

que es tan conocida de "Lavabo y espejo", del año 1967,

nos encontramos con algo que suele gustar mucho,

que es lo que se considera un reflejo fiel de la realidad,

y, sin embargo, como todo el realismo, es engañoso.

La obra está partida en dos

y hay dos perspectivas distintas de lo que es este lavabo con espejo.

El espejo está tratado de forma frontal,

por lo tanto, debería de reflejar al pintor,

al que la está retratando y, sin embargo, está ausente.

Es verdad que el grupo de Realistas de Madrid

es un grupo lleno de ausencias, lleno de silencios,

como veremos en distintos cuadros.

Pero el caso es que eso se combina con una perspectiva...

caballera o en picado, que es la que caracteriza al lavabo.

Las dos no pueden coexistir en el mismo cuadro

y, de hecho, Antonio López, lo ha dividido en dos

y la banda está claramente indicada dentro del cuadro

y, sin embargo, la gente llega y dice "es totalmente real",

porque en cuanto hay una indicación mimética,

las personas dejan de ver.

El interés de reunir a estos artistas

en una misma exposición es ver sus similitudes, sus diferencias,

sus maneras de hacer...

Los siete artistas se formaron en Madrid

desde los inicios de los años 50,

estudiaron juntos en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

La pintora María Moreno nació en el año 1933,

por lo tanto, estuvo en la Guerra Civil de pequeña,

y esto abracaría mucho su tendencia pictórica,

debido a que de joven,

a los cinco años tuvo que, de alguna manera, pasar a Valencia,

donde vivió una época que ella recuerda con mucha satisfacción,

en plena naturaleza, la playa, la luz...

y todo eso lo vamos a ver reflejado en su pintura y en sus bodegones,

y en la forma de enfocar las figuras.

Pensemos que el bodegón ha sido un género típicamente femenino,

y un género secundario,

puesto que el hombre y el pintor, digamos, de oficio,

estaba dedicado más a los grandes temas.

Desde la época grecolatina

era mucho más importante pintar los hechos del hombre,

lo que era la historia, los hechos heroicos,

más que los pequeños detalles.

María Moreno es una pintora que en la posguerra tuvo una vida dura,

en el sentido de que Madrid era una ciudad oscura.

Ella fue muy introvertida,

se hizo un mundo interior muy importante "intramuros",

y ese mundo de intramuros es lo que reflejan sus obras,

en este caso, lo que estamos contemplando,

este "Bodegón de la sandía".

Miremos que en el "Bodegón de la sandía" que estamos viendo,

primero es un formato grande,

porque, generalmente, lo que son las naturalezas muertas,

son formatos pequeños,

y ella se atreve con un formato grande, porque se siente cómoda.

Y, ¿por qué se siente cómoda?

Porque está dentro de su intimidad el hacer esta clase de pintura,

donde la fruta... y el pescado que podemos ver,

todo está en vida latente,

los anglosajones hablan de "still life",

que significa "todavía vivo" o "todavía latente",

y María Moreno lo que hace es... más que hacer naturalezas muertas,

hace naturalezas inmóviles.

Todo lo que vemos aquí detrás está inmóvil, el pez incluso,

vemos que la sandía está cerrada, es como un huerto cerrado,

vemos que las frutas están cerradas, son frutas de proximidad,

probablemente, ha hecho la recogida del huerto,

porque ella vive en el campo...

bueno, vive en la ciudad, pero en una casa individual,

y aquí vemos que las frutas están todas cerradas

y puestas en una composición, digamos, renacentista, clásica,

porque ella estudió en la Escuela de Bellas Artes,

y el recogimiento de sandía, más todo lo que es el limón,

vemos aquí granadas en una copa de vino,

podemos observar también que está todo perfectamente simétrico,

y la sandía cerrada ocupa el centro.

Es muy importante lo de la sandía cerrada,

porque da esa sensación de intimidad que ella busca,

debido a que en los bodegones la sandía siempre está abierta,

porque los pintores aprovechan mucho lo rojo de la sandía,

desde Picasso hasta, incluso, Frida Kahlo,

para intentar dar una jugosidad, una pastosidad al cuadro,

que María Moreno, por su forma de ser,

por su forma de recogimiento, no pretende.

Pretende poner objetos sencillos, de proximidad,

y crear un ambiente intimista en su casa.

Aprovecha la luz de la ventana,

todos los realistas aprovechan la ventana para mirar hacia afuera,

o para que la ventana entre en la luz de sus cuadros,

y organiza el cuadro perfectamente,

en una perspectiva octogonal puramente renacentista.

Otra de las pinturas seleccionadas

por el equipo de investigación de la UNED, para su análisis, es...

"El comedor", de Amalia Avia.

Amalia Avia nació en Santa Cruz de la Zarza, provincia de Toledo,

en el año 1930, nos dejó en el año 2011, en Madrid.

Es una de las pintoras realistas más representativas

y pionera en su tiempo por...

haber sido capaz de poder realizar una carrera profesional,

en los años de la posguerra esto era algo bastante improbable,

dadas las limitadas posibilidades

que tenían las mujeres de acceso a la educación.

Amalia combinó su estancia entre su casa materna y Madrid,

y sus años de esplendor tuvieron lugar cuando...

en el año 1953, empezó en la Academia de Eduardo Peña,

y allí es cuando descubrió su vocación de pintora,

en ese momento decidió

que lo único que quería hacer era dedicarse a esto.

Su temática ha sido algo que ha identificado su pintura,

su potencial creador, y siempre ha sido muy fiel a sus temas.

Empezó realizando cuadros urbanos,

el tema de Madrid es algo que le va a apasionar,

ella se considera madrileña de corazón, aunque no de nacimiento,

de hecho, uno de su hobbies favoritos

era ir por las calles de Madrid a hacer fotos,

y de esas, luego, tomaba sus modelos para su pintura,

pero otro de los temas que más le gustó fueron los cuadros de interior.

El cuadro que tenemos tras nosotros, "El comedor",

es un óleo sobre tabla que Amalia Avia pintó en el año 1987,

y es un cuadro muy especial,

porque es un cuadro que representa ese interior que ella vivió,

es un mobiliario que pertenecía a su casa materna, a la casa de Toledo,

y, posteriormente, se lo llevaron a Madrid.

En el año 2003,

tuvimos la oportunidad de hacer una entrevista a Amalia Avia,

y la tuvimos en este comedor, precisamente.

Este comedor estuvo hasta la actualidad en su casa,

en Condado de Treviño,

y digamos que, todavía, la mesa permanece en la residencia familiar,

en casa de los hijos.

El interior domestico

es uno de los temas preferidos para Amalia Avia,

pues evoca la relación que hay entre su familia,

su vida, su niñez, su pintura...

que arte y vida es algo que va absolutamente entrelazado

en la obra de Amalia Avia.

Es una pintora de fuerte personalidad.

A diferencia de otros realistas madrileños

opta por el uso de la fotografía, opta por una pintura más matérica,

por una pintura donde combina el tratamiento del óleo con la tabla,

la tabla le gusta, le encanta el uso de la madera

porque le posibilita más fuerza, más expresividad,

al igual que combinar el uso del óleo con algunas técnicas mixtas,

esto es algo que aprendió, también,

en su relación creativa con Lucio Muñoz, su marido.

Amalia Avia dedicó 50 años de profesión a la pintura

y supo combinar, de manera admirable,

su profesión con su vida personal,

con el nacimiento y la crianza de sus cuatro hijos,

y cuando escribió sus memorias, en el año 2011 fueron publicadas,

ella era muy consciente de que esta relación, arte y vida,

era indisoluble para ella.

De la artista Isabel Quintanilla pudimos contemplar "Granadas"...

"La lubina"...

"Repisa de baño"...

"Cuarto de baño"...

"El teléfono"...

"La noche"...

y "Jardín", entre otras.

El cuadro elegido para su análisis es "Habitación de costura".

Isabel Quintanilla es una de esas mujeres

que consiguieron triunfar y desarrollarse

en una profesión que no era la más indicada para una mujer.

Las mujeres fueron fundamentales en su vida,

porque fue su madre, precisamente,

quien la apuntó a las clases de dibujo con Trinidad de la Torre.

Luego, otras profesoras continuaban cuando Trinidad no estaba,

que eran Maruxia Valero, Conchita Gutierrez y Marisa Roësset.

Va a la Academia de Bellas Artes de San Fernando en el año 1953,

y allí coincide con el resto de los componentes del grupo de Realistas,

se casa con uno de ellos, con Francisco López, en el año 1960,

y se van a Roma.

Roma es decisiva en la vida de Isabel,

y es donde se define su trayectoria artística.

Queda impresionada con las pinturas pompeyanas

y quiere que sus pinturas sean también un documento

de la vida de la gente de su época, y lo consigue.

Y de estos interiores, precisamente, porque...

los pinta así porque están ahí, atiende al detalle,

como es el suelo ajedrezado, que es muy difícil de pintar,

y ella lo hace, además, sin utilizar bocetos ni dibujos previos,

pero tiene que ser así, y así se consigue el realismo.

Ella adquirió un compromiso importante con el realismo,

lo consigue porque cumple con dos requerimientos necesarios

para este movimiento artístico,

que son... la contemporaneidad y la veracidad.

"Habitación de costura" forma parte de esos interiores de Isabel

en los que se vive mucho.

Es como una especie de leonera que hay en todas las casas,

ahí ella cosía, planchaba, y jugaba su hijo.

En "Habitación de costura", junto con el resto de los interiores,

podría decirse que sirve como vehículo para explorar

la vida de una persona o de una familia.

El cuadro es como una especie de obra de teatro

en la que el argumento es la luz,

y esta luz es la que recorta y define los contornos

y la que crea una perspectiva central de punto único

que consigue efectos impresionantes.

Es la misma perspectiva que utilizaba Vermeet,

o que en la actualidad está utilizando Antonio López.

Es una perspectiva académica.

En "Habitación de costura",

la atención al detalle y esta realidad que consigue,

hace que la pintura de Isabel sea considerada dura y fría,

e incluso se la califica como una pintura hecha por hombres.

Ella, a pesar de que no se vincula a los movimientos

ni a las reivindicaciones feministas,

creemos que al conseguir que una mujer no sea solamente identificada

porque pinta formas suaves o redondeadas,

le está haciendo un servicio importante

al feminismo de nuestra época.

Cierra el análisis del grupo de investigación de la UNED

la obra "Después de misa", de la pintora Esperanza Parada.

Dentro del grupo de los Realistas de Madrid,

Esperanza Parada, nacida en 1928 y fallecida en 2011,

ocupa un lugar de excepción,

por la discontinuidad de su carrera artística,

ya que a partir de su matrimonio

con el escultor Julio López Hernández, y durante 30 años,

se va a dedicar a la pintura solamente de forma ocasional,

no profesionalmente.

Y también por su estilo, que se aleja de la objetividad

y de la búsqueda de la representación fiel de la realidad

que caracteriza al resto de compañeros del grupo.

Es por esto que su producción artística es muy escasa,

y también esta falta de profesionalidad y de ambición

han hecho que su obra sea más original y más independiente

que la del resto de miembros del grupo,

sobre todo porque ella simplifica el tema que representa,

y también por el uso de los colores,

ya que emplea unos colores mucho más fuertes y puros.

También es cierto que estas mismas circunstancias han hecho

que parte de la crítica y de la historia del arte,

la hayan calificado como una pintora amateur

y hayan puesto en duda su calidad artística.

Este cuadro se titula "Después de misa".

Es uno de los dos cuadros que se muestran en la exposición

de Esperanza Parada.

Lo pintó en 1959, cuando todavía se estaba formando.

Se trata de un óleo sobre lienzo,

es una combinación de bodegón y paisaje,

un tema habitual entre los Realistas de Madrid.

El cuadro está dominado por una gran ventana abierta,

que más que una ventana parece una fresquera de Sánchez Cotán,

en clara alusión al tema de la naturaleza muerta,

un tema muy importante de la historia del arte española.

Sobre el alféizar se apoyan una serie de objetos:

una maceta, un ovillo de lana, una panera...

hay un vaso con dos flores, un jersey, un misal...

todos ellos son objetos

que podrían encontrarse en el entorno del artista,

íntimos... y relacionados con la vida doméstica y femenina.

A través de la ventana puede verse un largo paseo de cipreses,

en el que la pintora introduce un marcado efecto de profundidad,

utilizando la perspectiva geométrica,

característica del primer renacimiento italiano

y... bueno, simplemente, volver a destacar estas características

particulares que tiene la artista,

su simplificación, sus colores... y nada más,

decir que a pesar de su aparente sencillez,

si se observa con atención el cuadro,

es de una gran complejidad,

por estas alusiones artísticas a las que me he referido antes

y, también, por el tema que representa,

es... el tema del paso del tiempo y la muerte.

La muestra incluyó 89 piezas

entre óleos, esculturas, relieves y dibujos.

Se consiguió con ratones, con ratas,

y ahora le ha tocado el turno a unos primates,

a unos parientes nuestros cercanos.

Según publicó Nature, un equipo multinacional de neurocientíficos

de la Escuela Politécnica Federal de Lausana, Suiza,

ha logrado reconectar, a través de conexiones cerebrales,

la transmisión nerviosa de unos macacos con la médula dañada.

Tras una semana de tratamiento, los primates ya estaban andando.

Mediante un sistema a caballo entre la medicina y la informática,

se ha logrado lo que se denomina una interfaz cerebro-máquina

capaz de devolverles el movimiento a los monos Rhesus,

tal y como previamente se había logrado en ratas,

aunque en la presente ocasión,

el movimiento lo controla el propio animal;

el sistema es más autónomo.

Para conseguir la proeza, a los monos se les implantó

unos sensores en la corteza cerebral motora

que podían interpretar la simple intención del animal por mover,

por ejemplo, la pata.

Estamos ante una gran noticia real.

Habrá que esperar su posible salto a nuestra especie.

Un estudio llevado a cabo por investigadores españoles

y publicado en Nature Neuroscience,

muestra cómo el cerebro de las mujeres gestantes

cambia durante el embarazo.

Al parecer, dicho cambio facilitaría determinadas funciones,

como interpretar los estados mentales del hijo

o anticipar posibles amenazas del entorno.

Estos cambios neuronales no se observan en los padres.

En el estudio, 25 mujeres fueron sometidas

a resonancia magnética del cerebro

antes de quedarse embarazadas y tras dar a luz.

De todos los cambios observados, quizás el más destacable

sea una marcada disminución de la sustancia gris

de ciertas partes cerebrales,

es decir, una disminución de determinadas conexiones neuronales

en zonas del cerebro relacionadas con la cognición social;

con la empatía ―habilidad humana de ponerse en el lugar de los demás

y/o anticiparse a sus intenciones-.

Eso sí, la disminución neuronal observada,

según dicen los autores, no significa pérdida de función,

sino reestructuración, algo que han denominado “poda adaptativa”

constatándose que a mayor eficacia cognitiva, menos sustancia gris.

Aproximadamente un tercio de la población con más de 65 años

está afectada de presbiacusia,

pérdida auditiva asociada al envejecimiento.

La presbiacusia está causada por la muerte de células

muy especializadas de la cóclea, una parte del oído interno.

En su conjunto, esta situación ha llevado a la OMS

a clasificar la pérdida auditiva como necesidad médica no resuelta.

En este contexto, TARGEAR es un proyecto europeo

que quiere contribuir al objetivo general

de vivir más años y vivirlos mejor.

TARGEAR es una acción Marie Curie,

coordinado por la investigadora Isabel Varela

del Instituto de Investigaciones Biomédicas “Alberto Sols”,

que favorece el intercambio entre empresas

y centros de investigación.

Los objetivos de TARGEAR son:

comprender los genes y los mecanismos fisiopatológicos de los procesos

de daño y reparación implicados en la presbiacusia,

desarrollar modelos experimentales

animales y celulares de dicha patología,

comprobar su utilidad clínica,

formar jóvenes investigadores,

colaborar con asociaciones de pacientes e informar a la sociedad.

Más información la podrá encontrar en la www.targear.eu

Para Madri+d y UNED Televisión, José Antonio López Guerrero.

Los estereotipos de maldad y bondad femenina,

fijados por los textos sagrados y la mitología

desde los inicios de la sociedad patriarcal,

se han mantenido prácticamente inmutables hasta el siglo XX

y han marcado tanto la vida cotidiana

como las relaciones sociales

y las leyes que sustentan el patriarcado.

Las manifestaciones artísticas y la literatura,

mayoritariamente masculinas,

han contribuido a lo largo de la historia

al sostenimiento de estos estereotipos esenciales

y han contestado a los intentos de rebeldía femenina

con la construcción de nuevos estereotipos,

acordes con los cambios sociales.

Sin embargo, de un tiempo a esta parte,

las mujeres han comenzado a imponer la revisión de estos modelos

y el cuestionamiento de los criterios en que se sustentan.

Todos los textos fundacionales... religiosos...

cuando hablan de la mujer por primera vez

ya introducen ese elemento:

la mujer es perversa, la mujer incita al pecado,

la mujer tiene una naturaleza maligna.

Esto lo vemos en la Biblia perfectamente.

La mujer como compañera del hombre,

como sometida al hombre y, también, como castigo.

Eva es la causante, por su pecado, de todos los males de la humanidad.

En el Génesis se cuenta la historia de la primera mujer

para la tradición judeo-cristiana, Eva,

cuyo nombre en hebreo significa

"madre de los vivientes" o "dadora de vida".

Eva fue creada de una costilla de Adán

para servirle la ayuda adecuada,

de manera que cuando Dios la lleva ante Adán,

éste puede exclamar:

"esta vez sí que es hueso de mis huesos y carne de mi carne".

Por si no quedara clara la idea de que la mujer pertenece al hombre,

vemos que después de la caída en el pecado

por desobediencia y deseo de sabiduría,

Dios le impone tres castigos,

el tercero de los cuales es el de ser dominada por el hombre

como consecuencia directa del segundo,

que no es otro que el deseo sexual:

"Hacia tu marido irá tu apetencia, y él te dominará"

dice el Génesis 2:16.

Sin embargo, otras interpretaciones de la Biblia

consideran a Lilith como primera mujer de Adán,

a quien, según la leyenda, abandonaría voluntariamente

al huir del Edén.

La mujer maligna, el prototipo de mujer maligna, de monstruo,

está, ya también, desde la Biblia,

pero, claro, en la Biblia está apenas dibujado.

Sin embargo, a partir de ciertas insinuaciones

que aparecen en la Biblia,

la tradición rabínica va a ahondar muchísimo en este tema,

la mujer monstruo,

porque el personaje de Lilith,

que aparece nombrado una sola vez en la Biblia,

se convierte en un mito.

En un mito que la tradición patriarcal

va a convertir en prototipo de todos los males, ¿por qué?,

porque Lilith es rebelde... sexualmente,

no se deja dominar por el varón,

y va, por tanto, a convertirse en demonio, y madre de demonios.

Al tratar de definir la función antropológica

de la mujer en las sociedades arcaicas,

es necesario diferenciar entre las sociedades monoteístas

y las sociedades politeístas.

En las sociedades monoteístas...

bueno, sabemos que hay un único dios que, normalmente, es masculino,

y es él el que organiza socialmente la población

y el que decide, al crear al ser humano,

qué características y qué funciones va a tener.

En el caso de las sociedades politeístas esto varía,

podemos decir que hay una igualdad...

bueno, más o menos igualdad, entre dioses y diosas,

y lo que hace el ser humano cuando crea estos dioses y estas diosas,

se ha dicho, normalmente la crítica dice...

que lo que hacen es que trasponen todas las cualidades

o funciones que tienen las mujeres y los hombres en la tierra,

lo trasponen en el plano divino.

Así, de esa manera, las diosas...

tendrían las funciones que tienen las mujeres

y los dioses las funciones que tienen los hombres.

Pero, creo que esto es una realidad un poco simplista,

un análisis un poco sencillo,

si tenemos en cuenta, por ejemplo, por poner un caso,

el de la diosa Atenea que, entre otras facetas,

sabemos que también es la diosa de la Guerra,

y la vemos ataviada con casco, con una lanza,

cosa que tradicionalmente no es el rol de la mujer.

Visto así, si nos fijamos en el resto de los roles femeninos

que se han hecho para las diosas olímpicas,

vemos, por ejemplo, el caso de Hera,

que es el prototipo de la esposa, de la madre...

vemos, en cambio, a Afrodita, que también tiene un rol femenino,

ella es la representación del amor sexual...

pero vemos otra serie de diosas que rehúyen esta unión sexual,

así, por ejemplo, tenemos a Artemisa,

que es la diosa de la Caza,

con lo que eso implica de estar fuera de una sociedad,

de estar fuera de los parámetros de la polis,

o tenemos a Atenea, la misma Atenea de la que hemos hablado,

que, en su caso, ella también rehúsa a esa unión sexual,

y también es la diosa de las Artes, de los Oficios y de la Guerra,

o incluso la propia Hestia, que es la diosa del Hogar,

pero que también rehúye esta unión sexual.

En los textos de la mitología griega

encontramos a partir del siglo VII a.C. a Pandora,

como la primera mujer de la Tierra, creada por Hefesto y Atenea,

con ayuda de todos los dioses y por orden de Zeus,

con la intención de que, a través del poder de sus encantos,

fuese capaz de castigar al género humano.

Pandora destapará el día de su boda una vasija, regalo de los dioses,

de la que surgirán todos los males

que azotarán por siempre a los mortales.

Tanto Eva como Pandora

son culpables de todos los males que aquejan al género humano.

Si bien es cierto que esto es así,

también hay... no una corriente, sino,

las mujeres son tratadas de manera positiva, con unas facetas positivas,

ya desde Homero hasta la época más tardía.

Así, por ejemplo, tenemos, en el mundo de las heroínas,

que son mujeres que no son reales,

son mujeres ficticias, pero tampoco son diosas,

en las que hay una serie de cualidades que las representan.

Así, por ejemplo, tenemos, heroínas con una faceta muy positiva,

como puede ser Yocasta, como puede ser Penélope, Andrómaca...

que son mujeres... digamos, heroínas,

representadas con unos valores positivos,

y también tenemos otro tipo de heroínas que no son tan positivas,

o que tienen facetas positivas

y, otras, que se alejan un poco de este positivismo,

como puede ser, por ejemplo, Fedra,

o incluso la propia Medea que, como bien sabemos,

en un momento determinado coge las artes mágicas que ella tiene,

en el momento en el que ella se siente en una situación acorralada.

Tenemos que pensar que todos los textos, toda la literatura,

está plagada de ejemplos de mujeres que encarnan ese mal.

Entonces, realmente, nosotros...

cuando estudiamos un poco nuestra historia literaria, nuestra historia,

nos damos cuenta que desde Helena de Troya hasta aquí,

parece que ha cambiado poco,

y que la mujer adúltera es uno de los ejemplos más claros

de esta ideología que impregna toda nuestra cultura.

En cuanto a las virtudes propias de la naturaleza femenina,

son pocas o ninguna,

aunque son muchos los textos que se han dedicado a la creación

de un modelo de mujer buena o perfecta,

al que las mujeres están obligadas a llegar,

por la presión religiosa y social,

luchando contra su propia naturaleza perversa.

El último texto del libro de los Proverbios,

"El poema acróstico sobre la mujer perfecta",

que las iglesias cristianas han recitado durante siglos

a las mujeres en la ceremonia de bodas,

traza un modelo femenino arquetípico,

en relación con el hombre,

que ha prevalecido hasta la actualidad.

El papel de María, como sabemos, en los textos evangélicos es mínimo,

pero se convierte, poco a poco, en un modelo para las mujeres.

La virginidad y la maternidad van a ser...

los dos atributos fundamentales de la mujer.

Entonces, ha de ser virgen, pura y sumisa hasta que llega a ser madre,

que seguirá siendo sumisa y cuidadora.

Cuidadora que ya es el papel que le da la Biblia,

porque si recordamos este texto del libro de los Proverbios,

esa mujer perfecta,

es una mujer que desde antes de que amanezca

está trabajando para su familia, para su marido...

y que llega la noche y sigue con la lámpara encendida,

porque sigue trabajando,

y todo su trabajo, y todo su afán y todo su esfuerzo

no va a redundar en su beneficio, sino en el de su marido.

El mito de la Virgen María como ideal inalcanzable de perfección

cumple todas las exigencias del arquetipo:

pureza, belleza, dulzura, obediencia, sumisión, abnegación,

sacrificio y dolor callado.

Pero sube a los altares cristianos no como mujer, sino como madre,

porque desde la Biblia a las mujeres se les exige fecundidad.

La elevada presión social sobre las mujeres, en este sentido,

ha hecho que la carencia de hijos

haya sido considerada como un fracaso personal

por las propias mujeres que lo han vivido como una tragedia.

Recuérdese el caso de Yerma, de Federico García Lorca.

Ya desde la Edad Media hay una diferenciación de clases

en la atribución de la maldad o la bondad, ya desde la Edad Media.

Tenemos a la mujer de clase alta:

noble, cortesana, recluida... con sus criadas,

bordando y ocupándose del beneficio de su familia.

Y las mujeres... las villanas, las de clase baja:

trabajando, más libres,

saliendo a la calle, moviéndose en medio de la sociedad,

en fin, eso ha estado ahí siempre.

Y en los textos ya se ve cómo los autores

alaban al primer tipo de mujer... encerrada, sumisa...

y el peligro lo pone... hacen hincapié en esas otras mujeres...

más libres, que se mueven más libremente.

Aparece el estereotipo de "ángel del hogar",

un sintagma muy significativo,

pues alude tanto a la condición de bondad asexuada de la mujer

como al espacio privado y restringido

en el que se sitúa a las mujeres buenas

que responden al ideal femenino de hija, esposa y madre perfecta.

Lo que realmente se construye

durante esos primeros periodos de la industrialización...

es un nuevo orden del mundo, un orden burgués,

y en ese nuevo orden, en ese modo de vida burgués,

que es el que se implanta como modelo,

es donde más separación, incluso física, de espacios, se produce...

para los hombres,

que es la vida pública, los espacios exteriores,

y los interiores, el hogar, como lugar de reclusión de la mujer.

Entonces, esta separación absoluta de roles y de espacios,

va a continuar hasta casi nuestros días.

Además de la sexualidad, existe otro ámbito de maldad

fuertemente estigmatizado socialmente

con respecto a la mujer: el del poder.

La antropóloga Dolores Juliano

hace una interpretación del cuento "La Cenicienta"

como la reivindicación del derecho de la mujer

a obtener poder y riqueza por medios mágicos,

lo que supondría que "La Cenicienta"

podría ser una contrapartida a la persecución de brujas

desatada en Europa entre los siglos XVI y XVIII.

Aquí llegamos a uno de los arquetipos de maldad femenina

más fuertes hasta la modernidad,

porque la bruja aúna la sexualidad y el poder de la magia,

de las fuerzas ocultas que representan la mujer

en el imaginario ancestral masculino.

Los debates literarios sobre la mujer

presentan dos posturas opuestas:

por un lado, la tendencia idealista

que ve a la mujer como expresión de la perfección

y la considera un elemento ennoblecedor de la vida del hombre,

mientras que, por otro lado, los moralistas culpan a la mujer

de ser la causa del pecado y de la perdición de los hombres.

Los autores del siglo XV

están presos de una contradicción insalvable:

la perfección del hombre consiste en amar a la dama perfecta,

pero la perfección de la dama

parece estar basada precisamente en su desamor,

ya que el amor la haría igual a las demás mujeres,

es decir, la haría caer en la imperfección.

-Será vana su buena suerte conmigo.

Ya ves, sólo horas nos faltan para la boda, y te asaltan vanos temores.

-Testigo me es Dios que nada por mí me da pavor mientras tenga espada,

y ese hombre venga cara a cara contra ti.

Mas, como el león audaz,

y cauteloso y prudente, como la astuta serpiente...

-¡Bah! Duerme, don Luis, en paz,

que su audacia y su prudencia nada lograrán de mí,

que tengo cifrada en ti la gloria de mi existencia.

Por otra parte, en todas las novelas sentimentales del siglo XV

observamos ya lo que se convertirá en dogma y obsesión

en los siglos XVI y XVII:

que la honra de la mujer

depende de la opinión que de ella tengan los demás.

Por ello, las damas encuentran en la crueldad la única protección

para defenderse del implacable castigo social

que caería sobre ellas si diesen sus favores a los amantes.

Las representaciones femeninas de esta época

suelen responder a dos tipos opuestos,

el de la dama cortesana, cruel y perfecta,

y el de la mujer vulgar que por su sensualidad y malicia

solo puede causar la perdición moral del hombre.

Hay, pues, una distinción de clase social entre buenas y malas

que corresponde a su condición de nobles o plebeyas respectivamente:

las nobles, que permanecían recluidas en sus casas o castillos,

eran, para los autores, modestas, piadosas, silenciosas

y amantes de la soledad.

Las plebeyas, por el contrario,

eran inmodestas, habladoras y pasaban el día en la calle.

En la época moderna, desde finales del siglo XVIII,

durante el romanticismo

y mucho más con la consagración de los ideales burgueses

que supone la literatura del realismo,

se produce una nueva eclosión de los dos estereotipos femeninos,

de buenas y malas, fuertemente marcados.

Para algunas investigadoras,

la modernidad que comienza en el siglo XVIII con la Ilustración,

es el periodo más funesto de la historia para las mujeres,

porque el "culto a la razón"

excluye a la mujer de toda consideración positiva

por su asociación con la naturaleza, lo irracional y salvaje.

El periodo neoclásico le negará a la mujer la virtud o atributo máximo:

la razón.

Al tiempo que le inventa, en contraposición,

para justificar la capacidad femenina que no puede negarse,

una especie de sucedáneo que la adorna hasta la actualidad:

la intuición.

Comienza así un largo periodo de misoginia científica,

tal vez más excluyente que la religiosa

que imperaba anteriormente.

Observamos en la literatura del siglo XIX,

una literatura que llamativamente, sobre todo la literatura realista,

está formada por una infinidad de títulos que llevan nombre de mujer...

y casi todas estas mujeres son adulteras...

y todas van a recibir un castigo.

Entonces, esto nos tiene que hacer pensar...

en que algo hay ahí que se le está diciendo a la mujer,

que es "mucho cuidado".

Cierto es que desde siempre

la mujer adúltera es un personaje literario recurrente

-basta con pensar en Helena de Troya o la reina Ginebra-,

pero nunca antes había sido tratado de una forma tan persistente

como en el siglo XIX.

Una de las consecuencias del nuevo orden burgués

es la puesta en marcha de los mecanismos necesarios

para la preservación de los bienes familiares,

y puesto que el matrimonio es un pacto

que garantiza la legitimidad de la descendencia,

la esposa adúltera, al romper el pacto,

se convierte ahora, en el Código Penal, en criminal,

pues pone en peligro la legitimidad de la herencia

y, por tanto, el equilibrio de la sociedad burguesa.

Al mismo tiempo que se consolida ese concepto

del "ángel del hogar" como ideal,

esa mujer, que es niña sometida al padre,

en la adolescencia y la juventud,

y del sometimiento al padre pasa al sometimiento del marido...

frente a este ideal que nos están planteando todos los textos,

nos encontramos con la creación de los grandes personajes malignos.

Frente a esta mujer,

está la mujer fatal, que encarna todos esos males,

todos esos atributos negativos que desde Lilith...

se han ido aumentando y consolidando

en el imaginario colectivo.

Y es que es muy curioso, porque la mujer fatal...

como concepto, como personaje, aparece...

contrapuesto al "ángel del hogar".

Los castigos recibidos irán desde la exclusión social a la muerte.

Toda esta literatura tiene un matiz moralizante dirigido a los hombres

y encierra una advertencia para las mujeres,

incluso la propia Madame Bovary de Flaubert.

El XIX es además el siglo en el que las mujeres, poco a poco,

comienzan a transigir el veto de la producción

y progresivamente se normaliza, no sin cierta polémica,

la figura de la mujer escritora.

Muchas de ellas, como el caso de George Sand,

de las hermanas Brontë o de George Eliot.

Casi nadie sabe que, por supuesto, George Eliot,

que es un nombre de varón,

era una mujer que se llamaba Mary Anne Evans.

Hasta tal punto que se sigue hablando de ella como George Eliot,

figura en todos los manuales de literatura como George Eliot

y hablamos siempre de George Eliot con su nombre de varón, Jorge,

cuando era Mary Anne Evans.

Esto mismo ya indica algo,

indica una mujer que asume y tiene perfectamente claro...

que si va a firmar su obra con su nombre de mujer,

va a ser valorada conforme a los criterios de excelencia

que se aplicaban a las mujeres,

y la mujeres tenían un abanico de posibilidades muy reducido,

desde el punto de vista temático

y, además, desde el punto de vista de tratamiento.

La novela femenina se consideraba

que tenía que ser una novela educativa, moral,

que inculcara valores,

que se redujera a lo que se suponía que conocían solamente las mujeres...

quiero decir que sólo ese ámbito era el conocido por las mujeres,

que era el doméstico,

y en cuanto pretendían hablar de otros temas se las ridiculizaba

o se alegaba su ignorancia, su falta de experiencia, etc.

El caso de Mary Anne Evans

es paradigmático de una mujer atrapada en una época

en la que tiene que sortear todos los obstáculos imaginables

a la hora ya no de sólo de publicar,

sino cuando de lo que se trata es...

de llevar una vida pública análoga a la de los hombres.

Un ejemplo de los frescos sociales de la época

en los que Evans convirtió sus novelas es "Middlemarch",

un texto que aún hoy sigue siendo considerado

como una de las obras maestras de la literatura en lengua inglesa.

Tenemos una protagonista que, además, es curioso, porque...

hablando del tema que nos ocupa, de las "malas", es una mujer...

interesante, inteligente, con un anhelo de sabiduría,

un anhelo de conocimiento, un anhelo de reforma social...

Es consciente de que como mujer no puede hacer casi nada,

es consciente de que su "razonamiento"

es inferior, entre comillas, de que su capacidad es limitada,

y entonces busca hacerlo a través de un hombre,

y, entonces, no se le ocurre cosa mejor que...

casarse con un hombre que ella piensa que es erudito,

que es un erudito consagrado,

un hombre que es casi un anciano, que le lleva a ella 30 años,

que es un hombre respetado, es una persona mayor...

y entonces ella va a ser su ayudante, su amanuense...

claro, obviamente, el matrimonio es un fracaso.

Y la voz narrativa, además, con muchísima ironía,

va hablando de ella y dice:

"pobre Dorothea, que se llama así, pobre niña",

y va como riéndose un poco de ella, de sus aspiraciones y tal.

Luego, además, ella es criticada porque se sale de lo convencional,

porque no se resigna a una vida "normal", entre comillas,

que es casarse, tener sus hijos...

y entonces sufre un poco como el ostracismo

y la crítica de los que la rodean,

o sea que, esa es la "mala", la mujer que tiene aspiraciones

y que quiere hacer algo importante con su vida.

Es muy interesante el final, porque el final es feliz porque...

bueno, se muere su marido,

y ella se casa enamorada, con una persona joven,

pero, en este caso, es una persona sin fortuna propia, sin recursos,

de nuevo vuelve a ser criticada,

porque ella tendría que haberse casado

de una manera que correspondiera con su nivel social,

y tiene dos hijos...

y lo interesante es que la voz narrativa,

que se supone que es de un hombre, porque el autor es un varón,

pues habla del "fracaso trágico", dice así,

y Dorothea termina su vida olvidada, en una tumba desconocida...

Fíjate que interesante, y ese es el final de la novela,

es el castigo a una mujer que aunque...

el desenlace, como digo, es un final feliz,

pero se entiende su vida como un castigo a esas pretensiones

de hacer algo por cuenta propia.

En "Escenas de la vida parroquial", otra de sus novelas,

Evans se vuelve a adelantar a su tiempo

abordando de una manera sorprendentemente moderna y actual

el tema de la violencia de género.

Además, es muy interesante, porque retrata un matrimonio feliz,

un matrimonio que se casan enamorados,

y cómo el amor se va erosionando y se va degradando,

y cómo la mujer no entiende lo que ocurre,

y entonces siempre incurre en la ira del marido,

no sabe cómo darle gusto...

empiezan por los insultos, luego sigue por la violencia física...

y es interesantísimo porque ella,

primero como refugio, como anestesia después de las palizas...

después de una paliza empieza a beber,

cómo ella acaba cayendo en la bebida,

como le ocurre a tantas mujeres, escondida...

y entonces, acaba... culpabilizándose ella a sí misma

y se centra la novela en el arrepentimiento de ella,

cómo ella ha asumido la culpabilidad,

ella ha asumido el estigma social

que acaban produciendo estas situaciones...

y entonces, bueno, al final su vida acaba...

convertida, redimida, haciendo obras de caridad...

A finales del siglo XX y en la primera década del XXI,

observamos que algunas obras literarias escritas por hombres

comienzan a cuestionar estos modelos femeninos,

al tiempo que las escritas por mujeres los combaten abiertamente.

Simbólicamente, la mujer objeto se ha convertido en sujeto,

haciendo suyo el poder masculino emblemático de la palabra,

y así, por siempre y para siempre, sea su voz quien defina su esencia.

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