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Para todos los públicos La aventura del saber - 20/06/19 - ver ahora
Transcripción completa

Hola. Buenos días.

Abrimos hoy el programa

con la compañía del director de investigación

del Consejo Superior de Investigaciones Científicas

y exdirector del Instituto de Filosofía

Reyes Mate

con quien hablaremos de "Cien años de soledad"

iniciando así el análisis de grandes obras

de la literatura y el pensamiento en español

creadas fuera de España al otro lado del océano Atlántico.

Hablaremos de Aureliano Buendía y de Macondo

y celebraremos

lo que a los españoles nos llega de vuelta

escrito y pensado en un español enriquecido.

Luego recibimos a dos integrantes de Vibra-tó,

en esta ocasión, a Clara Gallardo y Joaquín Sánchez,

para celebrar con ellos

que mañana es el Día Mundial de la Música.

Lo haremos como siempre en el taller de música

tocando e interpretando y aprendiendo cómo funciona.

Entre uno y otro taller

nos damos una vuelta por el Museo de Orsay

a la que les invitamos a unirse.

Se trata del documento que sirvió de antesala

al Concierto para Europa de la Filarmónica de Berlín

que se celebró en París el pasado 1 de mayo.

Es para nosotros un honor poder ofrecerlo aquí

para disfrute de todos.

Hoy, en el Boek Visual,

les ofreceremos una muestra del trabajo de Jorge Gil

caracterizado por un cuestionamiento continuo

de la condición humana

valiéndose, para ello, de muñecos.

Último taller de pensamiento en español

de este curso

con el profesor de investigación

y exdirector del Instituto de Filosofía del CSIC

Reyes Mate

que servirá, sin embargo, como aperitivo del curso que viene,

si todo va bien,

para estudiar, analizar y evidenciar

el pensamiento que se expresa en español

como primera lengua desde el otro lado del Atlántico.

Hoy tratamos de una conmovedora novela,

probablemente,

una de las más leídas e influyentes de todo el siglo pasado,

"Cien años de soledad",

de Gabriel García Márquez, premio Nobel de literatura en 1982.

Bienvenido, Reyes. Muchas gracias. Bien hallados.

Menuda elección.

Sí.

No está mal.

¿Llegaste a conocer

o, por lo menos, tuviste alguna relación

con gentes que conocieran bien de cerca

a Gabriel García Márquez?

Colombia es un país que conozco muy bien

y hace muchos años estuve en Barranquilla,

que es la ciudad donde él se hizo.

Ahí hay un periódico, "El heraldo", "El heraldo" de Barranquilla,

donde él trabajó.

Y el director,

que había sido compañero de García Márquez,

me invitó a colaborar

y durante varios años estuve colaborando

en el mismo periódico que Gabriel García Márquez.

No hay que olvidar nunca

que Gabriel García Márquez fue un extraordinario periodista.

Antes de escribir "Cien años de soledad"

ya estaba escribiendo en periódicos durante toda su vida, ¿no?

Y alguna novela se publica por entregas

en periódicos.

Por ejemplo,

la novela "La hojarasca" se publica en "El imparcial".

Ahora mismo,

"Cien años de soledad" probablemente esté traducida

a todos los idiomas o a casi todos, ¿no?

Dicen que es la obra más leída del siglo XX.

¿Y de qué va?

De la soledad.

El tema de la novela, dice García Márquez,

no es Macondo.

Es la soledad.

Se ha discutido mucho

porque es una novela extraordinaria desde luego.

Y compleja. Y compleja.

A los alumnos que se interesan por el tema de la memoria

les hago una doble propuesta.

Estudiar una serie de filósofos alemanes

que no son nada fáciles

y leer "Cien años de soledad".

Es un tratado de la memoria.

Es el libro de su vida.

Es el resultado de toda una producción

que va convergiendo en esa obra genial

y el tema es la soledad.

Pero es una soledad muy especial,

porque no están solos los habitantes de ese lugar

porque no tengan a nadie con quien hablar.

Es que no se encuentran consigo mismos.

No es una soledad interpersonal, sino intrapersonal.

No se reconocen en lo que son.

Les resulta extraño lo que realmente son

y de eso vamos a hablar.

Por otra parte,

es un tema que está en la tradición española

anterior a García Márquez, ¿no?

Por ejemplo, en el "Quijote",

el nombre don Quijote de la Mancha,

la idea esa de estar manchado de nacimiento,

de no ser cristiano viejo,

tener abuelos judíos o moriscos,

parece que tiene cierta relación.

Él dice:

"La soledad es la soledad de América Latina,

como enseguida veremos,

pero también es la soledad de la modernidad".

La soledad de los españoles y la soledad de Occidente.

Porque esa tachadura, ese no reconocerse en lo que son,

en el negro que fueron, en el mestizo que son,

en el indígena que fueron,

en no querer reconocer en sus raíces,

esa tachadura de lo que son también nos afecta.

Es una novela

que no solamente está dirigida al público latinoamericano,

sino al público español.

El español que va a América va con la lección aprendida.

¿Y la causa principal de la soledad

es que cuando los españoles llegan,

llevan una idea del mundo, una manera de comportarse,

que no es la propia de los que estaban allí

y que al mezclarse con ellos se impone?

¿Es algo así? Algo así.

Es decir, la historia de la novela es Macondo.

Macondo es una ciudad mítica

que aparece en muchos momentos en la obra de García Márquez.

Unas veces representa el paraíso y la utopía

y, otras veces, el desastre.

En este caso, es el destino de América Latina.

Macondo representa el destino de América Latina.

El problema de Macondo

es que es fundada por gente que viene huyendo,

pero no sabe de dónde viene.

Vienen huyendo de la animalización.

Donde estaban les trataban como animales.

Los niños nacían...

Con un rabo de cerdo, ¿no? Con rabo de cerdo.

Venían huyendo.

Y el problema que tienen los habitantes de Macondo

es que nacen enfermos.

Nacen apestados.

La peste del olvido.

La peste que realmente...

La enfermedad es el olvido

y ese olvido es la causa de todas las desgracias

que se van sucediendo a lo largo de 100 años

en los que Gabriel García Márquez

va narrando la historia de América Latina

que es un intento frustrado de resolver sus problemas

incorporando modelos europeos.

El modelo católico español, el modelo ilustrado francés,

el modelo económico americano y el modelo revolucionario.

Todo eso acaba en desastre y el problema es que...

La obra lo que plantea es cómo salir

de ese círculo vicioso, de ese fracaso constante,

y la salida depende de que sepan de dónde vienen.

Ese es el secreto que tiene uno de los personajes

que se llama Melquisedec

que es el autor de un texto críptico escrito en sánscrito

y que solo al final de la obra se desvelará

por alguien que reúne las condiciones.

Es alguien que es un bastardo, alguien que ha sufrido mucho,

porque su hijo muere comido por las hormigas,

y alguien que es un sabio.

¿Y dirías que el libro está escrito

pensando en el público lector europeo

o pensando más en el público lector colombiano?

Está pensado para el colombiano y para el occidental.

Pero siguiendo todavía con Macondo esa es la historia que cuenta.

La historia de una ciudad que simboliza América Latina

en la que se suceden las desgracias porque están solos,

porque no saben de dónde vienen y no se encuentran consigo mismos.

Eso es una metáfora,

y lo que está queriendo decir García Márquez

es que en un momento determinado llegan los españoles,

los occidentales,

y llegan presentándose como la punta de lanza de la cultura

y la punta de lanza de la humanización del ser humano.

Representan lo mejor de la cultura

y cuando llegan allí y ven que los otros son diferentes

y que no tienen las mismas pautas culturales,

declaran que los europeos, los españoles,

somos la historia

y los nativos, los aborígenes...

La prehistoria. La prehistoria.

Entonces, si quieren salir de la prehistoria,

si quieren superar la animalización,

tienen que abandonarse.

Tienen que abandonar sus raíces.

Tienen que renunciar a su lengua, a su cultura y a su religión

y a lo que son.

Eso es la soledad.

Eso crea la soledad.

La soledad, por tanto, es este precio

que imponen los occidentales a los indígenas

para que si quieren ser seres humanos,

si quieren entrar en la historia,

renuncien a lo que son.

La solución sería la memoria, ¿no? La resolución de la memoria.

La obra de García Márquez es genial

en el sentido de que sitúa muy bien el problema.

Hay una novela previa a "Cien años de soledad",

que se llama "Los funerales de la mamá grande",

donde el tema es el mismo.

En un momento determinado,

uno de los personajes ya se enfada un poco y dice:

"Salgamos a la puerta de la calle, sentémonos en unos taburetes

y contemos lo que realmente nos ocurrió

antes de que lleguen los historiadores.

Vamos a contar lo que somos...".

Los historiadores son los cronistas de los conquistadores.

No tenemos nada contra los historiadores.

Es una forma de decir

"contemos lo que realmente hemos vivido

antes de asumir el discurso que nos quieren imponer".

Decías, efectivamente, que es una lectura

para latinoamericanos evidentemente,

porque los criollos,

los que han protagonizado

la historia de América Latina,

han interiorizado el discurso de los españoles

y han marginado tanto como lo hicieron los españoles

al negro, al mestizo, al desgraciado,

al aborigen y al indígena

y, por eso, va dirigido a los criollos,

pero también a los europeos, porque...

Y esta es la importante reflexión que nos hace García Márquez.

"Ustedes solo se van a entender a sí mismos

si nos ven desde este lado y si nos ven desde nosotros.

Nosotros, efectivamente, hemos tenido esta desgracia

de construir 100 años de historia desgraciada

porque no hemos querido encontrarnos con nosotros mismos.

Pero esto lo hemos hecho porque ustedes nos lo han impuesto

y nos lo han impuesto ustedes porque venían así.

Ustedes ya en Europa decretaron en un determinado momento

que el manchado no era de primera clase,

que había una diferencia

entre la pureza de sangre y la impureza de sangre.

Eso lo han trasladado aquí

y así como ustedes en su lugar, en España,

afirmaron una lengua negando otras,

negando el hebreo y el árabe, como hemos visto,

también aquí han seguido el juego

y han impuesto un español negando nuestras lenguas".

Entonces, tenemos el mismo problema

y tenemos que buscar la misma solución.

A lo mejor la tendríamos que buscar juntos.

Juntos

y sabiendo que la solución está en la memoria.

La solución está en la memoria.

Hay un momento en la obra muy interesante

que es cuando ya se produce la destrucción definitiva de Macondo

como resultado de una huelga.

Hay una huelga contra el modelo americano,

el modelo económico,

que ha convertido a Macondo en una república bananera,

en una empresa bananera.

Ahí hay una huelga

y los militares, de acuerdo con la empresa,

deciden resolver el problema asesinando a los huelguistas.

Mueren 3000 huelguistas que eran los que había

y, oficialmente, se han ido de vacaciones

y no ha existido tal masacre.

En ese momento, suena un teléfono.

Alguien, desde Estados Unidos, llama interesándose por la empresa

y el único superviviente, Aureliano Segundo,

coge el teléfono

y le llama la atención

que la otra voz solo le pregunte por un gringo,

por el jefe de la empresa,

y él le habla de los 3000 muertos.

En la...

Y esos 3000 muertos son la clave.

Son la clave

porque la obra de García Márquez acaba muy triste.

Acaba diciendo:

"Fueron años sin segunda...".

"América no tuvo una segunda oportunidad

porque estaba enferma de soledad".

Pero en el discurso en Oslo... En el discurso...

Cuando recibió el Nobel. Cuando recibe el Nobel.

Él habla de la soledad de América Latina,

pero proponiendo una oportunidad,

la segunda oportunidad,

y, entonces, nos da a entender

que esa segunda oportunidad

solo será posible si entendemos que hubo 3000 muertos

y si entendemos

que la historia se ha construido

sobre muchas víctimas invisibilizadas

y que, precisamente, la memoria de esas víctimas

es el precio de una segunda oportunidad.

¿Por qué cuesta tanto reconocer este tipo de cosas

cuando realmente ocurrieron hace tanto tiempo

y hoy día tenemos documentos que prueban la verdad?

¿Por qué siempre estamos comparando con otras colonizaciones?

No pasa nada por decir

que si hubo gente que hizo eso, está mal que se hiciera.

Seguramente porque nosotros, los que hoy hablamos,

todos nosotros,

los que nos escuchan, los que nos ven

y nosotros mismos que hablamos,

somos herederos de los vencedores.

Los vencidos no tienen abogados fáciles.

García Márquez es uno de ellos y por eso tomó una decisión.

En el año 2001,

él y otros intelectuales colombianos

protestaron

porque Europa y, sobre todo España,

exigía un visado especial a los nacionales...

Por la situación de Colombia que había como una guerra.

Se pensaba que todos los colombianos eran potenciales narcotraficantes

o criminales

y se les exigía un certificado de pureza de sangre, ¿no?

Entonces, protestó García Márquez.

Pero en una carta

que tiene que ver con lo que estamos hablando...

En la carta decía:

"Españoles...".

España es un país que él quería mucho.

Vivió con nosotros.

De hecho, escribió aquí.

Escribió "Cien años de soledad" buena parte en Barcelona.

Decía:

"Digan ustedes a sus amigos europeos,

dice la carta,

que nosotros, los colombianos,

estos colombianos impuros de sangre, estos colombianos sospechosos,

somos herederos o nietos o hijos de esclavizados por España

y tienen con nosotros una deuda histórica.

Hasta que no se reconozcan como responsables de ese pasado

ustedes no van a cambiar,

porque van a repetir la historia de la misma manera".

Por eso es tan importante vernos con sus ojos.

Porque descubren una parte que nosotros tendemos a olvidar.

Pero ellos, nietos o descendientes de esclavos,

nos lo recuerdan.

De todas maneras,

nadie perdería nada reconociendo ese tipo de desmanes,

porque, al final, eso ocurrió hace siglos

y fueron personas que, en teoría, son nuestros antecesores

en algún caso,

pero nosotros no hemos cometido esa tropelía.

Pero sí está bien que reconozcamos que ocurrió, ¿no?

La verdad histórica está ahí y fue así,

pero, realmente, reconocer lo que ocurrió

significa no sentirse culpable,

porque la culpa es individual e intransferible,

pero sí responsables,

porque el mundo que tenemos es impensable sin aquel pasado

tanto aquí como allí.

Sin el expolio de América Latina no se entiende América Latina.

Sin la riqueza que trajimos los europeos a Europa

tampoco se entiende la historia europea.

Hay una responsabilidad respecto a ese pasado

y cuesta tanto

porque asumir esa responsabilidad significa cambiar

y hacer la historia de otra manera.

No podemos reconocer el pasado y seguir siendo iguales.

Habría que construir la historia no sobre los más débiles,

no explotando a los que se dejan o se les impone,

sino respetando lo que decía la Escuela de Salamanca.

Entendiendo que todos, antes que diferentes,

somos iguales con los mismos derechos.

Eso nos cuesta

y una de las pruebas

de que nos cuesta mucho entender el mensaje

que nos viene de América Latina

es que, frente a Gabriel García Márquez,

hemos tratado de desvirtuar la potencia de su escritura

diciendo que es realismo mágico.

Es una expresión amable aparentemente,

pero muy peligrosa,

porque si hablamos de un realismo imaginario

aplicado a América Latina

es porque pensamos

que nosotros, los europeos, tenemos un realismo realista

y que es el bueno.

Entonces, claro,

¿qué es lo imaginario en el realismo de García Márquez?

¿Qué es lo mágico?

Lo mágico es afirmar que esos 3000 muertos existieron.

Nos vemos en septiembre

y seguimos hablando de lo que América nos ha devuelto.

Gracias. Hablaremos de ello.

Muchas gracias.

Seguimos.

Les invitamos ahora a acompañarnos

en el privilegio de pasear por el Museo de Orsay

y les recordamos que este próximo sábado 22

se emite en "Los conciertos de La 2"

el Concierto para Europa de la Filarmónica de Berlín.

"París, la antigua estación de Orsay.

Solo llevó dos años terminarla.

Servía para ir al suroeste del país.

Hoy viaja por el mundo

de las bellas artes de finales del siglo XIX.

¿Qué es lo que se imprime más

en postales, carteles o libros de arte?

Aquí se encuentra el original.

¿En este museo

de las superestrellas de la historia del arte

cuál es probablemente el objeto más fotografiado?

¿Un Van Gogh,

una tarde de Renoir,

un bodegón de Cézanne

o son los propios visitantes del museo?

10 000 personas visitan el Museo de Orsay cada día.

Primero entran en la nave, el gran 'hall' central.

Allí, Hilka Le Carvennec lo ve todo y responde a todo tipo de preguntas.

Nacida en Francia y criada en Hamburgo

vive en París desde hace más de 30 años."

Me gusta que haya mucha luz al entrar,

y que haya mucho espacio para moverse.

"Esta experta artista gráfica

siempre ha sido una entusiasta del arte.

Desde hace siete años trabaja en el Museo de Orsay."

Todo seguido está la galería impresionista.

Debe subir a la segunda planta.

¿Se lo muestro en el plano?

Esto es muy variado

porque los visitantes del museo vienen de todas partes del mundo.

Una riqueza de gente y lenguas muy diferente.

Muchas veces hablamos distintos idiomas

o, si no nos entendemos, lo hacemos por señas.

Buenos días.

¿Les puedo ayudar?

-No.

"Todos los lunes el museo cierra.

Un tiempo para el cuidado de la belleza.

Para la directora del museo, Laurence des Cars,

las reuniones de prensa están programadas.

Desde hace dos años

esta historiadora de arte dirige el Museo de Orsay,

un museo para una época de cambio."

El siglo XIX es una época de revoluciones.

Política, social, industrial, técnica...

La burguesía llega

y comienza a expulsar a la aristocracia,

a la monarquía.

Es un momento de grandes cambios

y los artistas de ese tiempo sentían estos cambios.

Eran conscientes

de que vivían un momento histórico muy especial.

Fue el nacimiento de la modernidad.

"El Museo de Orsay muestra todo el recorrido del arte

desde el año 1848 al 1914.

Una gran colección de fotos es parte del mismo.

En aquel momento estaban surgiendo nuevas técnicas

y también los temas representados.

La vida cotidiana, los trabajadores, muebles de estilo,

la última moda en la burguesía adinerada,

pero, incluso en la vieja escuela,

la variedad mantiene siempre interesada

a Laurence des Cars."

Recuerdo muy bien mi primera visita al museo.

Estuve aquí cuando se inauguró en diciembre de 1986.

Entonces yo tenía 20 años y estudiaba Historia del Arte.

El Museo de Orsay

fue muy discutido en el mundo del arte.

Hoy, este debate parece completamente anticuado,

pero entonces se decía:

"¿Cómo es esto posible?

¿Se puede poner el estilo académico pasado de moda

junto con obras maestras modernas?".

"36 metros cuadrados,

el tamaño de un apartamento de una habitación.

'Romanos de la decadencia' de Thomas Couture

es un cuadro de mitad de siglo con un motivo histórico.

Tiene un estilo académico,

pero muestra una sociedad que se tambalea."

En aquel momento,

había en los salones grandes exposiciones anuales de arte

donde las pinturas más importantes del año

eran designadas por un jurado.

Cuando este cuadro se mostró allí,

de inmediato se entendió como un comentario político

sobre el fin de aquella monarquía.

La decadencia mostrada en la pintura

es en última instancia la decadencia del régimen político

de aquel momento.

"Laurence des Cars es experta en las obras de Gustave Courbet,

que también pintaba en formado 'cinemascope',

pero en lugar de dioses griegos,

un funeral de ordinarios mortales en su pueblo natal.

Una provocación.

Ha nacido el realismo.

En gran tamaño también el taller del pintor.

Una nueva forma de pensar en óleo sobre lienzo."

Se ve que el pintor pone a su alrededor

escenas alegóricas de su trayectoria.

Esta pintura es un manifiesto.

El artista decide lo que quiere retratar.

Sus decisiones y sus visiones personales

conforman la obra de arte

y eso es una revolución.

"Laurence des Cars lleva en el corazón

que estas rupturas en la historia del arte

no sean conocimientos privilegiados.

Los lunes, clases escolares."

El encuentro con estas obras de arte y la visita a los museos

deben comenzar a muy temprana edad.

Hay que reducir el umbral de inhibición

para superar obstáculos culturales y sociales.

Lo que no puede ser es que los niños crezcan y piensen:

"¿Un museo? Eso no es para mí".

Un museo debe ser un lugar vivo.

"Hacer accesible la obra de arte

y preservarla para las generaciones venideras.

En una sala de archivo directamente debajo de la nave

las pinturas se liberan de las huellas de las décadas.

En lugar de brillante pincelada impresionista,

un meticuloso trabajo de precisión.

Un piso más arriba hay prácticas de dibujo.

Esta clase proviene de una prestigiosa escuela

de diseño y artes aplicadas."

¿Eres de una escuela?

-Sí, de la Autograf.

En el primer año aprendes un poco de todo,

arquitectura, videojuegos y diseño gráfico,

y después te especializas.

Ahora, estamos aquí por las esculturas.

Vamos a museos y dibujamos lo que vemos.

-Gracias.

Pues divertíos dibujando.

Siempre me conmueve

cuando otros artistas vienen y dibujan las esculturas que hay.

Hay uno que viene muy a menudo y conversamos mucho.

Tengo el recuerdo de que, cuando se abrió

en 1986, yo vine aquí una vez

y me encontré un museo bastante excepcional,

extraordinario.

Particularmente, me gusta que no sea un edificio normal,

sino que anteriormente fuera una estación de tren

que acabase de ser reconstruida.

"'La estación es magnífica,

recuerda a un Palacio de Bellas Artes'

escribió un pintor francés cuando se inauguró en 1900,

justo a tiempo para la Exposición Universal

de París.

Isabelle Loutrel

es la experta en arquitectura del museo.

Su archivo en el cuarto piso conserva dibujos y fotografías

de los primeros días."

(HABLA EN FRANCÉS)

Aquí tenemos una foto espectacular.

Vemos la nave aún con las vías y los trenes.

Los trenes tienen locomotoras eléctricas,

lo que era absolutamente revolucionario

en Francia en aquel momento.

Lo que hizo moderna la estación,

por ejemplo, fue el transporte del equipaje.

Aquí vemos una cinta como las que conocemos hoy en día

en todos los aeropuertos.

Luego las maletas

daban vueltas hasta que el viajero venía con su recibo

y la recogía.

"La Estación d'Orsay, aquello era viajar con estilo.

Se suponía que la estación debía ser elegante.

Esa fue la orden dada al arquitecto Victor Laloux,

cuyos diseños se conservan en el museo."

El objetivo

de Victor Laloux era que la estación

no se diferenciase demasiado

de su vecindad,

especialmente a la vista del Louvre,

justo enfrente, pero también de otros edificios

de este VII Distrito.

Toda la estructura de la estación

está hecha de metal, pero estaba revestida de piedra

para darle un aspecto clásico.

"En el Museo d'Orsay se sube casi hasta el tejado,

una doble construcción de vidrio y acero que combina

tecnología y estética."

Es como un bosque, un bosque de metal, columnas

y pilares.

y sigue siendo una tremenda muestra

de lo que se podía hacer entonces

con estos materiales: con vidrio y acero.

Todavía resulta espectacular.

"La estación no era solo una estación de trenes,

sino también un hotel y magnífico salón de baile,

sin embargo, con una ilusión óptica:

las supuestas columnas de mármol

son solo pintadas.

En 1939 se detiene el tráfico de larga distancia,

las vías son demasiado cortas para los trenes modernos.

Entonces la estación se usa como aparcamiento.

También se piensa en una demolición.

Luego viene la conversión en museo."

Entonces aquí hay otra escalera mecánica,

que lleva al segundo piso.

Hay Van Gogh, Gauguin, muchas esculturas.

De allí, con la gran escalera mecánica,

al quinto piso.

Y luego mira la galería impresionista aquí.

"Aquí, un lugar siempre lleno de gente:

la galería impresionista

Ningún otro museo

en el mundo tiene una gran colección comparable.

Momentos de luz.

Momentos fugaces, reflexiones.

En el Museo d'Orsay se encuentra

un tesoro de inmenso valor.

Sylvie Patry es una experta en este estilo

cuyas principales obras se han convertido en iconos,

millones de veces reproducidas."

(HABLA EN FRANCÉS)

Es una pintura brillante, también es un arte muy accesible.

Los impresionistas querían pintar el mundo

como lo veían, como era a su alrededor.

Han pintado su vida cotidiana,

la vida moderna, la industria emergente.

Estos son temas que todavía hoy provocan algo

en cada uno de nosotros.

"Pintando en un momento de inflexión,

el impresionismo muestra

a los turistas de domingo en un idilio rural

y el ferrocarril pasa con humo y ruido.

Paisajes coloridos

y bebedores aburridos en la gran ciudad,

todo ello a menudo

en ese estilo genial, incompleto y fugaz."

Lo que me fascina de estos artistas es la libertad,

su compromiso con la independencia, con la individualidad.

También su coraje. Podrían haber seguido

el camino fácil, pero optaron por salirse

y tomar un nuevo camino en la pintura,

también en Francia y en el mundo.

"La colección del Museo d'Orsay

se debe a Gustave Caillebotte, entre otros,

un pintor del impresionismo

y rico coleccionista de las obras de sus colegas.

Su pintura 'Los acuchilladores del parqué',

de 1875, muestra a los trabajadores

en un antiguo edificio parisino."

Entre otras cosas,

el tema particular de esta imagen, trabajadores,

un tema que no era lo suficientemente elegante

para una pintura o una escultura en ese momento.

Si uno, por ejemplo, mostraba un cuerpo masculino desnudo

o semidesnudo, elegía más bien un motivo

que era más propio de la Antigüedad,

pero aquí Gustave Caillebotte muestra

los cuerpos de personas reales

y eso fue impactante y sorprendente.

"'Me gustaría pintar cómo canta un pájaro'

dijo una vez Claude Monet.

En su último trabajo,

se tomó todas las libertades:

pinta en su jardín los 'Nenúfares azules'."

Es una imagen poética.

Nos invita a algún tipo de meditación,

a sumergirnos en este universo.

Es ligera y profunda.

Estas flores hablan del tiempo que pasa,

hablan de la superficie y de la profundidad.

Es una fase muy conmovedora

en la obra de Monet.

-A mí, particularmente, me gusta el arte,

el arte que tiene que ver algo

con mi educación,

porque estudié "art déco" en Hamburgo

y siempre me ha interesado el arte,

también dibujar

y pintar yo misma.

Así que también tengo razones personales.

"¿Qué imágenes le gustan especialmente a Hilka Le Carvennec?

Por ejemplo, Paul Cézanne,

'Manzanas y naranjas'.

Una naturaleza muerta moderna.

'Todas las formas en la naturaleza

pueden reducirse a conos y cilindros' dijo Cézanne."

Me gusta el bodegón,

es un trabajo muy contemplativo.

Elige algo, elige objetos y luego dibuja.

Me gustan los colores,

el rojo, el naranja, el amarillo.

La tela blanca no es tan blanca,

también tiene colores

que uno descubre si la mira más tiempo.

"Podemos elegir la imagen de d'Orsay que se prefiera:

un desayuno en el campo,

una pequeña habitación

o quizás la ropa nueva del emperador.

Una cosa es segura:

cada uno encuentra su propia superestrella

en este museo."

(Música)

Taller de música hoy con Clara Gallardo,

integrante del proyecto Zopli2,

proyecto afín a Vibra-Tó,

y con Joaquín Sánchez

para celebrar el Día Mundial de la Música

un día por adelantado hablando de la flauta travesera.

Hoy Miguel Guinea no nos acompaña

porque está de oposiciones, así que mucha suerte desde aquí,

fuerza, ánimo y a por ellas.

¿Qué tal, Clara? Hola, buenos días.

Bienvenida. Muchas gracias.

¿Qué es eso de Zopli2?

Zopli2 es un proyecto que comenzamos Joaquín y yo

el año pasado, ahora justo va a hacer un año y medio,

y digamos que surgió como resultado del vínculo

que ambos teníamos

y del amor que teníamos por diferentes músicas del mundo

y por los instrumentos de viento.

Así que se nos ocurrió un poco el reto de montar un repertorio

integrando estos diferentes tipos de música

con distintos tipos de instrumentos de viento,

tanto los clásicos occidentales, como flautas y clarinetes,

como otros más propios de diferentes culturas

y también la parte de los instrumentos fabricados,

que es el trabajo que llevan haciendo

Joaquín y Miguel con instrumentos fabricados

por ellos mismos con Vibra-Tó.

Mucho tiempo. Oye, Clara, cuéntanos un poco tu historia.

¿Tú qué estudiaste? ¿Cómo es eso? A ver, cuéntanos,

que es muy interesante. Es que a mí me lo ha contado

hace un momentillo.

Al final, tampoco...

Yo lo que empecé fue estudiando en el conservatorio

música clásica.

¿En el Conservatorio de Málaga?

Sí, en el de Málaga, hice mi grado elemental,

luego el grado medio, el superior

y, tras acabar, me tiré unos cuantos años así,

pensando hacia dónde me quería dirigir

y, al final, en un viaje encontré un conservatorio

que me resultó superinteresante,

que tenía este enfoque como de músicas del mundo

allí, en Holanda, en Róterdam,

y allí me pegué otros cuatro años estudiando.

Y luego os encontrasteis, ¿no?

Exactamente, luego nos encontramos

e hicimos el dúo.

Y tenemos aquí un vídeo, ¿no?

A lo mejor podemos ver ese vídeo. Yo creo que...

Ese vídeo es de los... Dos días después de conoceros, ¿no?

-Sí. -Exactamente, es de los primeros.

Al segundo día o al tercero.

(Música)

Qué bueno.

Oye, lo de la flauta, la travesera,

¿por qué no contamos un poco la historia, Clara?

A ver cuándo nace, cómo evoluciona, por qué...

Bueno, la verdad...

La flauta es uno de los instrumentos,

como sabrás, más antiguos,

de hecho, la primera flauta se descubrió

en Alemania y es de hace 43.000 años.

O sea, que lo tocaban los neandertales casi, ¿no?

(RÍE) Claro.

Obviamente, no tenía este sistema ni esta complejidad,

empezaron siendo de hueso

y, claro, ha tenido una larguísima evolución.

Digamos que la flauta travesera,

con esta forma, llegó a Occidente

cuando aquí estábamos en la Edad Media.

Vino procedente de Asia a Alemania y Francia

y poco a poco comenzó a hacerse más popular.

Al principio, era simplemente un cilindro de madera construido

en una sola pieza y tenía seis orificios digitales

para los dedos

más otro para el soplo.

Y, a raíz de ahí, fue...

Evolucionando. Evolucionando, claro,

se le fueron añadiendo llaves, que son estas palancas,

estos mecanismos que nos permiten accionar orificios

a los que a lo mejor no llegamos con el dedo.

Pero eso fue muy lentamente, se le añadió una, luego dos,

para intentar cada vez sacar más notas, se hicieron mejoras

para intentar ampliarle

la tesitura, sobre todo en el registro agudo de la flauta.

En algunos momentos tuvo menos popularidad

porque también, por otro lado,

estaba la vertiente de las flautas de pico

o flautas dulces, que en algunos momentos,

digamos, eclipsaron la flauta travesera,

pero hubo un momento de la historia,

en 1832 concretamente, cuando un señor llamado

Theobald Boehm,

digamos, revolucionó el instrumento

e hizo un mecanismo totalmente diferente:

le abrió una serie de agujeros extras,

en total, 14 agujeros,

ideó este sistema de llaves que vemos aquí,

que son como una especie de arandelas,

que nos permiten, accionando con un solo dedo,

poder tapar hasta tres orificios diferentes.

Entonces, a través de X experimentos,

también se dio cuenta:

"Hay que hacer los agujeros más grandes

para que la afinación sea mejor o el sonido más homogéneo".

Y, al final, ideó un modelo, que es el que se impuso

y el que ha llegado hasta nuestros días a día de hoy.

Que tiene bastantes variantes, aquí estamos viendo seis o siete.

Sí, hay variantes, pero todas llevan el sistema Boehm.

Digamos que el mecanismo es lo que menos ha cambiado,

aunque hoy en día sí que hace poco, ¿no?,

han surgido otros tipos de flauta.

-Sí, justo esta mañana mismo

estábamos hablando con Julián Elvira,

que es un joven compositor y flautista

que, digamos, ha cogido el sistema Boehm,

después de realizarse varios estudios

por Istvan Matuz, un flautista húngaro,

llegó a la conclusión de que podría mejorarse

añadiendo unas llaves y una serie de mecanismos

y entonces este hombre ideó la flauta Prónomo,

que es con muchas llaves más, con ciertos agujeros, orificios,

con diferentes posibilidades

y, según leíamos y nos contaba, tiene hasta 22 millones posibles

de combinaciones de agujeros.

Madre mía.

O sea, tienes para entretenerte. Tienes para entretenerte un rato.

-Todas las llaves son independientes

porque en la flauta, por ejemplo, acciona por aquí la llave de fa,

a lo mejor se tapan tres agujeros.

El ideó un sistema en que todas las llaves

pueden ser independientes

y nosotros, que tenemos, digamos, el sonido mínimo

que hay entre un tono y otro es un semitono,

pues con este podemos hacer,

con la flauta Prónomo, microtonos y una serie de...

Vamos, notas... ¿En qué tipo de música

se suelen usar estos instrumentos?

Bueno, la flauta...

En todo. En todo, la verdad,

como la flauta travesera

es un instrumento ya también muy antiguo

y, en general, han estado presentes en todas las culturas.

Así que la flauta travesera,

en cualquier música en la que ha metido la cabeza,

se ha quedado. ¿Qué diferencias hay

entre todas estas flautas traveseras que habéis traído?

Mira, por ejemplo,

para empezar, lo más obvio es el tamaño.

Sí, sí, esa es tremenda.

Esta flauta que hemos tocado fíjate que es tan grande que ya la cabeza,

que se le llama a esta parte de la flauta,

viene doblada porque, si no, ergonómicamente sería imposible.

No puedes.

¿Y mientras más grandes son,

más graves? Exactamente.

-Más graves, precisamente.

Esta es la flauta bajo, que es una octava por debajo

exactamente de esta flauta,

que le vamos a agradecer desde aquí a Salvador Espasa,

un gran flautista que nos la ha prestado.

-Y, por cierto, además,

porque estas flautas no son tan populares realmente,

pero Salvador Espasa, este flautista valenciano

que lleva muchos años viviendo en Madrid,

fue la persona que incorporó en España,

que creó la primera orquesta de flautas,

cuando aquí no había absolutamente ningún repertorio

y él tenía que mandar a pillar partituras a Estados Unidos

o escribirlas a mano,

porque tampoco estaban los sistemas estos de ordenador

de edición de partituras.

-Entonces tendríamos la flauta bajo, que llega...

A ver si me sale el do bajo.

Tendríamos este do grave.

Y ahora la siguiente, digamos, en tamaño sería esta,

la flauta... -La flauta en sol

o flauta alto también se le llama,

que está afinada una quinta

por debajo de esta flauta,

de la más convencional, que está en do, y esta,

para que escuchéis la sonoridad...

¡Guau!

Qué bonito. A mí me encanta el sonido de esta.

Oye, ¿cómo se obtiene el sonido?

Porque no sé si lo hemos explicado ya,

pero yo no me he enterado.

-Pues mira... -Pues... Venga, explícalo.

-(RÍE) -Por favor, experta.

Venga, Clara, que tú eres nueva, empieza tú.

En general, en los instrumentos de viento,

el sonido se produce gracias a una columna...

Gracias a Zopli2. Claro, al "zoplar".

Zopli2.

Es una columna de aire que entra en vibración

dentro del tubo y, en concreto en las flautas traveseras,

el sonido se produce en el borde del bisel.

Cada instrumento de viento tiene su técnica, su manera.

Lo de la travesera porque la coges atravesada.

Claro, transversalmente. La coges así y sale para un lado,

no sale de frente.

Exactamente. Perdonad la tontería.

Exactamente, en el Barroco,

por ejemplo, en la época del Barroco,

a estas flautas, que todavía estaban construidas en madera,

se las conocía por el nombre de "traverso"

a las flautas traveseras.

Y teníamos ahí una imagen de una flauta,

creo que la que tú has dicho antes o no sé.

-Sí, la flauta Prónomo. -Esta es la flauta Prónomo.

-De Julián Elvira, que mencionábamos antes,

con todo este mecanismo

que comentaba Clara, nos permite obtener, digamos,

una gama de sonidos mucho mayor

a las flautas tradicionales

por tener cuartos de tono, al tener cada agujero, digamos,

varias posibilidades e ir de manera independiente.

-Y, en cuanto a la familia de flautas,

porque hemos llegado aquí hasta la baja, pero luego existen

flautas contrabajo, que ya se tocan de pie

y los agujeros están aquí puestos.

Y, justamente, Julián Elvira nos ha comentado hoy

que él ha hecho un trabajo también supergrande

con la flauta subcontrabajo,

que yo ya no sé cuántos metros tiene que medir eso.

Tiene que ser ya una tubería de...

-(RÍE) -Un canalón.

-Sí. (RÍE)

Y tenemos el flautín, que todavía no lo has tocado.

-Bueno, el flautín es que... A ver, tócalo a ver cómo suena.

Esto da una sonoridad muy guay

cuando estamos tocando con agrupaciones grandes,

pero así, en solitario, la verdad...

A ver.

Superjuguetón, ¿no?

Parece de cuento infantil,

de duendes.

Sí. Que nos están diciendo

que ya me están sacando

no la roja, me han sacado la amarilla

y no hemos hablado de este tema.

A ver. ¿Cómo llevas la armónica?

No le he echado mucho tiempo todavía,

pero, bueno, voy...

La verdad es que me gusta, me gusta mucho, sinceramente.

Pues acuérdate...

No tengo ni idea y, además, estoy sordo, pero...

Poco a poco. Pero poco a poco.

-La única manera. -¿Te acuerdas? Que el otro día

no nos quedamos con tiempo

de presentar algunas de las armónicas más curiosas

y traemos aquí esas armónicas que se quedaron en el tintero.

Al igual que las flautas, que cuentan con una amplia familia,

en la armónica pasa exactamente igual.

Tenemos aquí un ejemplar muy curioso,

que es la armónica bajo,

que da notas, como su nombre indica, muy graves.

(RÍE) (RÍE)

-Que sirve para acompañar, junto con esta otra armónica,

una de las armónicas más grandes

que hay, que esta es una armónica de acordes,

que, cada, digamos, estos grupos de celdas,

tienen configurado ya un acorde previamente.

Y aquí vas haciendo, digamos,

diferentes acordes para acompañar melodías.

Luego, como curiosidades y rarezas,

¿te suena que hablamos de la armónica

que fue el primer instrumento que se tocó en el espacio exterior?

Sí. Pues era este tipo de armónica,

fue la que se llevó...

Pero ¿así de pequeña? Esta armónica se llama

la Little Lady,

de Hohner. Se la llevó escondida un astronauta,

el señor Schirra,

y en 1965 Houston se sorprendió

cuando, al establecer comunicación con él,

el tipo tocó el...

(RÍE) (RÍE)

Tocó el "Jingle Bells", ya que era época navideña.

-Entonces ahí... -La miniarmónica.

Se quedarían alucinando

porque, si no sabían que se la había llevado...

Exactamente, diría: "Hombre, una tuba no se iba a llevar".

¿Y qué más? A ver.

Mira, ejemplos raros.

Esto se lo debemos a la colección particular

de Antonio Serrano,

gran armonicista del que también hablamos,

que nos dejó esta Harmonetta. Esto es un experimento de Hohner

que hizo entre los años 50 y 70,

que se trata de la aplicación del teclado isométrico de Euler,

del matemático Euler, a la armónica,

donde las notas están dispuestas

de una manera matemática muy curiosa.

Entonces uno sopla

y aquí preconfigura los acordes o escalas.

En fin, tiene...

(RÍEN)

Tiene su aquel.

Tiene su complejidad. Tiene su aquel descubrir

los entresijos.

Pero es curiosísima, ¿no?

Es muy curiosa.

¿Y qué más? Mira, me traje también otra curiosidad aquí

de parte de la colección de Antonio.

Es una belleza, ¿no?

Esta es una armónica muy curiosa

que se utilizaba para efectos de cine, etc.,

que es una armónica de "glissando".

Ahora lo entenderéis.

Tiene todas las notas cromáticas seguidas

y suenan igual tanto sopladas y aspiradas.

-"El exorcista".

Qué bueno, para hacer efectos especiales, ¿no?,

efectos auditivos.

Un poco ahí por continuar la serie esta de armónicas.

Os esperamos en septiembre, ¿vale?

Recuperamos, a ver si ya puede venir Miguel.

Si no puede venir todavía

porque sigue dándole que te pego a las oposiciones,

lo esperamos hasta que venga

y tú, únete a nosotros, Clara,

porque yo creo podemos pasarlo muy bien todos.

Pues sí, seguir aprendiendo acerca de los instrumentos.

-Un placer para mí.

Y terminamos tocando, ¿no?

Venga. Venga, vamos a ver.

-"Why not?". -Vamos a terminar

con una canción de Clara muy bonita,

que fue de las primeras que me enseñó, que se llama "Wind".

(Música)

Hasta siempre.

Jorge Gil

se sirve de los muñecos para hablar de la condición humana

y de todo lo que la rodea.

"Boek Visual" nos presenta hoy una muestra de su obra.

"'La representación mediante diferentes tipos de muñecos

ha sido algo inherente al ser humano

desde el comienzo de la historia de la humanidad.

Nos hemos servido de ellos para proyectar

nuestros deseos, nuestros ideales y aspiraciones,

pero también para plasmar en ellos

nuestras fobias y miedos más ocultos o incluso

para proyectarnos a nosotros mismos.

Tal vez sea porque el muñeco es un objeto

que desde la infancia

tomamos como algo propio

y que dotamos de un gran contenido emocional.

Es por esto, quizá, que el muñeco se encuentre

en un lugar mucho más cercano

al ser humano de lo que pueda estarlo

la escultura'.

El trabajo de Jorge Gil (Jaca, 1981)

se caracteriza por un constante cuestionamiento

de la condición humana mediante el análisis de conceptos

como la suerte, la identidad, la pérdida o la vulnerabilidad.

Para ello, intenta desgranar los diversos procesos de la mente,

así como sus conflictos, obsesiones, trastornos y miedos.

Normalmente, emplea como medios de representación

una gran variad de muñecos, marionetas,

maniquíes, siluetas y autómatas

que construye como elementos de sustitución del propio sujeto,

investigando acerca de las diferentes relaciones

e implicaciones que existen entre las dos partes:

real y la ficticia; el original y la copia;

el simulacro y la representación."

Errata Naturae acaba de publicar

este absoluto clásico: "Pensamientos al vuelo",

de Yoshida Kenkō, un alto funcionario japonés

del siglo XIII, responsable de la defensa del palacio imperial,

hijo de otro alto funcionario,

del emperador que, por una razón desconocida,

cae en desgracia y se retira como monje budista

a reflexionar.

Pues bien, estos pensamientos al vuelo son

lo que nos ha legado a sus lectores

de aquellas reflexiones,

un libro inteligente, sosegado,

lleno de experiencia y lucidez

que, por su tono, recuerda a los grandes maestros

del estoicismo occidental,

maestros, como Séneca,

Marco Aurelio

o Miguel de Montaigne.

Estamos todos de enhorabuena.

Y quien no tenga para el sosiego ahora...

Será una espléndida lectura

para el verano, de lo más provechosa.

Nos vamos hasta el lunes. Tendremos, esta vez sí,

al catedrático emérito

de la Universidad de Castilla-La Mancha

Diego López Garrido, con quien hablaremos

de los nuevos problemas

a los que se enfrenta el libre comercio internacional

con la vuelta a la política de aranceles.

Será uno entre otros muchos contenidos,

claro está, todos estupendos, todos,

como siempre, muy interesantes.

Pasen un espléndido fin de semana

y vuelvan todos a las 10:00 el lunes, que pasamos lista.

Hasta entonces. Adiós.

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La aventura del saber - 20/06/19

20 jun 2019

Emitiremos los reportajes "Museo d'Orsay" y "Boek visual: Jorge Gil". Además entrevistaremos al profesor de Investigación del CSIC Reyes Mate y a los músicos y profesores Joaquín Sánchez y Clara Gallardo.

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