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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - Bienal ONCE - ver ahora
Transcripción completa

(Música)

Hola, le doy la bienvenida a la Bienal de Arte Contemporáneo.

Fundación ONCE presenta esta séptima edición,

consciente de que no se puede olvidar

la cultura para conseguir la total normalización

en la vida de las personas con discapacidad.

"La Bienal de Arte Contemporáneo de la Fundación ONCE,

celebra este año su séptima edición

en el espacio CentroCentro de Madrid.

En esta ocasión, recupera obras de algunos de los grandes genios

del arte con discapacidad,

a la vez que plantea interesantes diálogos

entre creadores con o sin discapacidad,

de diferentes generaciones y disciplinas,

que han encontrado en el arte

su herramienta de expresión y comunicación.

Comisariada por Maite Barrera,

esta Bienal plantea una reflexión en torno a la mirada,

tanto la del artista como la del público.

Una selección de más de 30 piezas

que huye de las etiquetas y trata de eliminar

las barreras físicas, psicológicas y sociales

que existen en torno a la discapacidad."

Realmente hay dos narrativas,

una la del texto curatorial, en el que las cosas están

integradas a modo de un ensayo.

Y luego en las salas, más temática en cierto modo

pero también por diálogos de obras.

Una de las cosas que se ha intentado

es hacer dialogar, no enfrentarse, sino hacer dialogar,

obras de artistas que viniendo de condiciones muy diferentes,

encontraban recursos comunes.

Hay artistas que prefirieron

no hablar de su condición.

Hay otros que han preferido incluirla de modo muy alusivo.

Y hay otros que lo han encarado directamente.

Y algunos también políticamente.

Nuestra cultura siempre ha sospechado

también de la vista como un sentido engañoso.

Hay una primera sala en la que están artistas que han trabajado

sobre la otra mirada o los ojos de la mente.

Artistas que proponen

que hay otros modos de ver y de conocimiento.

Las fotografías de Bavcar, que están hechas por un fotógrafo ciego,

claramente están dirigidas a los videntes.

¿Qué conocimiento visual, espacial, tiene una persona ciega?

Por otro lado, están las fotografías de Cao Guimarães.

Las hizo pidiéndoles a amigos que le secuestrasen

y le llevasen vendado a sitios que no supiese cuáles eran

con su cámara y le dejasen disparar fotografías.

De este modo, se veía forzado a emplear los otros sentidos,

prescindiendo de un sentido que él siente que es tiránico,

que se impone sobre todos los demás, y funciona anulando los otros.

En esa sala, al fondo está "Blue", la película de Derek Jarman.

Es una película que consiste en un solo fotograma azul,

que es el color que finalmente era el único que veía.

Es una obra para entender exactamente en el contexto

del momento en que se hace frente a la representación del sida,

que siempre eran imágenes de los enfermos.

Él da la vuelta completamente, nos pone en su lugar.

En esta bienal de la ONCE vais a ver una pieza un poco anterior.

Es "Soy-oír".

En la cual trabajé con esquiadores invidentes.

Con sus guías.

Es una pieza un poco compleja que habla de la relación entre ellos

y hay una especie de intercambio de papeles.

Entonces no los vemos esquiar,

lo que vemos es cómo trazan un dibujo,

mientras el invidente está escuchando

las indicaciones habituales que escucha

de su guía acompañante, del otro esquiador

que lo guía normalmente.

Hay un intercambio de roles entre ellos.

Y habla un poco de la necesidad de la confianza

y de lo que es el escuchar

como forma de visión por parte de los invidentes.

"Vuit" es una palabra en catalán, yo soy valenciano

y también forma parte de mi lengua.

Es una palabra que en su sonido significa tanto "vacío" como "ocho".

Entonces las piezas que están al lado de este video

tanto en una parte como en la otra,

forman parte de un proyecto que se llamaba "8-cos enganxat".

"Cos enganxat" es "cuerpo enganchillado".

Se ha hecho con ganchillo.

Todas estas piezas están realizadas por mí con ganchillo.

(Música)

Y entonces lo que vemos en el video,

es cómo yo voy presentando estas piezas a los invidentes.

Diciéndoles el título y de dónde provienen.

Y ellos las toman y las ven.

Las ven tocándolas.

Evidentemente hay un vacío.

Y es agradable algo tan tupido, tejido tan tupido.

Y sobre todo en la forma irregular.

Con una cierta simetría.

Y bueno, este doble significado de "vuit",

quiere decir que lo que yo intento o lo que yo interpreto

también que es la práctica del arte,

es justamente el intento de rellenar

ese vacío que hay entre el uno y el otro.

Entre yo, el artista y el receptor de la obra.

Esto sí queda realmente sensación de que está vacío.

Esto sí que dice realmente.

Se lo dice al tacto, se lo dice a todos los sentidos,

que es algo vacío.

Algo para llenarlo de algo.

Por eso he sentido la sensación de soplar en él,

para que tuviera algo dentro, llenarlo de algo.

En el caso de Sempere, que veía por un solo ojo,

cosa que no le causaba el mínimo problema.

Porque decía: "Siempre he visto así".

Yo he aprendido por una formación académica,

muy clásica, cómo crear perspectiva artificialmente,

colocando las sombras,

pero para mí la perspectiva la he aprendido empíricamente.

No tengo sensación de profundidad.

Y él reconocía que podía tener relación

con el trabajo sobre planitud.

La negación de planitud en su obra.

(Música)

Una de las cosas que Saura y Egea tienen en común

es cómo se enfrentan a la fotografía

como supuesta imagen objetiva de la apariencia de una persona.

Y prefieren imponer sobre ella su mirada de artista.

frente a la apariencia que pueda tener.

En el caso de Saura, trabaja sobre una serie de fotografías

que su hermano Carlos le había hecho dos años antes.

Y Egea se apropia de imágenes que vienen de la publicidad.

Quería tapar y enterrar a David Bowie.

Para que cambiase a hombre lobo.

Pues "Debajo del sombrero" es un proyecto de arte contemporáneo.

Podría decirse también que es un estudio

de arte asistido o con apoyos.

En el que trabajan personas con discapacidad intelectual.

El objetivo en ese caso, es dar proyección a la obra.

Interpretarla, nunca explicarla.

Por aquello de que explicar

es como ponerle un punto y final a las cosas.

Mantenerla viva intentando identificar

el lugar en el que se encuentra, yo creo.

Ese es el objetivo de "Debajo del sombrero".

Con Belén tardé un tiempo

en descubrirse que ella sobre todo hace cortos.

No sé si se podría decir que es cineasta.

No sé si es una palabra muy grandilocuente.

pero de cualquier modo hace cine, hace cortos.

La obra, la pieza que está expuesta aquí,

que son esas manos, no es como se puede pensar, un escultura.

Es "atrezzo".

Es "atrezzo" para los personajes de sus cortos.

Hay algo de "performance".

El trabajo de José y Belén son "performances".

En el caso de Belén son, como decía antes, acciones filmadas.

Primero hago el alambre.

Lo pongo en la espuma.

Y luego la tela encima.

Y luego lo coso.

Cuando está terminada, a posición.

En Londres, París.

Cataluña, Madrid, todos lados.

Por todas partes he viajado.

Lo que trae el participante es su verdad.

Es lo que él tiene.

Y...

Y puede ser o no, que eso que trae el participante a los talleres,

se convierta en lenguaje.

En lenguaje del arte.

Desesperación, ira, miedo.

Que van transformándose.

La vida de Judith Scott es muy dramática.

Tenía una hermana melliza,

nació con síndrome de Down y sordera que la familia no detectó.

Hasta ya adulta.

Y cuando tenía como seis años de edad,

la familia decidió entregarla a una institución

porque pensaron que eran incapaces de hacerse cargo.

Al cabo de un tiempo, ella empezó a asistir a las clases

en el "Creative Growth Art Center" de California,

que es muy interesante

porque no se plantean hacer arteterapia,

sino simplemente espacios para la creación artística.

Cursos, materiales, etc.

Pero no como modo de terapia sino de expresión artística.

Realmente funciona como modo de comunicación

de una persona que durante muchísimo tiempo

no había tenido forma de comunicación.

(Música)

La obra de Sophie Calle, "Los ciegos",

es una pieza muy conocida

que consiste en una serie de diversas secciones.

Ella le preguntaba a personas ciegas de nacimiento

qué imagen tenían de la belleza.

Cada una de las secciones consiste en un retrato

de la persona que responde a la pregunta,

el texto de la respuesta y fotografías

de lo que ellos han definido como bello según su criterio.

La idea de la belleza sería vicaria.

Correspondería, no a su modo de conocimiento,

sino a un modo de conocimiento trasmitido lingüísticamente,

y por tanto no es tanto propio,

sino efectivamente vicario.

Cuando la serie de Sophie Calle se expone completa

en una galería en Nueva York,

Joseph Grigely, un artista sordo que ha sido muy relevante

y es muy importante en las "disability arts"

y que esta obra es, de hecho, es un hito importante,

cuando él la visita empieza a reflexionar

sobre por qué le resulta tan incómodo visitarla

y siente incluso el pudor, él dice al principio:

"Estoy viendo rostros que no pueden verme".

Hay una especie de abuso ahí.

En cualquier caso, hay un desequilibrio.

Empieza a escribir una serie de postales,

32 postales al final a Sophie Calle.

A modo no exclusivamente de crítica, también de reflexión sobre su obra.

Como la mirada del otro en mucho casos

funciona como la mirada del colonialismo.

Cómo se apropian de ciertas cosas.

Por ejemplo, los textos en braille son casi un fetiche.

En la obra de Sophie Calle, el texto en braille es fotografía.

Lo cual es absurdo.

Impide ser leída.

Incluso Grigely cuando se acerca comenta que la obra está del revés.

Es decir, hay una especie de falta de respeto

hacia una forma cultural ajena

hasta el punto de no darte cuenta que has puesto la foto al revés.

Lo que llamamos el "modelo médico" o la "mirada médica",

define a las personas según su patología .

Y las define en virtud de sus carencias.

Mientras que la gran revolución, el gran cambio de paradigma,

fue el modelo social en que las discapacidades

quedan definidas por cómo la sociedad ha decidido

enfrentarse a un determinado problema.

En el caso de Anne Albers es paradigmático.

Ella cuando se matricula en la Bauhaus

le dicen que como no puede estar mucho tiempo de pie,

no puede estudiar pintura.

Una definición social de lo que su cuerpo no normativo

podía o no podía hacer

determinó qué es lo que podía o no podía estudiar.

Me gustaría destacar las fotografías de los vestidos de Frida Kahlo.

Creo que forman parte realmente de su obra.

Se ve obligada a recurrir a imaginaría médica.

O religiosa, a los exvotos, pero formas populares.

Porque se encuentra sin herramientas

en la tradición pictórica anterior para hablar de lo que quiere hablar.

Pero al mismo tiempo, trabajándolo, crea un modo

para artistas posteriores que les ayuden a hablar

de lo que quieran hablar.

Que quieran hablar de su cuerpo.

El análisis que habitualmente se ha hecho hacia la obra de alguien

que tiene una diversidad funcional, ha sido un "a pesar de".

Al verse forzados

a cumplir las mismas funciones de comunicación

o las mismas funciones estéticas

mediante medios nuevos

que en muchos casos tienen que crear para sí mismos,

abren perspectivas nuevas para todos.

(Música)

En la mayoría de mis trabajos, ya que soy muy ambicioso,

me gusta trabajar con diferentes medios y materiales.

Hago películas, trabajo con vidrio, con madera.

Pero la mayor parte de mi tiempo,

lo dedico a trabajar con campanas de bronce.

Que es el metal con el que están hechas

las campanas de las iglesias.

Soy ciego, sin embargo, mi trabajo con el sonido

no es para reemplazar la visión que he perdido.

Va más allá.

Mi interés está en evidenciar que la gente no escucha.

(Campana)

(Campana)

Normalmente no está permitido tocar nada en una galería.

Y mi trabajo invita al público no necesariamente a tocarlo,

sino más bien a golpearlo y hacer que suene.

Es sobre todo para que el público se implique con la obra.

Ellos hacen algo, la obra responde y ellos responden de nuevo.

He hecho muchas piezas idénticas en apariencia.

Pero producen un sonido diferente con respecto al conjunto.

El énfasis, una vez más, está en escuchar

más que en simplemente oír.

En este mismo espacio están Goya y Hockney.

Hockney en su autobiografía, así lo veo yo,

comentaba que según fue perdiendo audición,

encontraba más interesante la obra de Goya,

que lo reconoce como un hermano.

Y reconoce en la gestualidad de los personajes

el modo en que efectivamente, a veces los oyentes

nos relacionamos con los no oyentes.

Lo que me interesa más que nada es, bueno,

teniendo en cuenta que tengo un implante coclear,

con lo que recuperé el oído muy recientemente.

Entonces lo que me interesa más que nada es la escucha.

Entonces partiendo

de que por formación profesional soy pintor...

Voy descubriendo nuevas posibilidades

para unir lo que aprendo con el sonido.

Con la escucha.

Uniéndolo a la pintura, al dibujo.

A los lenguajes gráficos y plásticos.

Y es una búsqueda continua.

Principalmente, en primer lugar, para aprender a escuchar y a oír.

Y lo adapto a la práctica artística.

En el video vemos entrar un "zum" con cuatro copas.

Todo vino a partir de una anécdota que viví.

Durante una inauguración.

Veía a todo el mundo brindar con las copas.

Lo que pretendía es discriminar todos los sonidos de las copas.

Llegué a casa y con cada copa empezaba a buscar cada sonido.

Intentando encontrar un alfabeto de cada golpe.

Y entonces, más que nada lo que necesitaba es

una base de datos sonora.

Para que yo pudiese tener consciencia de cada textura,

cada color, cada forma del sonido que podía sacar de las copas.

(Copas)

(Copas)

Entonces, la verdad que lo que pretendía es buscar

La forma de provocar una "zum".

Con la cual el sonido esté por encima de la imagen.

Por eso, las copas cuando intentan chocar, no chocan.

Pero se oyen.

(Copas)

Principalmente es una poética sorda.

A partir del hueso del oído medio, que son martillo, yunque y estribo.

Pretendía crear la secuencia del funcionamiento del oído.

Por ello puse un martillo encima de un cristal.

Para que activase esos órganos.

Que producen el sonido de las cosas.

Los temas que me interesan están relacionados con el cuerpo,

sobre todo con el cuerpo enfermo, discapacitado.

Con la medicina, yo estudié medicina.

También tuve un accidente.

Siempre estoy como investigando sobre esos temas.

Hice la tesis doctoral

sobre el cuerpo accidentado en al arte.

Cómo un accidente puede constituir

un acontecimiento, puede ser una puerta a otras posibilidades.

Como un cuerpo anormal, un cuerpo accidentado,

un cuerpo discapacitado puede ser

una apertura hacia otras posibilidades.

Que rompe con la norma.

El "Carro de Apolo" es una silla de minusválidos,

una silla de ruedas bañada en oro.

Y bueno, Apolo era el Dios del sol.

En carro solar.

Lo que yo quería es hacer una especie de homenaje

a estas personas discapacitadas que son auténticos héroes.

Día a día.

Tienen que afrontar una serie de barreras

que el resto de los normales no nos percatamos.

(Música)

"Aldaba" es un picaporte, para llamar a la puerta.

Pero lo curioso es que la "Aldaba" es mi propia mano accidentada.

Yo tuve un accidente, pierdo la mano.

Me resultó interesante hacer un molde de mi propia mano

y fundirla en bronce, bañarla en oro.

Para hacer una metáfora interesante.

Una "Aldaba", una mano herida que golpea.

¿Golpea una puerta? No, golpea en este caso un muro.

Un muro que parece la "imposibilidad de".

Pero cuando parece que, no sé, es como si...

Un metáfora de la herida.

La herida como apertura hacia otra posibilidad.

Las barras son de "ballet".

Y en ellas están escritas en braille dorado,

en braille de oro,

un texto que Frida Kahlo escribe

antes de que le amputaran la pierna.

Estaban iluminadas por el sol, eran como puntos de luz,

que podía ver una persona normal.

Pero no el ciego.

Pero sin embargo, esos puntos de luz, tenía que ser descifrados

por una persona invidente.

Por una persona ciega.

Esa contradicción me parecía muy interesante.

Puntos de luz pero mensaje cifrado.

Los objetivos son dobles.

Por un lado, dar visibilidad a artistas con diversidad funcional.

Que ha sido siempre un objetivo de la ONCE.

En ese sentido, es muy interesante la presentación

de obras de artistas reconocidos importantes

con artistas más jóvenes,

artistas internacionales y nacionales, etc.

Y también por otro lado, ofrecer al espectador

la oportunidad de enfrentarse con obras

que ponen en cuestión muchas cosas

que damos por hechas y por sentadas.

"Carrying" significa literalmente "transportar".

Su uso metafórico expresa acción humanitaria

que consiste en atender enfermos terminales de sida.

"Carrying" parte de la plaza de las Cortes.

Recorre las calles de Madrid y termina a las puertas

del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

El proyecto ha sido segmentado en distancias iguales.

Cada una de las cuales se ha recorrido

con una pareja de participantes transportando a un enfermo de sida,

en este caso, Pepe Espaliú.

El enfermo es pasado de una pareja a otra,

estableciéndose una cadena humana que va avanzando,

como si se tratara de un relevo.

Sin tocar el suelo en ningún momento el enfermo.

"Carrying" es una escultura social que sintetiza

en una acción urbana las ideas implícitas

en los últimos proyectos de Pepe Espaliú como artista.

Decía Beuys que la única manera de progresar y quizá sanar

es tomar consciencia y mostrar tus heridas.

El arte es también una forma de terapia.

(Música)

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Metrópolis - Bienal ONCE

08 oct 2018

La muestra Bienal de la ONCE 2018 celebra este año su séptima edición en el espacio CentroCentro Cibeles de Madrid, coincidiendo con el 80 aniversario del Grupo Social ONCE y los 30 años de la Fundación ONCE. Para esta ocasión tan especial, la muestra recupera obras de algunos de los grandes genios del arte con discapacidad, a la vez que plantea interesantes diálogos entre creadores, con o sin discapacidad, de diferentes generaciones y disciplinas, que han encontrado en el arte su herramienta de expresión y comunicación.
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