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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - DocumentaMadrid 2019 - ver ahora
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"El Festival Internacional de Cine Documental

'Documenta Madrid' celebró el pasado mes de mayo

su decimosexta edición.

La libertad creativa

que caracteriza nuevos lenguajes cinematográficos

y expresiones del género documental

han sido los protagonistas de este año.

Una extensa programación

que han incluido muestras retrospectivas

de autores nacionales e internacionales

y un amplio programa de actividades y encuentros profesionales.

'Metrópolis' ofrece un recorrido

por la parte más experimental del festival

a través de Fugas,

la sección que explora los límites del género

en su búsqueda constante de nuevos lenguajes y narrativas.

Además, recorremos el universo creativo

de Carlos Casas,

uno de los artistas invitados en esta edición

cuya obra bascula entre el documental,

el cine performativo y el arte sonoro

y se presenta en la Nave 0 de Matadero Madrid

hasta el 30 de junio."

"El espacio común" es una película que realicé,

que empecé a realizar durante una residencia en Roma.

Mi proyectos consistía en preguntarme sobre la ciudad,

sobre lo que conocía de ella,

porque yo nunca había estado y no conocía a nadie.

Y me di cuenta de lo que conocía de Roma

era lo que había visto en las películas,

que solo conocía esa ciudad a través del cine.

Así que mi proyecto consistió

en reconstruir los pedazos de esta ciudad

usando únicamente fragmentos de películas.

Sí, lo que me interesaba de esos lugares específicos;

esa plaza, esa fuente, ese edificio,

era ver cómo los diferentes cineastas

habían decidido filmar esos lugares

comparando los movimientos de cámara, comparando etalonajes,

comparando las miradas.

De hecho, mi "collage" es una comparación de las miradas

de cada cineasta sobre este lugar particular.

En cuanto a las imágenes, me interesaba desde el principio

enseñar lugares un poco periféricos de la ciudad

y mostrar cómo esos lugares

no se habían utilizado tanto en el cine forzosamente.

Y cómo, a medida que nos vamos acercando al centro,

hay más imágenes,

hay más películas que han utilizado el centro como decorado,

así que también se trataba de demostrar

cómo se reparten las miradas en torno a la ciudad.

Y luego, en relación con el sonido,

como ya tenía una imagen muy saturada,

con muchos elementos,

con mi ingeniero de sonido elaboramos un sonido muy sencillo,

muy realista.

También hay una evocación de la muerte,

que es algo que encontré en las películas que visioné,

que la muerte estaba muy presente en Roma.

Hay algo ahí, es una ciudad que históricamente se deconstruye

y se reconstruye a través de los siglos.

Y cuanto más nos acercamos al final de la película,

más se evoca a la muerte y más va "in crescendo" el sonido

y poco a poco va prevaleciendo sobre la imagen.

Mi película "Fordlandia Malaise"

fue realizada en un contexto muy específico,

una residencia artística.

Fui con un grupo de personas a Fordlandia.

¿Y por qué? Porque quería percibir lo que sucede en ese espacio,

que es un espacio que fue, en cierta forma,

colonizado por los americanos.

Henry Ford fue a la selva amazónica, destruyó todo,

millones de hectáreas,

e implantó allí una pequeña ciudad americana.

La ciudad quedó abandonada.

Pero algunas personas se quedaron allí

y por tanto, la película pretende ver lo que había antes

y lo que quedó después de este emprendimiento fallido.

Hay una cosa muy importante que son las memorias débiles.

Este es un concepto de un historiador italiano.

Enzo Traverso, que habla de memorias fuertes

y memorias débiles.

Las memorias fuertes son las memorias alimentadas

por los estados, las instituciones oficiales,

las que todo el mundo conoce de forma general.

Y las memorias débiles son aquellas de las que no se habla;

las prohibidas, encubiertas, apagadas,

y mi película va precisamente contra la memoria fuerte

que existe, que fue aquel emprendimiento

y va por debajo a intentar ver

aquello que no existe para el público,

que no existe en la memoria colectiva,

pero que sí existe, y por tanto, yo intento sacar a la luz

esas memorias subterráneas.

Lo que estas voces nos enseñan,

y para mí fue absolutamente fascinante,

es la forma en la que ellos quieren resistir

en la situación actual de Fordlandia.

Tenemos la situación global,

que es la imagen distribuida a través de internet

de qué es Fordlandia y qué no corresponde a la realidad

y la situación real que viven actualmente.

Y lo que ellos hacen es reescribir sus propios mitos.

Recuperan los mitos ancestrales de la Amazonia

para reescribir su propia historia.

Yo viví tres años en Cuba, y una isla.

Entonces, la sensación de esa isla era muy fuerte.

Entonces, yo quería despedirme, hablar un poco de esa sensación.

Entonces, me fui a La Habana vieja,

donde hay una populación marcadamente negra,

afrodescendiente y también pobre, digamos así,

y allá seleccioné personas muy interesantes, muy expresivas,

para ser los peces de ese cuento

que yo quería contar, esa mitología.

Entonces, para contar la historia de peces

que están atrapados en una pecera, que es La Habana,

esos peces quieren irse al mar,

pero no lo logran, se quedan atrapados.

Pero Yemaya, cuando llega la luna,

levanta la marea y los seres son hipnotizados

por los poderes de esa diosa, Yemaya,

que intenta capturarlos, llevarlos hacia el mar.

Me gusta mucho ese formato de películas que están más allá

de las salas de cine; se pueden proyectar en otros espacios,

se pueden ver de otras maneras.

Yo creo que es importante

para que el cine resista a los tiempos

que están por venir; yo creo que hay que también agregar

otros valores de contemporaneidad, de los formatos,

de los otros espacios, otros públicos.

Son películas también que traen una cosa distinta

para el cine de manera general,

que es el cine hecho por personas negras.

Entonces, que cuentan cosas de personas negras,

del universo afro, de personas negras

con símbolos específicos

de las cuales la antropología visual y tradicional

miró desde arriba.

Hay que romper un poco con esa mirada;

europea, blanca, de cineastas

o de investigadores que miraron a las personas desde arriba.

Hay que mirar de manera más horizontal

y no hay cómo hacer eso si no estás dentro de ese universo.

Entonces, los negros tienen que hacer películas sobre negros,

y los indígenas de los indígenas y las mujeres de las mujeres.

Entonces, hay que reescribir los mitos también,

porque la literatura oficial es escrita por hombres blancos.

Entonces, por eso tenemos mitos como Eva, el de Helena, Pandora,

que la mujer es siempre puesta como el pecado, como la seductora,

la que viene.

O sea, hay que reescribir las historias,

hay que contar las historias menores también,

porque tenemos historias muy grandes

pero las pequeñas historias son las historias verdaderas.

(Música)

(Mar)

"Operation Jane Walk" es una visita guiada por la ciudad

a través de la arquitectura de un juego de tiro online.

Es una película de arquitectura,

pero filmada a través de un videojuego muy popular.

En el juego aparece toda la zona del centro de Nueva York

que ha sido reconstruida en el espacio digital.

Lo que hacemos es recorrer la zona y hablar de arquitectura,

urbanismo, planificación urbanística,

la historia de la ciudad y del espacio digital

mientras tratamos de evitar las balas

y ser atacados todo el tiempo.

Nos interesaba usar este medio

de forma artística para intervenirlo,

crear performance.

Queríamos desarrollar un lenguaje que nos permita apropiarnos

de este medio tan importante y que tanto está creciendo.

(Música)

(Música)

Tenemos un hilo argumental que comienza con el modernismo,

los inicios del modernismo y con la era de la posguerra.

Hay un personaje muy crucial en la historia de Nueva York,

el urbanista Robert Moses,

que ocupó su cargo durante 40 años.

Era una figura muy autocrática y muy ambivalente e interesante

que contribuyó a dar forma

a una de las ciudades más importantes del mundo.

El nombre "Operation Jane Walk"

viene de Jane Jacobs,

que también fue una urbanista muy importante

y tenía una visión muy diferente de la de Robert Moses.

Porque ella tomaba la perspectiva de la vida diaria de la gente,

los habitantes de una ciudad, como algo importante.

Inventó lo que se dio en llamar

Jane Walk o Paseo de Jane,

que es un paseo por un barrio,

pero dirigido por gente normal que vive en ese espacio

y que explica a los visitantes

lo que sabe del barrio y cómo es su experiencia en él.

Mi trabajo proviene del documental. Yo comencé trabajando el documental

y luego poco a poco he llegado o me iba apartando

más por cuestiones de dónde se ha ido presentado el trabajo.

Poco a poco mi trabajo fue más aceptado

entre contextos más artísticos y ahí el trabajo se desarrolla

y empieza a ganar otro tipo de forma.

Ha sido bastante orgánico ese recorrido,

pero normalmente yo sitúo mi trabajo un poco

entre una especie de etnografía, un arte visual

y un trabajo sonoro bastante importante.

Cuando Documeta me pidió cuáles eran los últimos trabajos

que estaba yo realizando, les propuse esta idea

de presentar un trabajo sonoro,

lo cual también cuestiona mucho la manera en que yo trabajo.

El mismo peso una pieza visual que una pieza sonora

y me parece también un desafío presentar en un festival

de documentales una pieza sonora,

que de hecho es un exorcismo a través de todas las influencias

que en esta película el cementerio de elefantes ha tenido.

Lo filmé en Sri Lanka y hay una influencia básica

del cine de aventuras y un poco

del documental básico de observación.

Y hay una voluntad de hacer una reversión

del documental clásico de animales;

cómo conseguir que el espectador tenga una relación diferente

al elefante y cómo conseguirla a través de una narrativa visual

al que el espectador no está habituado.

(Música)

(Música)

Para mí lo importante es casi encontrar esa mezcla

entre la experiencia de un concierto en vivo

y la experiencia en la sala de cine,

ese cruce entre dos aspectos que a mí me interesan

a través de nuevas maneras de entrar en contacto

con el público y eso se realiza siempre en directo.

(Cháchara)

"Avalanche" es un proyecto que empecé en el 2009

en un viaje que hice en la cordillera del Pamir,

en el centro de Asia.

Y quedé fascinado en uno de los pueblos

que visité y que estuve filmando

y decidí incluso que iba a volver a ese pueblo

y que iba a dedicar un documental más largo al pueblo con el tiempo.

Y después de desarrollar el proyecto

me di cuenta de que iba a ser un proyecto de vida

al cual yo iba a volver al pueblo e iba a mantener

esa relación directa con el pueblo en continuidad.

Quería un poco romper esa tradición del documental

de filmar y luego perder esa relación con el lugar

al que uno dedica. Me interesaba también

que la relación con esa comunidad fuese continua.

Entonces cada equis tiempo, cada dos, tres años,

cuando consigo financiamiento, vuelvo a ese pueblo

y continúo documentando qué está pasando,

cómo sobrevive a esa avalancha de la civilización;

cómo las nuevas generaciones siguen viviendo o se van.

Y sobre todo cómo eso impacta en la comunidad,

en el pueblo y también cómo impacta en mí mismo.

(Martilleo)

Trabajo con todas las fuentes sonoras que he captado,

ya sean entrevistas, sonidos naturales, radiofrecuencia.

Toda la amalgama de sonidos que habita en ese lugar

y ahí trabajo yo y hago la mezcla

casi como si fuese una banda sonora en directo.

En relación también al espectador,

en relación al ritmo que el espacio tiene

y también hago la mezcla de las imágenes en directo.

(Agua)

(Pájaros)

Siempre hay una búsqueda de trasladar,

de llevarme a mí a lugares donde no pude tener

un punto de relación.

Me interesa mucho la idea de poder captar,

trasmitir la realidad.

Eso me permite sacudirme un poco el peso de mi propio origen,

de mi propia relación con el lugar de donde vengo.

(Cántico)

Después de estos eventos, "Mutia" y "Avalanche"

durante el Festival DocumetaMadrid,

en la programación de "Profundidad de Campo"

y en la Nave 0 va a quedar hasta final de junio

una instalación donde se recrea un poco

todo el trabajo de la trilogía. O sea, el espectador

podrá ver estas tres películas sobre la Patagonia,

sobre el mar de Aral y sobre Siberia.

Y al mismo tiempo no solo verán esas películas,

esos tres largometrajes, sino que verán también

otras piezas complementarias,

algunos de los que yo llamo "Trabajos de campo" o "Fieldwork",

que son piezas más relativas al paisaje

y a la captación sonora de ese paisaje

que tiene mucho de complemento con las películas.

Hay esas tres pantallas y el espectador un poco

le invitamos a que merodee y vaya entrando un poco

en estas pequeñas ventanas a otros mundos.

(Viento)

(Cubiertos)

(Motor)

Lo importante, y Matadero también te da eso,

hay mucho trabajo de ambulación

y hay mucho trabajo también de embaucar

o conseguir un poco hipnotizar a ese público.

Y espero que algunas de estas personas

consigan un poco adentrarse en este universo

y hacer ese viaje conmigo,

que en realidad esa es la esencia de mi trabajo.

(Viento)

Metrópolis - DocumentaMadrid 2019

04 jun 2019

El Festival Internacional de Cine Documental DocumentaMadrid celebró el pasado mes de mayo su decimosexta edición. (https://www.documentamadrid.com/) La libertad creativa que caracteriza los nuevos lenguajes cinematográficos y expresiones del género documental, han sido los protagonistas de este año. Una extensa programación que ha incluido muestras retrospectivas de autores nacionales e internacionales, y un amplio programa de actividades y encuentros profesionales.
Metrópolis ofrece un recorrido por la parte más experimental del festival a través de FUGAS, la sección que explora los límites del género en su búsqueda constante de nuevos lenguajes y narrativas.

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