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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - Conexiones: Dibujo español contemporáneo 1
Transcripción completa

(Música cabecera)

Considerado en el pasado un arte menor,

el dibujo ha tomado fuerza por su capacidad

para expresar de forma directa emociones y conceptos.

A lo largo de dos capítulos exploraremos "Conexiones",

una iniciativa del Museo ABC y de la Fundación Banco Santander,

que solicita a los artistas un proyecto específico de dibujo

dirigido por el comisario Óscar Alonso Molina.

Junto a Óscar emprendemos un viaje hacia la línea

para descubrir la enorme vigencia de este género

y cómo se organiza una exposición,

desde sus primeros trazos hasta su despliegue en el espacio.

Esta noche en "Metrópolis": "Conexiones".

(Música)

"Conexiones" es un formato expositivo que se desarrolla en el Museo ABC

con la colaboración de la Fundación Banco Santander

en el que se le pide a un artista contemporáneo

y, preferiblemente, que esté en una carrera incipiente

o que haya alcanzado la media carrera,

en el que se le pide que se invente una historia,

que se invente una exposición a partir de una conexión.

Una conexión que tiene que partir de la elección

de una de las piezas de la colección Museo ABC

y de otra pieza de la colección Banco Santander.

A partir de ahí, lo que tiene que hacer,

es organizar un proyecto expositivo en diálogo con el comisario.

"Conexiones" intenta ver cómo piensan los artistas

antes de llegar a las obras finales.

En muchos casos el resultado son dibujos

y en otros casos son instalaciones,

hibridaciones de distintas disciplinas,

dibujo expandido, pero no necesariamente dibujo.

El dibujo es algo más. Por otro lado, el dibujo en nuestro presente

tiene ese carácter más conceptual que otras disciplinas,

en cuanto a que está íntimamente ligado a los procesos de análisis

y a los procesos lingüísticos.

En ese sentido el dibujo nos permite, con más facilidad y con más claridad

que otros formatos finales de obra o de exposición,

nos permite llegar a saber cómo están operando los procesos...

mentales de un artista.

El momento de la elección de las piezas invitadas,

de las piezas en las que se va establecer

el diálogo de la obra propia del artista

con las piezas del ABC y del Santander,

es casi siempre el punto de partida de todos los proyectos.

Hace cinco años que no lo veo. ¿Me das el gusto?

-El tótem. -Vamos para allá.

Le tengo mucho cariño a esta obra. -No me extraña.

-Es una pieza... -¿No te da pena desprenderte de ella?

-Siempre da pena... porque convives mucho con ellas.

Este ha sido mi cabecera, este cuadro ha sido mi cabecera de cama...

durante mucho tiempo. Es una confesión que os hago.

Pero, bueno, las obras tienen que viajar.

Tienen que habitar otros espacios.

Acababa de terminar una beca en la Real Academia de España en Roma

y estaba trabajando sobre la hibridación y el entorno urbano.

Yo vengo de la ilustración y del Street Art, o arte urbano,

y entonces, lo que estaba haciendo, era pintando en las paredes,

legal e ilegalmente,

y transformando un poco los personajes que yo suelo tener...

en mi ideario y mi universo creativo y los estaba contextualizando

en los palacios...

y en las..., digamos, barriadas más deprimidas de Roma.

Como premisa del proyecto había que poner en relación

dos piezas de la colección ABC y la colección Santander.

Escogí dos obras que parecían muy distantes, de hecho lo eran,

en tema, en materiales, en fecha de realización...

era un jarrón de Alcora de la colección Santander

y una obra de la colección ABC

de Fernando López Herencia

que era una osamenta, una cornamenta, y estas dos piezas...

parecían muy distantes y muy antagónicas

pero tenían un hilo conductor, que era lo que a mí me interesaba,

que era el ornamento barroco de la cuerna, de la osamenta,

de los cuernos de gran cabrón.

(TARAREA)

No quería que entraran directamente a sala,

si no que tuvieran una antesala, un aperitivo, un poco gamberro,

una especie de "photocall" en la entrada del propio Museo ABC

que era una suerte de...

igual, otra vez, unas cornamentas

hiladas y ensambladas dentro de una madeja cárnica, digamos,

un ovillo de carne

que enmarcaba a los visitantes nada más llegar.

Después subías a sala y, ya te digo,

hice muchas obras anteriores en muro

que quise domar para la sala y para poder explicarlas

dispuse unas mesas iluminadas

con vídeos de los procesos degenerativos

de los propios dibujos hechos en cera y dispuestos en horizontal

que conversaban en vertical con los...

tótems más elaborados,

más de trabajo final.

Yo quería que fuera un gabinete de curiosidades.

Y terminar con la máscara derretida y detonada

de la propia escultura de revolución

ornamentada y ya detonada con la propia combustión interna.

Luego, aquí también...

partes de las entonaciones de cera.

De hecho, cuando se derretían las piezas,

esos fragmentos que quedaban derretidos, yo los dibujaba.

Eran, digamos, partes finales de un proceso,

de un proceso, que yo no dominaba.

Digamos que el dibujo es también póstumo.

Póstumo a la acción. A la acción de la detonación.

(Música)

Para mí lo más importante era cómo domar estas intervenciones,

que estaban ideadas para la calle y para un público abierto,

cómo articular ese mensaje y ese trabajo

de una manera específica

para un espacio expositivo que, para mí, significaba una cortapisa.

Una cortapisa porque tienes que tener en cuenta

muchos condicionantes de iluminación, de la propia arquitectura,

de la arquitectura del museo que era tan angulosa,

en contraste con mi dibujo....,

que es tan helicoidal, de suave...,

de revolución, de nudo, de arabesco, de círculos, de curvas...

Básicamente, a mí, lo que me interesa del dibujo hoy en día,

no es simplemente dibujar sobre un papel,

sino es el recorrido que hace tomar una decisión a tiempo real

en una línea sin retorno. Es decir, es una acción política,

son las decisiones que tomas al levantarte por la mañana.

Mi trabajo actual va más por ahí, por esa dimensión,

sin renunciar a ese recorrido del lápiz, del grafito,

de la punta fina, que utilizo tanto, sobre un papel

o sobre cualquier soporte más modesto.

La pieza que más... me ha... conmovido o recordado

o removido por dentro o...

que recuerdo más, que tengo más presente, es la pieza del hall.

Porque...

Conecta más con la obra que estoy haciendo actualmente.

Es más "site specific", es una obra específica

pensada y hecha por y para el espacio en concreto donde se va instalar

y donde se produce. Era una obra viva.

Una obra que ha salido mucho en Instagram

y que estaba en un espacio de paso, en un espacio más público,

un espacio donde la gente podía hacerla suya.

Un espacio semipúblico.

-Las publicaciones de "Conexiones"

intentan reflejar esa singularidad de cada una de las exposiciones,

de cada una de las maneras de abordar el comisariado,

de cada una de las elecciones por parejas de los artistas

y de cada uno de los resultados expositivos.

De tal manera que, gracias a la colaboración de Cano Estudio,

que nos diseña la publicación, en cada uno de los casos

tenemos un catálogo o una publicación o un libro de artista

adaptado a esas peculiaridades de cada caso.

El catálogo de Juan Carlos Bracho, de "Un mensaje para Anabel",

refleja esa doble vertiente que tiene su propia obra.

Una obra en apariencia fría, muy metodológica,

muy procesual, muy ligada a los documentos y a los procesos,

y la propia exposición fue por ese lado,

desarrollándolo hasta el extremo, y, por otro lado,

hubo un sustrato muy romántico, muy íntimo.

-El dibujo, yo creo, para todo el mundo,

es la manera más fácil y sencilla de plasmar una idea.

Yo entiendo el dibujo como algo muy sencillo muy complejo a la vez.

Es un espacio conceptual generador de ideas

como un mantra, como un impulso y también como algo metafórico,

como algo cartográfico... es como algo sencillo y complejo.

Desde mis años de universidad trabajo con cuadernos.

Con el paso del tiempo se ha convertido en una especie...

de talleres portátiles y laboratorios de ideas.

Y de ahí parte todo.

Y el dibujo es el germen de todo mi trabajo.

En el caso de "Un mensaje para Anabel",

el punto de partida era un dibujo en uno de esos cuadernos.

Anabel es una amiga de la universidad que, cuando terminó los estudios,

se fue a vivir a Bélgica y, de alguna manera,

yo, con este proyecto, quería rendirle homenaje a nuestra amistad

y a una relación epistolar que nunca existió.

Yo, del Museo ABC,

elegí una caricatura del fundador del periódico

y de la colección, Torcuato Luca de Tena,

y del Santander una vanitas anónima del siglo XVIII

que era como una cesión de una colección de objetos

que hablaban de la vida y del paso del tiempo.

Y eso se reflejaba un poco en la idea del proyecto.

Partía de lo particular, a lo anónimo y a lo general.

El proyecto partía de un dibujo que se escaneaba,

se troceaba en 45 fragmentos

y se le enviaba a la persona día a día un mensaje

con una parte de ese dibujo

y, luego, esa persona tenía que reconfigurar ese dibujo

siguiendo nuestras instrucciones o generando una nueva pieza.

Planteamos un proyecto muy didáctico.

El museo estaba desplegado todo el proceso de trabajo.

Desde los bocetos de los que partíamos,

la idea de un multipágina, el propio dibujo

que se desplegaba en Internet a través de los mensajes

que se enviaban al participante de la muestra,

un mapa donde estaba localizado todos los puntos geográficos

donde estaban los participantes... participando,

y un vídeo tutorial que era el que se encontraba el espectador

al principio de la sala donde yo explicaba la idea del proyecto,

cómo participar y hacia dónde nos queríamos dirigir.

Para crear tu versión multipágina tan solo tendrás que imprimir y pegar

todas estas imágenes siguiendo unas sencillas instrucciones.

Podrás guiarte por este modelo.

O, si lo prefieres, crear el tuyo propio.

El último envío que recibas,

irá acompañado de un certificado nominal

con la numeración de tu ejemplar.

De esta nueva obra existirán tantos ejemplares como participantes.

Entre todos pondremos en marcha un proceso de multiplicación

en el que también podrás colaborar

reenviando tu mensaje a cuantas personas desees.

Se trata de crear, dibujar y construir

una cadena sin fin alrededor del mundo.

-Y además hizo una reflexión, muy profunda, sobre la idea de colección.

La colección institucional, la colección pública,

y la colección privada.

Ofreció la posibilidad a cada uno de los visitantes de la exposición,

e incluso a los que no habían pasado por la sala, a poder trabajar,

poder hacerse con un dibujo que él había convertido en universal,

en una edición ilimitada y sin fronteras.

-Para mí la pieza más importante es el dibujo del que parte todo.

Porque ahí está todo.

Y, realmente, lo que queríamos expresar con esa pieza,

lo que yo quería plasmar con esa pieza,

era el propio significado de las imágenes.

Es un dibujo que no significa nada, que está hecho con trazos diagonales

de un lápiz multicolor, rojo, verde y azul,

que al final todas las imágenes luz, las que vemos en los ordenadores,

en las pantallas,

en los dispositivos móviles que utilizamos para conectarnos,

están hechas a partir de millones de píxeles con esos tres colores.

Entonces era un dibujo que, a la vez que no significaba nada,

podía significarlo todo.

(Música)

Recuerdo que íbamos navegando hacia el castillo.

Tú vestida de gato y yo vestido de pájaro.

En la otra orilla nos esperaba, como acordamos, disfrazado.

Sí, su auténtica cara asustaba hasta a las piedras,

pero era nuestro amigo.

A su lado atravesamos la noche.

Caminamos infinitas extensiones de oscuridad

hasta llegar al castillo...

La verdad es que el libro fue un... un acierto.

Esa idea de convertir la publicación en un libro infantil

ha sido uno de los libros más elogiados del proyecto.

-Surgió de una manera muy natural

porque cuando empezamos a intercambiar texto...

como, quizás, para mí es lo más cercano que he hecho jamás

a la poesía, mandar como esta especie de haikus, y que...

Sí, al final...

A mí, de hecho, es lo que más me gusta de la exposición.

Una pieza que se mantiene en el tiempo.

Me gusta mucho cómo queda.

Tantas y tantas piedras.

Se metió en ellas como si fuesen agujeros, puertas, ventanas.

Salía siempre para mostrarnos el camino.

Un camino poblado de peligros casi siempre.

En esa aventura, su miedo era el peor de los peligros.

En un viaje que hicimos,

nos encontramos con este fenómeno que es una especie

de pequeño arcoíris concentrado en una nube.

Va siguiendo el sol durante un rato, hasta que se disipa la nube.

Al principio nos pareció algo mágico. No sabíamos realmente lo que era.

Hasta que investigamos y supimos un poco.

-El desconocimiento nos hizo pensar que era algo mágico.

-No sabíamos si era... Un ovni o...

Una virgen...

Era algo extraño.

Pero, a partir de ahí, de alguna manera, disparó nuestra imaginación.

Fueron haciendo historias que luego, una de ellas se acabó convirtiendo

en esta exposición.

(Música)

La forma de trabajar era la que llevábamos nosotros.

Lo que realmente cambió, fue pensarlo como una exposición.

Hasta ese momento no habíamos pensado en nada como un proyecto.

Era algo que...

Casi es como una comunicación.

-Una conexión natural.

Por eso tuvimos que sacrificarlo.

Dejé mi máscara para que lo mataras tú. Aunque no querías.

Pasé toda la noche a su lado. Antes de hacerlo.

Lo recuerdo tumbado sobre la hierba. Llevaba semanas temblando.

Estaba paralizado.

-Yo escogí a Máximo Ramos.

-Yo a Pepita de Nicanor Piñole.

Lo elegí, sobre todo, no tanto por el cuadro en sí,

sino porque se adivinaba un personaje detrás.

Un personaje oscuro. -Fantasma, ¿no?

-Me pareció interesante para aportarlo a la historia.

Como algo raro.

Todavía hoy me siento culpable por ello.

Cortamos su pelo lacio después de su muerte.

Se lo ofrecimos al sol, para que pusiera fin a la pesadilla.

Entonces su cuerpo desapareció.

Vuestra exposición, en el fondo, no hablaría

de quién puede hacer todavía un dibujo.

No solamente del adulto que habla para el niño,

sino de esa autoría desdoblada que no tiene un lugar físico.

Ese reenvío continuo de dibujos.

Estabas en Roma, tú en Cuenca.

Los revisaba de una manera...

Que la cabeza o el ojo que miraba el dibujo

estaba en varias partes y en varios momentos.

Nos quedamos solos.

Solos teníamos que encontrar el camino hacia el castillo.

Te vestiste de nuestro amigo. Yo me puse tu mascara.

Plantamos en aquel lugar un árbol, hicimos un pacto con las piedras.

Mientras nos alejábamos, vimos el árbol crecer.

Tan rápido que nos volvimos viejos solo por un instante.

Entonces lo entendí todo.

El sol empequeñeció y se quedó allí.

Cuidándole para siempre.

No pudimos evitar salir corriendo.

Nos esperaba un largo camino en compañía del recuerdo

de nuestro amigo, a quien imaginábamos vigilándonos

desde las nubes de piedra.

Teníamos, por un lado,

dibujos en las vitrinas que había hecho nuevos.

Dibujos en las paredes.

Teníamos también las dos obras seleccionadas.

Y luego, en el suelo, había unas piezas

que simulaban la cubierta de un barco.

Eran unos tondos que mandé comprar.

Unos motores.

Iban girando. Como si fuera una cubierta de barco

que se moviera en colores grises.

También había banderines con banderas de distintos países en guerra

colgando del techo.

Trabajé también con el sonido.

Mandé poner dos altavoces.

Entonces se escuchaba el sonido del silbido de un contramaestre

llamando a cubierta o avisando de una situación de peligro.

Nos ofrecieron una cantidad de imágenes tremenda

de los fondos ABC, que son estupendos,

y luego, claro, la colección Santander era fabulosa.

Ahí elegimos una marina anónima italiana del siglo XVII

en la que había una tormenta tremenda con un barco escorándose.

Entre las otras, elegimos una foto pequeña iluminada,

de una guerra en el pacífico.

Pero tenía un aire de cómic,

había muchas secuencias en paralelo.

-En la interpretación que hiciste de la pieza del museo ABC,

al final está contenida buena parte de esa batalla

con los propios materiales.

Tan contenida en apariencia, que luego es una batalla

muy caliente.

-Puede ser, sí.

En este dibujo, especialmente, lo que hice fue...

Tenía esta imagen donde aparecía toda la escena bélica figurativa.

Lo que hice fue suprimir toda esta figuración,

dejar un campo oscuro en el que quedaban marcados

los lugares donde sucedieron cosas.

Como si hubieran pasado 50 años.

Y aquel mar hubiera quedado en silencio.

Son los lugares en los que suceden cosas

y luego parece que todo aquello se ha borrado.

Queda como si no hubiera pasado nada.

Hay algo que en todas mis exposiciones permanecen

Es la temporalidad.

Tenemos un pintor del 17.

Un ilustrador de los años 50.

Estaba la obra que hacía yo.

Estaba manejando a la vez tres tiempos diferentes,

tres lugares distintos, y conectando todo.

Como si estuviera manejando la idea de un tiempo circular.

De un espacio conectado.

La pieza que más me emocionó de la exposición

fue aquella marina que encontramos,

que había pintado un señor en el siglo XVII en Italia

y no hacía más que pensar en el que pintó aquello.

Lo mismo que en el que ilustró la fotografía que trabajaba

para el periódico ABC y que tenía que contar una guerra.

Lo sentía como unos colegas.

Había estado trabajando durante meses.

Zurita fue una revelación.

Todos sabíamos que dibujaba, que era un gran dibujante.

Que el dibujo estaba en la base de su manera de crear las imágenes.

Sin embargo, nunca había dibujado de una manera específica.

Le propuse el reto de hacer una exposición grande.

Quedó un montaje fantástico.

Los reveló y empezó a generar una inercia

como dibujante, como artista que dibuja.

-Hay que decir que Óscar tenía una visión muy clara

de lo que quería que fuese la exposición.

Incluso él me propuso la pieza del Santander.

Un par de dibujos de Anglada Camarasa,

unos troncos, que, la verdad...

entraban muy directamente en mi discurso.

A mi manera de ver la naturaleza.

El asunto era establecer el eje.

Por eso elegí un diseño de Arija.

Era un dibujo a plumilla precioso.

Pero, quieras que no, tenía una variable formal

al ser una cenefa...

que complementaba muy bien la salida de la parte más orgánica

de Anglada Camarasa.

La exposición se tituló "Ida y trasiego".

Era, de nuevo,

ahondar en el recorrido.

Esta vez, el recorrido por los límites de lo civilizado

hacia las honduras y la espesura del bosque.

Donde sucede lo otro. La otredad.

-En cuanto al eje conceptual de la exposición de Zurita

de "Ida y trasiego",

sin duda, sería el desarrollo ornamental

capaz de volver al espectador en un montaje abrumador.

-La primera vez que hice yo dibujos en gran formato,

los 2 m por 1,50,

fue porque Óscar me lo pidió para esta exposición.

Él me preguntó a bocajarro si era capaz de mantener

el mismo nivel de detalle y de urdimbre,

porque, de alguna manera, en un formato grande...

Una exposición que recuerdo con más cariño.

En cuanto a proyecto y a realización.

De todo aquello que se pueda clasificar o asignar,

a lo que más me acerco es al hecho de ser dibujante.

Sencillamente, empecé dibujando.

Concibo a partir del dibujo.

Creo que el dibujo es una manera de concebir, antes que de representar.

Eso lo tengo muy profundo. Muy arraigado.

Me cuesta mucho ser pintor, aunque me encantaría poder serlo.

Lucho por serlo.

Es el regalo que te ofrece el destino.

Un comisario en su carrera media.

Trabajar con artistas de su generación.

Un poco por encima, un poco por debajo,

a trabajar en lo que más te apetece.

Y que no sea un proyecto corto.

Sino que ya llevamos cinco años y se han realizado exposiciones.

Tenemos la posibilidad de continuar con él.

Realmente es un regalo poder tener este proyecto

entre las manos y poderlo disfrutar.

Me ha producido una cantidad de satisfacción

presentar una de las exposiciones que marca mi formación

para el futuro.

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Metrópolis - Conexiones: Dibujo español contemporáneo 1

19 oct 2016

Metrópolis presenta esta semana el primero de los dos capítulos donde exploraremos “CONEXIONES”, una iniciativa del Museo ABC y de la Fundación Banco Santander que solicita a los artistas un proyecto específico de dibujo dirigido por el comisario Oscar Alonso Molina. Junto a Óscar, emprendemos un viaje hacia la línea, para descubrir la enorme vigencia del dibujo, capaz de expresar de forma directa emociones y conceptos. Al mismo tiempo, desvelaremos cómo se organiza una exposición desde sus primeros trazos hasta su despliegue en el espacio.

En este primer capítulo recorremos las piezas de Santiago Morilla (“Ornamento y detonación”), Juan Carlos Bracho (“Un mensaje para Ana Bel”), The Children Pox (“El misterio del perro de sol”), Nati Bermejo (“La tormenta”), Jesús Zurita (Ida y trasiego).

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