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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - Generación 2018 - ver ahora
Transcripción completa

(Música cabecera)

"Metrópolis", te acerca esta semana al arte emergente

gracias a una nueva edición

del concurso de arte joven "Generaciones".

Una consolidada plataforma de difusión

del trabajo de nuestros jóvenes creadores convocada

por La Fundación Montemadrid.

La exposición, "Generación 2018", comisariada por Ignacio Cabrero,

reúne en la Casa Encendida

los 10 proyectos ganadores de este año.

Trabajos que comparten una visión oscura del presente o el futuro,

abordada desde diferentes perspectivas

y disciplinas artísticas.

Los proyectos que este año han sido seleccionados en "Generaciones",

no han sido obviamente elegidos porque tengan

un tema particular en común, sin embargo son artistas

en proyectos que están relacionados con la sociedad

y con el mundo actual con lo cual,

existen paralelismos y sensibilidades comunes.

Concretamente este año,

en mi interpretación, yo había detectado que varios de los artistas

hablaban de mundos paralelos, de mundos subterráneos,

de mundos en relación con la noche, con lo oscuro, con la caverna,

con otros mundos que están alejados

de lo que consideramos la luz o la vida diaria diurna

y mundos donde encontraban un lugar,

donde encontrar otra luz, un lugar emancipador,

un lugar donde encontrar respuestas que el mundo diurno no te daba, ¿no?

-Yo trabajo con el dibujo como herramienta principal de trabajo,

entendiéndola como una herramienta bastante elástica

hasta el punto de que es capaz de absorber muchas otras disciplinas

y someterlas de alguna manera.

Entonces, expandir el límite de lo que se supone al dibujo.

(Música)

"Autogruta", se podría considerar como una trenza de tres elementos

que parecen muy dispares, pero que a través del dibujo

encuentran la manera de solidificarse.

Todos ellos tienen en común que tienen el uso del cuerpo

de una forma extraordinaria, de manera que no se les supone

capacitados para hacerlo.

Todo el proyecto va sobre protección. Protección tanto de deporte,

protección sexual, protección de las formas

en que se comunican ciertos contenidos

que siempre hay como un paraguas, no de invisibilidad,

pero sí como de colectivo,

en el cual no hay un nombre que la firma,

hay muchos seudónimos, el encubrimiento de quien está

emitiendo esa información.

En el mundo del fanzine, del grafiti...

En esta ocasión, fui hacia los plásticos,

porque tiene esa cosa como de transparencia,

pero también de material indomable.

Dibujar sobre plástico es muy complicado,

casi imposible de que algo se sujete en esa superficie.

En realidad, son dibujos que se autodestruyen,

son dibujos que no se pueden conservar de ninguna manera.

Esos son como los elementos que componen "Autogruta",

y en el cual, entendido como este monstruo frankensteniano

que recoge todas estas tres partes de la trenza

que acaban desarrollando una formalización que es informe.

(Música)

El artista Marco Godoy, un artista de aquí de Madrid

pero que vive en Londres, fruto de su investigación

durante los últimos años en Londres,

él descubre que debajo del trono británico existe una piedra

que fue usurpada, robada a Escocia.

Una piedra que estaba debajo del trono de los escoceses.

Los británicos, o los ingleses, usurpan esa piedra

y a partir de que ellos han invadido Escocia

o tienen el poder, siempre son coronados encima

de la piedra que estaba en el trono escocés.

Esto le lleva al artista a hacer una investigación

sobre los símbolos del poder

y cómo la escenificación de unos determinados símbolos

se convierten en una legalidad.

-"La ficción del poder", es un proyecto en el que bueno,

de formas distintas he ido trabajando

a través de la arquitectura, de los espacios, de las imágenes,

pero siempre me ha interesado cómo la autoridad se mantiene

a través de usar y de repetir ciertas imágenes

y ciertas construcciones.

(Música)

Recopilando imágenes se ve que a lo largo de la historia

hay ciertas cosas que se repiten que me interesaba poner en común

y ver cómo se habían ido actualizando

y cómo también muchas de estas imágenes de autoridad,

que puede ser autoridad económica, política, judicial o religiosa,

tenían una traducción más contemporánea.

Hay un recorrido visual que pone en evidencia

que hay muchas formas de construir esta autoridad

que tienen que ver mucho con el teatro, con estrategias.

Yo siempre digo: "Bueno, pues teatro y oro",

son como dos formas que tiene el poder de asentarse

y conseguir que se le respete y no se le cuestione.

Hay un batiburrillo de imágenes que aunque no están

en la misma posición de tiempo y culturales,

pero de alguna manera se relacionan

y pertenecen a esta misma tradición de legitimar ciertas figuras.

Lo que presento en "Generaciones",

tiene que ver con una relación de imágenes

y por otro lado con una columna que pertenece a un altar.

Es una columna del siglo XVII a la que le he quitado parte

de la policromía, que es un gesto que mi me interesa mucho,

quitarle la superficie de estos objetos que han formado parte

de una escenografía de autoridad, de alguna manera.

(Música)

A mí me interesa mucho proponer relaciones

entre las tradiciones de la pintura monocroma

y del género del paisaje a partir en concreto,

de la idea de desplazamiento.

Es como un espacio muy amplio, es un marco muy flexible

y ahí es un poco donde muevo, donde propongo todos mis trabajos.

En la mayoría de los casos, parto de una acción muy sencilla

que pueda consistir en situar o en trasladar,

o simplemente entender la pintura como algo atomizado

en un contexto determinado.

El proyecto parte de una acción muy sencilla

que consistía simplemente en viajar con un cuadro blanco en la maleta.

La premisa era que allá donde iba a pasar al menos una noche,

ya fuera un hotel, digamos que retiraba el cuadro,

la lámina o la fotografía que hubiese en la pared

en ese momento en la habitación y colocaba el mío.

(Música)

Quería que fuese una presencia tímida,

algo que no reclamase mucho la atención y que precisamente

desviase la atención al resto de elementos

que tiene alrededor más que a sí mismo.

Realmente es un cuadro blanco,

pero ni siquiera está pintado con una intención.

A mí lo que más me interesa casi es contaminar la mirada,

que si ahora alguien, después de ver el trabajo se fija

en todas esas cosas que hay alrededor de los cuadros

o cuando va a un hotel que se fije, casi lo que me interesa.

-Serafín Álvarez, que trabaja con la ciencia ficción,

en su proyecto, que presenta en "Generaciones",

hace a través de una estética de videojuego

intenta recrear mundos paralelos al mundo actual

tal y como han sido representados a través de lo audiovisual,

de videojuegos o de películas de ciencia ficción.

Esas zonas prohibidas o esos mundos que pertenecen a lo otro,

esos mundos que consideramos oscuros.

-De la ciencia ficción, una de las cosas que me interesa

es cómo se representa la alteridad,

aquello que es otro, que no es humano

y llevo tiempo investigando este tipo de representaciones de la otredad

a partir de aspectos concretos.

A partir por ejemplo de efectos especiales

que representan un viaje, tecnologías utilizadas para representar

ese viaje hacia lo desconocido.

A nivel musical también he hecho un trabajo

sobre cómo la banda sonora utiliza determinadas técnicas

para representar aquello que es otro, aquello que es desconocido

y empieza mi intervención,

es una gran roca en el centro de la sala.

Artificial, es visible que es una roca artificial

que es un poco lo que reproduzco en el videojuego

que es como naturaleza reproducida artificialmente

que tiene una especie de líquenes de color amarillo

que representan un organismo que ha venido gestándose,

en un organismo vivo que ha venido gestándose

en un tiempo geológico mucho mayor al de cualquiera de nosotros.

Si pasea alrededor de esta roca,

descubre que la roca tiene una apertura

y que puede entrar dentro, que no es tal roca,

sino que es en realidad, una pequeña cueva.

(Lluvia)

(Sonidos del bosque)

(Cascada)

(Música)

Me interesa cómo se representa este viaje hacia un mundo desconocido

y cómo ese mundo desconocido se representa a través del paisaje.

Lo que he hecho ha sido compilar imágenes de muchos de estos paisajes

en muchas películas de ciencia ficción

y hay algo de fantasía también.

Esos paisajes tienen entidad propia, tienen un ánima.

(Viento)

(Lluvia)

(Música)

Elena Lavellés comienza su proyecto

investigando desde la materia negra,

que ahí es donde lo enlaza también con lo oscuro, con lo negro,

relacionado con lo metafórico de lo negro

que tiene el origen del capitalismo,

lo oscuro que hay detrás del sistema en el que vivimos.

Ella se va a investigar el origen de tres materiales negros

que simbolizan de alguna manera el poder capitalista,

que es el carbón, el petróleo y el oro.

-Los procesos de investigación que más me interesan

a nivel artístico y los temas que abordo,

son el desarrollo del capitalismo, los procesos de explotación

tanto de recursos humanos como de recursos naturales,

las industrias extractivas

y los procesos demográficos relacionados

con este sistema de capitalismo.

En la sala hay tres vitrinas, cada una corresponde a un material

o a un punto geográfico.

En la primera vitrina lo que nos encontramos

son muestras de minerales

y los resultados de una investigación y unos experimentos

que he realizado con una catedrática

de la facultad de geológicas de la Complutense.

La segunda vitrina, son muestras de cuarzo

donadas por parte de la mina de Chico Rei

y bueno, la última vitrina tiene muestras de petróleo

que provienen de Ciudad del Carmen, que es una ciudad en México

donde se encuentran la mayor parte de plataformas

en su momento de EPM.

(Música)

La instalación que se ve al final de la sala

son 44 bloques de periódicos de 1944

que corresponden a 44 países distintos.

Esos 44 países son los que se reunieron en 1944

en los acuerdos de Bretton Woods, en New Hampshire,

en Estados Unidos, con la intención de generar un equilibrio económico

y digamos, una paz mundial.

Esta estructura hace una referencia a lo que sería un paisaje,

una impresión de esa información que se está produciendo

en ese momento, una impresión en el tejido sociocultural.

La referencia es una especie de mina a cielo abierto

y ese derrame de oro que se ve, ese charco de oro,

representa un poco el derrame de la expansión de ese valor,

de esa producción del valor que el capitalismo

tiene como máxima dentro de sus procesos.

(Música)

Muchas de mis motivaciones parten de eso,

de los lugares que habito y de este sistema que puede ser

la vida en la ciudad ya como un videojuego,

como algo muy pautado, con muchas rutinas,

los compases diarios.

En esos lugares me tiendo a mover.

Me interesa cuál es ese...

Esos trayectos, qué pasa en esos trayectos

cuando vamos de un trabajo a otro.

Son los trayectos que se vuelven, se tornan como ciegos y sordos,

porque vas pensando en lo que vas a hacer, en lo que has hecho,

en lo que has leído en el periódico

y no hay un tiempo de reflexión

como fue aquello del paseo flanerista.

Las pinturas están colocadas a modo de evento, de suceso

y esa idea también de laberinto.

La idea es pintar para conocer el mundo

o hacer de la pintura un sistema de pensamiento.

Por otro lado, hay también unas esculturas

que vienen también de la práctica de la pintura,

de barrer para un lado, barrer para el otro,

crear una serie de fuerzas y he hecho unas esculturas

que están sacadas de grietas del asfalto.

O sea, he utilizado el propio asfalto de las carreteras,

he hecho unos moldes de fantasía, ciencia ficción,

de laberinto.

Una se ha materializado como en una espada.

(Música)

El proyecto arranca por un encuentro casual

hace casi dos años en Londres con Todd.

Todd es el dueño de una fábrica de quesos.

Nos encontramos y empezamos a hablar.

En aquel momento él está a punto de cambiar la fábrica

de localización, de la granja de sus padres,

donde tienen un sistema de producción casi artesanal

a construir una fábrica a medida, diseñar su propia fábrica

y con esta obsesión que tengo por el mundo del trabajo

y las relaciones que nos establece tanto a nivel material

como de diferentes sujetos, le empiezo a preguntar

por los trabajadores, qué pasa cuando desplazas

una producción que lleva X años, unos 10 años en ese momento,

unos 200 km, qué pasa con los trabajadores humanos,

qué pasa con el saber hacer

y qué pasa en el caso del queso,

con todos esos agentes invisibles, bacterias, hongos, fermentos

que realizan gran parte de la labor, pero que no tenemos en cuenta

hasta que una situación como esta de mudanza

o cambio de las instalaciones, les dan visibilidad.

Estas poblaciones de agentes invisibles, de microbios

o microorganismos, no son solo poblaciones

sino que alteran el medio en el que ellas están

y son capaces de prosperar en este medio.

Entonces, su relación con el medio no es unívoca,

es una negociación, ellas habitan el medio

y el medio cambia, y al cambiar ese medio

su forma de habitarlo también cambia.

(HABLA EN INGLÉS)

Levi Orta, que intenta también buscar

más allá de lo que se ve.

Él hace un arte relacionado con lo político,

o quizás con lo legal, intenta buscar siempre el resquicio

que hay en la ley y cómo las leyes muchas veces,

permiten sin darse cuenta o sin aparente...

Sin una apariencia clara de darse cuenta,

permiten realizar determinadas acciones

que rozan la ilegalidad.

Entonces, Levi Orta, siempre intenta investigar

en estos resquicios de la ley para sacarlos a la luz.

-El proyecto de "El heredero", pertenece a una serie que se titula

"Que se joda el proletariado,

yo quiero ser el pintor oficial de la familia Gunther",

que bueno, primero de todo, ¿quién es Gunther?

Gunther IV es el perro más rico del mundo,

es un pastor alemán, que está catalogado

como el más rico del mundo, 372 millones de euros.

A mí esto me pareció que abría una brecha

dentro del campo de lo social.

O sea, esto de tener un jefe que ya no es una persona.

Digamos que toda la teoría marxista de la lucha del proletariado

contra la burguesía ahí se veía craquelada de alguna manera.

No puedes sentir odio hacia un perro, pero a la vez es tu jefe.

Qué sucede ahí, cómo se puede gestionar esta nueva posición.

Y lo que decidí hacer fue presentarme ante Gunther

y ante sus colaboradores proponiéndole ser su pintor oficial,

su pintor de cámara.

(Música)

Si empiezas a hablar el mismo idioma que el poderoso,

que es quien abre esta posibilidad social, política,

entonces se abren muchas posibilidades

que son completamente surrealistas.

Quizá en Latinoamérica se habla de realismo mágico

o lo real maravilloso.

Empieza a haber cosas que son potencialmente

obras de arte en sí mismas.

Y a mí me interesa ir a ellas, tomarlas y fragmentarlas,

como ver sus capas intermedias,

y disfrutarlas y analizarlas generando pensamiento crítico.

(Música)

-Antonio Gagliano, su proyecto está basado en una investigación

de los sistemas nacionales de archivos,

donde están guardados

prototipos y patentes de dibujos

de invenciones que nunca llegaron a ver la luz.

Entonces, este artista va a lo subterráneo,

va a lo escondido, va a aquello que nunca vio la luz.

-El proyecto se llama "Sistema nacional de innovación"

y es un proyecto que revisa el archivo histórico

de la Oficina Española de Patentes y Marcas,

que es el instituto o el organismo gubernamental

que almacena toda la propiedad industrial de España.

Esto es, todos los dibujos de prototipos,

de inventos tecnológicos.

Había un interés bastante marcado por el dibujo de patentes en sí,

por quién hace esos dibujos, quién trabaja ese material.

Gente anónima generalmente.

Y luego, por las patentes en sí,

aparecen ideas completamente inverosímiles, extrañas,

sorprendentes, políticamente provocadoras.

Hay desde pólvora rosa, hay barcos esféricos,

hay dispositivos para comprobar la muerte real de los humanos,

para salvar a la gente que fue enterrada viva.

Hay preocupaciones y retratos del siglo XIX,

y eso está entrelazado con patentes contemporáneas.

Y sin embargo, se articula una suerte de narración

que funciona de manera ondulante y fluida.

-Procedimiento para la fabricación de ojos macizos de vidrio.

Aparato para condensar formas de hielo.

Dispositivo para calcar con transparencia.

Mecanismo para el montaje de ojos artificiales

en seres inanimados.

Máquina automática para plegar ojos de papel.

Disposición para salvar a los enterrados en vida.

Mejoras en los moldes para imprimir el tiempo.

Producto industrial para comprobar la seguridad

de la muerte real de los seres humanos.

-Lo que hago en los archivos es delirarlos.

O sea, hacerlos decir cosas sobre futuros posibles.

Esa es la operación que generalmente hago con este trabajo.

Hay, obviamente, un componente reivindicativo,

porque esta gente tienen que ser reivindicados

como trabajadores creativos.

Son autores anónimos totalmente desconocidos.

No tienen ningún lugar de prestigio en la cultura.

Sin embargo, hay un trabajo increíble ahí.

Pero luego, en términos temporales, es una labor de especulación.

Es agarrar esos materiales,

que para mí son materiales culturales muy valiosos,

y hacerles decir cosas, por decirlo de alguna manera.

Disponerlos de tal manera que digan cosas

totalmente especulativas sobre futuros próximos.

-Androide que reacciona a la voz y a las caricias.

Dispositivo para proteger y orientar las raíces.

Producto para la obtención de una luz blanca

de enorme intensidad.

(Música)

-Lola Lasurt entra directamente a recrear un viaje,

un viaje que se hizo en 1888

entre el pintor Darío Regoyos

con un poeta belga.

Los dos han sufrido una pérdida, una pérdida familiar,

y deciden hacer un viaje por los pueblos de España

para ver, con una idea romántica,

esa España negra que era conocida.

Pero ellos deciden verla con una visión tamizada

por la oscuridad.

-Con este proyecto que presento en "Generaciones",

que se llama "Duelo por La España Negra",

habla más del fin de siglo en el siglo XIX,

del momento en que empieza la modernidad

tal y como la entendemos ahora.

Entonces, me he centrado en el...,

en un viaje que he recreado

que hicieron el pintor asturiano Darío de Regoyos

con el poeta belga Émile Verhaeren.

Ellos dos estaban experimentando un duelo personal

y a la vez colectivo,

que era el duelo que viene con la modernidad.

Como que están viviendo muchos cambios a nivel tecnológico

y sociales muy rápido,

y como que necesitaban hablar de las pérdidas también.

Entonces, se iban a estos pueblos

donde el ferrocarril no había llegado,

donde sucedían tradiciones que estaban muriendo.

Estaban en un momento pesimista en el que tanto España como Bélgica

se tenían que repensar a nivel identitario.

Me he recreado bastante en el medio del grabado.

Toda la exposición se presenta sobre planchas de cinc,

que es lo que se utiliza para hacer aguafuertes normalmente.

Eran artistas simbolistas que también les gusta mucho

"Los desastres de la guerra" de Goya y todo esto.

Y también como otra forma de documentar

o de entender el documental.

La España negra, en verdad muchos artistas

han retomado la estética de la España negra.

Siempre me ha llamado la atención. Es una especie de antiguía.

En un momento en que empieza el turismo

como lo entendemos ahora.

(Música créditos)

  • Generación 2018

Metrópolis - Generación 2018

14 feb 2018

Metrópolis se acerca esta semana al arte emergente gracias a una nueva edición de la Convocatoria de Arte Joven “Generaciones”, una consolidada plataforma de difusión del trabajo de nuestros jóvenes creadores convocada por La Fundación Montemadrid. La exposición “Generación 2018”, comisariada por Ignacio Cabrero, reúne en La Casa Encendida hasta el 15 de abril, los diez proyectos ganadores de este año, trabajos que comparten una visión oscura del presente o el futuro, abordada desde diferentes perspectivas y disciplinas artísticas.

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