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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 28/09/17 - ver ahora
Transcripción completa

"Días de cine" se vuelca un año más con el Festival de San Sebastián.

Todo lo que sucede en Donosti os lo venimos contando

desde el pasado lunes.

Hay muchos títulos que ya hemos visto aquí

y que se estrenan este fin de semana. Comenzamos.

(Música)

¿Tú te estás riendo de mí? -No.

-Ha venido la monjita nueva.

Una comedia musical con los mejores ingredientes,

amor, humor y canciones con Macarena García y Anna Castillo.

¿Sabías que tenía una mujer?

Jennifer Lawrence y Javier Bardem protagonizan

un intenso drama psicológico a las órdenes de Darren Aronofsky.

El mundo entero se va a dar cuenta de que Argentina

tiene un presidente invisible.

Ricardo Darín realiza una soberbia interpretación

en un thriller político de gran altura.

(Música)

Comenzamos hablando de una película que transcurre en esta ciudad

y durante este festival.

Por eso tenía todo el sentido que "Operación Concha"

se estrenase en el Festival de San Sebastián

antes de llegar a las salas.

Es una loca comedia de timadores,

donde vamos a poder ver las dos caras de un magnífico Jordi Mollà

como canalla buscavidas

y también dando vida a un actor de éxito cubano.

Karra Elejalde, Unax Ugalde o Bárbara Goenaga le acompañan

en esta película de enredos

donde van a volar los maletines llenos de dinero negro.

(Música)

¡En nombre del pueblo!

(GRITA)

-¡Corten! ¡Corten!

-¿Esto qué es, Marcos? ¿Qué pasa?

-Nada, chico, la "fucking" financiación que se nos ha caído.

Con mejores intenciones que buena fortuna en los resultados,

el director sevillano Antonio Cuadri publica su "Operación Concha"

en el fecundo terreno de la picaresca española

y más concretamente en el ámbito de la industria cinematográfica.

Tenemos que hacer esta peli sí o sí.

-A mí me cuesta creer que vaya a firmar con nosotros.

-La mexicana tiene tela.

Esto quiere decir que hablamos del cine dentro del cine

en clave de un humor que evita hacer sangre

al describir un panorama trufado de timadores, mentirosos,

traidores, ingenuos y canallas.

Como en este mundo nada es lo que parece,

la pregunta es obligada.

¿Cuánto se parece esta historia a la realidad?

Si hay productores estafadores... Haberlos haylos.

-En todas partes cuecen habas y el mundo del cine

te aseguro que no es de los número uno

de la corrupción ni del choriceo y no hace falta que diga más, ¿no?

Más con los tiempos que corren, ¿no?

-Bueno, yo creo que es muy sano el ejercicio de la autocrítica.

¿Cuánto hay de real?

No te sabría decir el porcentaje, a lo mejor un 60-70 %.

Pero hay un 30 % que es inventado.

-Que no hace la película.

-Se trata de engañar a la mexicana, ¿no?

Pues hagámoslo del todo.

Humor amable, por tanto, chispeante a veces,

al que contribuyen los intérpretes con su buen hacer a favor de obra.

Como si se miraran en un espejo deformante

para reírse de sí mismos.

El registro de sus personajes les permite la caricatura,

a unos más que a otros.

Especialmente Karra Elejalde como empresario corrupto

y Jordi Mollà en un doble papel de pringado expresidiario

y estrella latina.

Organicémoslo con una doble. -¿Cómo?

-Le sacamos la pasta que el actor le pida como adelanto.

-Qué hijo puta, es clavado.

-Yo les quería vienen los dos, ¿sabes?

Entonces, era una cuestión de decir: "¿Hoy quién me toca?

¿El cubano o el andaluz?"

¿Quien tú llamas hijo de puta?

(RÍE)

¿Has visto? Funciona.

Es de donde parto, porque de aquí se va a las manos,

se va a la manera de andar,

es como que se expande por el cuerpo y entonces ya lo tienes,

ya tienes al personaje.

En el marco incomparable del Festival de San Sebastián,

de ahí ese título que en Hispanoamérica

resultaría malsonante,

se desarrolla la farsa de productoras en quiebra,

proyectos fantasma,

inversiones millonarias que pretenden blanquear dinero,

actores que reciben la Concha del Festival

a insospechados suplantadores de identidad.

¿Qué tal?

-Carajo, ¿es que no sabes llamar a la puerta?

-Eso huele a dinero de narcos.

-¿Quién cojones tú eres?

-¿Qué está pasando aquí?

-No queríamos rebasar, digamos, la línea nunca del surrealismo

ni de algo que pudiera, efectivamente,

sujetar la historia en unos límites de verosimilitud,

de cierto realismo.

-Caléndulas, reflejan fuerza y resistencia,

la que te sobra a ti, las que me falta a mí.

Aunque la trama resulta previsible dentro de los márgenes de un género,

el de timadores, en el que Antonio Cuadri parece sentirse bien,

"Operación Concha" debe tomarse como una comedia simpática

y sin demasiadas pretensiones.

(Música)

Lo veo distinto,

como que está más flaco.

-Bueno, eso es porque la cámara engorda.

-Tú cuanto menos sepas mejor, hasta mañana.

(Música)

Dice el director David Arratibel que la suya

es una película de cariños, vacíos, distancias y ausencias.

Un maravilloso documental que nos cuenta cómo la fe católica

entró en su familia y, de alguna manera, también entró en su vida.

Un documental que tenemos mucho cariño en el programa.

Ya lo preestrenamos, se ha podido ver aquí, en el festival,

y este fin de semana ya podéis disfrutarlo en salas.

Igual va y Dios existe.

Así cómo...

¿Va a ser verdad esto o qué?

"Converso" podría ser el documental español del año.

Sutil, de líneas precisas,

sencillo, pero de una contundencia emocional que impacta,

porque pilla desprevenido al espectador.

En principio, parece ser una investigación filmada,

la de un cineasta que trata de averiguar

qué ha ocurrido en su propia familia para que todos sus componentes

se hayan convertido al catolicismo.

Ella era una persona que buscaba la verdad sinceramente.

Con una pericia poco común, la película sufre una transformación

que implica no solo al objeto filmado,

sino al propio cineasta.

¿Por qué quiere grabar todo lo nuestro?

-David es así de original.

-Quedaría muy humorista decir que parte de una intención

de comprender el proceso religioso de mi familia,

pero la intención que me mueve a hacer la película

es la pura ambición de un cineasta

que ve que una cosa tan extraña como una conversión así en cadena

hay una película.

Cosa que luego la película se va tornando en otra historia

y acaba por interrogar al cineasta de por qué eres tan miserable

de no querer hablar con tu familia

hasta haber querido hacer una película.

-En aquel momento para ti mencionar un poco

el tema de una posición religiosa te creaba

una crispación y una violencia tremenda.

Por lo que íbamos creando vacíos.

-Distancia. -Distancia.

-En ese sentido, la película,

que no tenía esa intención humorista, sanadora y tal,

se convierte en un bálsamo para la familia,

porque desde luego ellos

sí que tenían algo que los unían profundamente,

que era esa armonía alrededor del hecho religioso,

pero yo me quedaba fuera,

yo estaba desafinado en esta armonía.

-Me acuerdo que María me decía: "Rezo por ti" o cosas así

y yo era como... Qué asco o no sé.

-Mi intención como documentalista o como cineasta

de querer entender cómo se cree,

cuál es el proceso de que alguien

ahora Dios no existe, ahora Dios existe

y tengo la certeza de que Dios existe.

Pero ese es el capítulo de la película en el que se dice

que no se puede filmar el Espíritu Santo,

es un poco ese capítulo de que si alguna voluntad había

de intentar entenderlo con la película, yo no lo he entendido.

¿Qué haces con el teléfono encendido?

-No, no, que es la alarma del ángelus.

-La gente religiosa, los creyentes, ven la película

y centran mucho el foco en los testimonios de fe.

-Porque no puede dar igual que Dios exista o que no.

-Para mí es una película de conversaciones pendientes,

también es una película de conversiones.

Pero, claro, los creyentes traen la historia religiosa a primer plano

y la historia otra la dejan en ese segundo plano.

Pero, bueno, el espectador, cada uno tiene sus vivencias,

su sensibilidad, su "background"

y va a hacer de la película lo que a él le conmueva.

-Esta película ya, aunque no se hiciera,

a mí ya me da un montón.

El poder hablar contigo de una puta vez,

que hace, 2006, hace un montón de años que me pasó esto

y hasta ahora no habías querido saber nada y te enfadabas.

No es la primera vez que David Arratibel

usa su propia vida como recurso cinematográfico.

Ya lo hizo en "Oírse", anterior documental,

donde se sumergía en su propia dolencia auditiva

a través de la de otros.

Todos ellos aquejados de lo que se conoce como acúfenos.

El cine que a mí me interesa

es el cine que sale de las tripas del cineasta

y esa película o lo hace el cineasta o no lo hace nadie.

En ese sentido, la primera película

también era de una vivencia absolutamente íntima,

porque es un ruido que nadie escucha

y todo lo que tenía eso, el compartirlo, el analizarlo,

también tiene un punto de expulsarlo.

-Según en qué momento te encuentres o en qué movimiento,

hay una frecuencia que se sobrepone sobre la otra,

pero la más afilada es esta, sin duda.

-No sé si seguiré haciendo mi cine por ahí,

tengo muchas cosas que arreglar en mí.

Puede que sí, pero sí que han salido dos películas

y en ese sentido han sido como terapéuticas.

(Música)

Hoy he sentido la llamada.

Las luces apagadas

y las piernas abiertas.

Dios nuestro Señor, ¿quién va a ser si no?

Prácticamente está todo listo aquí, en San Sebastián,

y quería preguntaros cuáles son las sensaciones

de esta edición número 65 del Festival.

En primer lugar, viendo la cantidad ingente de películas

a las que es imposible llegar,

lo que es evidente es que cada vez el Festival

es más importante para el mercado español.

-En realidad, lo que estamos viviendo aquí

es como un adelanto de lo que vamos a ver

en las salas comerciales durante el invierno que viene,

durante la temporada.

Vamos a mostrarles a los espectadores

cuáles son esos títulos más destacados de esta edición.

(Música)

Que los tiempos están cambiando se hace evidente día a día

y el Festival Internacional de Cine de San Sebastián

en su edición número 65 no podía ser menos.

(Música)

La programación de este año se presenta inabarcable

para angustia de la prensa

y algo de frustración para los espectadores de a pie.

A unos y a otros les gustaría llegar a ver

todos esos títulos que serán prácticamente inaccesibles.

Si acaso en DVD y sucedáneos.

En contraste, hasta media docena de lo visto aquí

se estrena este mismo fin de semana

y de ellos hablamos aparte en este mismo programa.

(Música suspense)

Entre lo más novedoso, la controvertida inclusión

de las series televisivas en la Sección Oficial.

Fuera de concurso, eso sí,

como privilegiado refugio para el cine de la mejor calidad.

Trataremos de hablar de lo mejor y más reseñable

de este aluvión de novedades que se reparten por todas las secciones.

Gracias.

(Música)

Buena parte de lo más apreciable se está acumulando

en la Sección Perlas,

avalada por el paso de las películas por otros festivales.

Procedente de Cannes, "En realidad nunca estuviste allí"

es un thriller oscuro dirigido por Lynne Ramsay

en el que brilla el poderoso Joaquin Phoenix

como sicario en peculiar camino de redención

con la brutalidad de la violencia insinuándose fuera del encuadre.

Desde que empecé con el guión y vi una foto de Joaquin Phoenix,

supe que él era mi protagonista.

No podía quitármelo de la cabeza, no podía pensar en nadie más,

porque aporta mucha humanidad, pero también puede ser aterrador.

Y no sabes qué va a hacer a continuación.

Ganadora del Oso de Oro en Berlín, en la húngara "En cuerpo y alma",

dos personas que trabajan en un matadero

descubren que cada noche sueñan lo mismo.

De esta manera inusual comienza una inusual relación

narrada con sutileza y mucho sentido del humor,

porque el ser humano es un ser trágicamente divertido.

Los dos son dos personas solitarias, apenas se relacionan con los demás

porque así lo han decidido.

Son aburridos, viven apegados a su rutina diaria.

Puede parecer triste, pero es una decisión voluntaria.

Koreeda pasa de la crónica familiar al thriller judicial

en un estimulante relato concentrado en la relatividad de la verdad.

Un cambio de tercio radical

que mantiene el autor de "Nuestra hermana pequeña"

entre los más interesantes del panorama actual.

No me gusta.

-Haz el favor.

-El personaje es una prostituta que trabaja

y cría a su hijo sola.

Es una luchadora, yo creo que tiene...

Las características de una amazona, de una mujer valiente, emprendedora,

que lleva las cosas adelante,

más allá de la situación marginal que le toca vivir.

Xavier Legrand se estrena como director de largometrajes

con una historia sobre los malos tratos

que la polea cabeza y corazón.

Una película sensible y dolorosa

que utiliza algunos elementos formales del thriller

para desembocar literalmente en el terror.

Todo ello sin perder jamás de vista su vocación realista y social.

Hay un gran problema con cómo la prensa cuenta este tipo de hechos.

Siempre se habla de drama familiar, pesa la herencia del crimen pasional,

no tiene nada que ver con la realidad.

Creo que es hora de cambiar esto, porque mientras la prensa

no dé la importancia necesaria este tipo de fenómenos,

no vamos a cambiar nada.

Tras el largo título

de "Tras anuncios a las afueras de Ebbing, Misuri",

se esconde un original thriller que armoniza lo dramático y lo divertido

con la sorna sureña de los Cohen y el valor añadido

de un reparto sobresaliente

encabezado por Frances McDormand y Woody Harrelson.

No me atrevería a decir que es una comedia,

porque es una historia muy triste y oscura.

Pero no me gusta ir solo en una dirección,

hacer algo trágico sin más.

Supongo que si veo el mundo, un lugar lleno de luz y oscuridad.

(Música)

"Los perros" es una película que trata

sobre una mujer que está tratando de liberarse del mundo patriarcal

en el que ella subsiste, que navega en aguas oscuras

y que va a encontrar cariño, afecto y escucha

en la persona menos correcta que es un coronel

acusado de violación a los derechos del hombre.

-Éramos pareja. ¿Por qué quiere saber eso?

-Porque él podría haber sido tu papá.

Inaugurando la Sección Horizontes Latinos,

brilló con luz propia la producción chilena "Una mujer fantástica",

con la participación de RTVE.

Una historia de amor truncada con matices de thriller

protagonizada por la magnífica Daniela Vega,

en el que Sebastián Lelio, tras la estupenda "Gloria",

vuelve sobre la autoafirmación femenina

y explora los límites de la tolerancia social

desde una perspectiva y un tono diferentes.

Parte de una pregunta que es qué pasa

si la persona que amas muere en tus brazos

y tus brazos son el peor lugar del mundo

para que esa persona, en el que esa persona podría morir,

porque por alguna otra razón tú eres el o la indeseada.

-Vine a ayudar en la casa de una familia.

-Mis padres murieron en el terremoto cuando yo era chica.

-Y no tomo mate ni soy conversadora. Disculpe.

Tragicomedia sobre segundas oportunidades,

"La novia del desierto" es una de esas historias mínimas

que contiene el universo humano en su interior.

A ello contribuye el brillante trabajo de sus protagonistas,

Paulina García y Claudio Rissi

y la aparente sencillez de una "roadmovie"

que habla sobre la búsqueda de la felicidad,

o lo que es lo mismo, el lograr sentirse a gusto con uno mismo.

Hay una frase que nos inspiraba mucho al comienzo de la escritura

que era: "Solo atravesando el desierto podemos encontrarnos".

Ese es el espíritu.

-Además, porque hay algo que nos interesaba transmitir

que es esta cuestión de la esperanza más allá de la edad.

La solidaridad femenina adquiere carta de naturaleza

en títulos como "Le Semeur",

meritoria debut en la dirección de Marine Franssen.

Un relato de época ambientado en los tiempos de Luis Napoleón

en una aldea que se queda sin hombres,

arrestados por republicanos,

en el que las mujeres fabulan con la llegada de uno

al que compartirían entre todas.

Lo que constituye la especificidad

de una mujer en relación con un hombre,

cómo una mujer vive su deseo, su sexualidad,

es algo que traspasa el tiempo y no cambia.

Es igual en la Edad Media o hoy, en la época contemporánea también.

(Música)

Pues mi personaje, que se llama Malena,

es una médico que vive en Buenos Aires

y que una noche, no sabemos muy bien por qué,

emprende un viaje para algo que no sabemos muy bien

qué es y que vamos a descubrir que es la adopción de un bebé.

Es una mujer que huye hacia delante

de una manera bastante desbocada como un acto casi de supervivencia.

(Música)

(Reloj)

Preciosista en lo formal y conmovedora en el fondo,

los creadores de "Loreak" nos presentan al gigante de Also

como metáfora de una época en la que el nuevo mundo

va devorando al antiguo.

Pero por encima de todo, "Handia" es un cuento sobre el amor fraternal

y sobre la renuncia como expresión suprema de lealtad.

Nos parecía interesante cómo en ese momento

en el que la sociedad está cambiando imparablemente,

hay una persona que le ocurre lo mismo de forma física

y cómo, paradójicamente, él lo que quiere es parar ese cambio,

quiere mantenerse como era.

Hace tiempo que el cine español

se extiende más allá de las fronteras físicas

con la comprensible ambición de trascender los mercados.

En esa liga juega "La vida y nada más",

segundo largometraje del madrileño Antonio Méndez Esparza,

rodado en algún lugar de Florida con actores no profesionales

que encarnan a una madre y un hijo

en permanente riesgo de exclusión social.

Una atractiva propuesta de inspiración neorrealista

y emparentada con el cine independiente americano.

Esta idea, quizás, del primer espíritu neorrealista,

que huir de la historia y abrazar el presente

y que el presente de por sí fuera tan fascinante

que sostuviera una película.

-Tú puedes hablar en español las preguntas, yo las entiendo, pero...

(Música)

(Aplausos)

Hoy mismo, jueves, 28 de septiembre, se ha dado a conocer

la noticia del fallecimiento de Antonio Isasi-Isasmendi,

a los 90 años de edad.

Montador y guionista en los inicios de su carrera,

ya como productor y director, fue pionero en los 60

de un cine hecho en España que cruzaba fronteras.

Puso en marcha grandes producciones,

a menudo con actores internacionales,

como es el caso de "Las Vegas 500 millones",

"Estambul 65" y más tarde "Un verano para matar" y "El perro".

(Música)

Rescatamos una de sus últimas entrevistas

concedidas a "Días de cine" hace unos años,

en el marco del homenaje que le diera el Festival de Ibiza.

Conseguí cosas que son muy bonitas

y además no tengo ningún pudor en decirlas

que se estrenó en 40 cines en Nueva York a la vez,

que es un hito muy difícil, muy pocas películas nuestras lo han conseguido.

Nuestra compañera Eva Núñez, responsable de la entrevista,

nos obsequiará la próxima semana con un amplio reportaje

abordando su obra y su personalidad fílmica.

Desde aquí, nuestro emocionado recuerdo

a un cineastas clave en la historia de nuestra cinematografía.

(Música)

También se estrena esta semana el documental "El rey del rock&roll"

y no, no tiene nada que ver con Elvis.

Es la historia del proceso creativo que hay detrás de una canción

desde que se describe hasta que finalmente se graba,

pero también es la historia

de la materialización de un sueño o una pasión

en cualquier faceta de la vida.

(Música)

-Yo creo que un músico tiene que estar un poco tarado.

Elvis es el rey del rock&roll.

Y quien quiera hacerlo.

"El rey del rock&roll" es un documental didáctico.

La película, con una estructura lineal,

es una suerte de lección magistral sobre lo que ocurre

desde que se tiene la idea o, más concretamente,

desde la composición de un tema musical

hasta que se materializa en disco.

(Música)

Nos vinimos a una nave industrial.

Acondicionando un poco, montamos el equipo y empezamos a grabar.

El músico al que siga el documental por todo este camino

es Paul Zinnard y su tema "The King of Rock&Roll".

Voy a probar con otra guitarra a ver qué sale.

Normalmente funciona este método. -¿Qué mezclar?

A lo largo de todo el desarrollo creativo de grabar un disco,

gran variedad de profesionales que van de músicos a productores

pasando por técnicos,

aportan su punto de vista, sus reflexiones y sus experiencias

alrededor de aspectos como la creación,

la composición, la grabación

o la masterización de un disco de rock.

Ya está, lo tenemos.

"El rey del rock& roll" es originalmente

es un making off de Paul Zinnard de su disco "Clean-cut and rude"

lo que pasa que le hemos dado una vuelta

y lo hemos convertido en una investigación

sobre una manera de entender el arte y la vida

que es, para que lo pueda entender todo el mundo, el rock&roll.

-Qué complicada pregunta qué es eso del rock&roll.

Yo creo que es la palabra más evocadora que existe prácticamente.

-Hay géneros musicales que yo los vinculó directamente

al mundo del caos.

El principal, probablemente, es el rock&roll.

-La música del rock&roll tiene una mitología alucinante,

que a todo el mundo le resulta fascinante.

Quieras que no, aparte de lo puramente artístico,

hay un modo de vida es muy atractivo.

-A veces, cuando haces una canción,

no tienes por qué contar una gran historia,

solo pones unas palabras que suenen bien.

"El rey del rock&roll" se sitúa en el mismo camino que "Sound City".

Un documental que cuenta la historia del mítico estudio americano

a través de entrevistas y actuaciones

con figuras legendarias del rock que grabaron allí.

Un documental nostálgico de la grabación analógica

dirigido por David Grohl, exbatería de Nirvana

y líder de Foo Fighters.

(Música rock)

Y hace ahora casi 50 años que Jean-Luc Godard

se encerró en un estudio de grabación con los Rolling Stones

durante el proceso de composición de una canción legendaria.

Una película irregular, pero todo un documento antropológico.

"El rey del rock&roll" también sucede en un estudio.

Dirigido por Iván Muñiz, se trata de un documental

sobre la historia de una pasión,

la pasión por un tipo de música y por la épica de registrarla.

Es una pasión por crear, al final.

Concretamente, este documental es sobre la música,

pero podría tratar sobre la pintura o sobre la arquitectura,

la escritura o cualquier otro tipo de arte.

Es necesario tener pasión para hacer las cosas.

Como se dijo, es imprescindible abrazar el fracaso.

-¿En qué punto está el disco?

Muerto.

(Música)

La semana pasada, "Días de cine" preestrenaba "El rey del rock&roll"

y la próxima ya tenemos previstos dos nuevos eventos.

Señor, yo no tengo tiempo ni disposición para galanes argentinos.

El martes, 3 de octubre, tenéis oportunidad de ver

"El último traje", una película sobre amor, amistad y soledad

con un reparto envidiable:

Miguel Ángel Sola, Angela Molina y Natalia Verbeke,

que, por cierto, esta eran a las 21:30

en el Cine Paz de Madrid para presentarla.

El jueves 5, también en Madrid, el director Fernando Franco

y los actores Marian Álvarez y Andrés Gertrúdix

presentan la historia de una pareja que lucha por sobrevivir.

"Morir" se verá a partir de las 21:00 de la noche

en los Cines Golem.

Por menos de 10 000 pesetas, nada.

-¿Qué quieres que hagamos? ¿Que nos crucemos de brazos?

-Pero no te das cuenta de que se nos van dos años.

-Sí, Petrita, pero lo que hace falta es que nos sigamos queriendo.

-¿Para qué? Mejor dejarlo.

-Fue una escena de López Vázquez con Mary Carrillo

en "El pisito" de Marco Ferreri, no me acuerdo de qué año.

Están discutiendo porque no tienen un piso

y Mary Carrillo ya empieza a estar mayor

y López Vázquez es un hombre un poco pusilánime

y discuten horrible y medio rompen en medio de un terraplén

con un perro tullido que pasa por ahí.

La imagen es terrible.

López Vázquez se queda hundido en la calle madrileña

y se compra unos churros.

-¿Tú quieres que me casé con la vieja

y esperemos a que se muera? ¿Me caso y la mato?

-Lo último, lo último que tenía que oír.

Déjame, déjame, vete, no quiero verte más.

(Música)

Y esa mezcla de que uno está triste por dentro,

pero la vida sigue,

que somos como personajes franceses

llenos de una pesadumbre existencialista,

pero viviendo dentro de una película italiana,

donde nada fluye y todo es una catástrofe ridícula,

me gusta mucho porque define muy bien España,

ese tono de comedia triste o como espejo ridículo donde nos miramos

que yo creo que Ferreri lo captó muy bien.

Azcona es el maestro de eso.

López Vázquez yo creo que es, si fuera inglés, sería Gable.

Hay algo como en esa tristeza ridícula

que yo creo que nos define desde Cervantes hasta el 2025.

Somos como los futbolistas, ya renovamos el tono

para la próxima temporada.

-El piso, desde luego, es estupendo, fenómeno y menudo sitio.

-Sí, sí, todo lo que ustedes quieran,

pero no estamos en América.

-Si yo pienso como usted.

¿Verdad que no debo casarme con la vieja?

-Hombre, eso son cosas muy delicadas.

El matrimonio es algo muy serio.

-Fíate que cuando se habla de las cosas berlangianas

hay una especie de distancia como si no fuera real,

como si lo que establece Rafael Azcona,

Luis García Berlanga o Buñuel fue invento de unos señores

que han fantaseado con cómo somos.

Son los únicos que han mirado con honestidad lo que somos.

Yo soy de la tradición de Rafael Azcona,

pero no por admiración literaria, sino porque es el más honesto.

(Música)

Esta cumbre es importante para todo el mundo.

-¿Usted cree en el mal, presidente?

-El mal existe, señorita.

¿De qué estás hablando?

A juzgar por el boca a oreja y por la repercusión en redes,

"La llamada" va camino de convertirse

en todo un fenómeno también cinematográfico.

Después del éxito en el teatro, llega la película.

Los Javis ya están en San Sebastián para presentarla,

muy bien escoltados por todo ese repartazo

y esta noche serán los protagonistas en la gala de RTVE.

Me he parado a pensar

que tal vez esto es solo la llamada.

Participada por TVE, está llamada a ser un éxito, nunca mejor dicho.

Es como si toda las sinergias y el aprendizaje

de tantas y tantas representaciones

acabaran en este colofón que es "La llamada" la película.

Te como la cara, señor.

-¿Tú cantas? -Claro, cantamos las dos.

Su frescura, la fuerza de sus interpretaciones

y las canciones sabiamente insertadas

en la trama argumental

garantizan grandes momentos de emoción, humor y energía positiva.

Se van a quedar todo el fin de semana castigadas.

Encerradas aquí. -¡Señora!

-De señora nada, Sor Bernarda.

(Música)

Es nuestra primera película,

está basada en el musical que sigue hoy en día en cartel,

que lleva cuatro años en cartel, que se llama "La llamada" también.

Estrenamos en el Teatro Lara, sigue en el Teatro Lara en Madrid

y fue, el musical empezó de la nada,

con su sueldo de camarero y mis ahorros

pusimos un montaje muy pequeñito tenga el hall del Teatro Lara.

Rápidamente creció mucho, tuvo mucho éxito, muy buenas críticas,

ganamos bastantes premios, pasamos a la sala principal

y llevamos ahí cuatro años que está lleno completamente.

Entonces, el productor Enrique Lavigne

un día nos dijo: "Yo creo que esto es una película".

Se enamoró, se hizo un fan acérrimo de la obra de teatro

y se puso en marcha el plan de hacer la película de "La llamada".

-Se me está apareciendo un señor. -¿Tú te estás riendo de mí?

Ha venido la monjita nueva, le vamos a hacer un chucho,

lo colgamos y nos cachondeamos de ella.

Los padres de la criatura,

conocido en el mundillo de las bambalinas como Los Javis,

rescatan al completo el veterano reparto de la obra teatral

y obtienen un nuevo y espléndido registro

en su versión cinematográfica.

(Música)

¿Te cuento un secreto? Yo tuve un grupito de música.

Y ahí estamos, en el campamento de verano La Brújula,

regentado por monjas que se apuntan a un bombardeo.

En este caso, de vitalidad y buen rollo,

custodiando a las jóvenes en periodo de búsqueda.

Incluyendo al personaje central,

que experimenta una revelación declamada

en las canciones de Whitney Houston.

Las luces apagadas.

Conseguimos que mezclando voz en directo,

con unos arreglos muy sencillos y muy fuertes y muy poderosos,

creo que hemos conseguido que se transmita la fiesta

y que en la gente va a tener una sensación parecida

cuando íbamos a ver "Mamma mia"

que te va a dar ganas de repetir, que te va a dar ganas de bailar

y te va a dar ganas de vivir.

-Necesito urgentemente hablar con el papa.

Presente ahora mismo aquí, en España. ¿Oiga?

-El sentimiento religioso, las monjas, es una cosa muy española.

Siempre en nuestro cine millones de veces

millones de monjas bailando, es algo que estamos recuperando.

La monja bailando, la comedia costumbrista,

y le estamos aportando el toque moderno de electro latino.

(Música)

Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta, Gracia Olayo,

Richard Collins-Moore y el resto del reparto

hacen un trabajo espectacular.

He crecido, he cambiado,

he aprendido mucho de María Casado, que es como se llama mi personaje

y yo he hecho la función durante más de dos años,

la he hecho más de cien veces.

Entonces, al final,

es como la película más ensayada que eso nunca, ¿no?

Que se ha hecho en la historia, yo creo.

Lleva cuatro años la función.

Entonces, eso hace que el personaje tenga un montón de matices

y un nivel de comprensión mayor al que me podía imaginar.

-Nos dijo una cosa Almodóvar cuando vino a ver la película,

que le gustó por cierto,

casi me caigo al suelo desmayado.

Nos dijo que: "Tenéis mucha suerte con las actrices que tenéis.

Esta es una película que tú puedes escribir la locura que te dé la gana.

Es muy divertida. Muy emocionante.

Pero hay que tener unas actrices que sean capaces de defender eso

con verdad, con emoción, con cariño y con gracia".

Y esto es verdad. Y esta película es nuestras actrices.

Cuántas veces me he perdido.

Dentro de tus ojos me he vuelto a encontrar.

Uno de los momentos más recordados para algunos,

quizá por una cuestión generacional,

es cuando suena la preciosa canción de Presuntos Implicados

"Todas las flores".

Dentro de tus ojos me he vuelto a encontrar.

Y con tu mano yo me vuelvo a levantar.

Me han dicho que uno de los momentos más bonitos es, precisamente,

cuando suena "Todas las flores" y más emotivo también.

Realmente yo he visto la obra de teatro varias veces,

de hecho, he participado alguna vez con ellos,

y estoy deseando ver la película.

Espero que tenga la frescura la diversión, la locura,

que tiene la obra de teatro, ¿no?

Esa bocanada de aire fresco que han traído los Javis.

Estoy alegre. -¿Por qué estás alegre?

"La llamada" pasa a engrosar, pues, esa pequeña lista de películas

que suponen para el espectador un chute de optimismo

y de algo muy importante.

Reafirmarse sin demonizar al contrario.

Cristo un día me llamó. -A mí también me enamoró.

Y por eso alegre soy.

(Música)

Lo peor de un festival que en su programación tiene

más de 200 títulos es que, lógicamente,

no podemos llegar a todo,

pero lo bueno es que en todas las secciones

encontramos cosas especiales, Alberto.

Lo cierto es que lo más sorprendente, lo más atractivo,

está apareciendo en las secciones periféricas.

-Estamos viendo documentales que nos apasionan, nos divierten,

destellos de filmografías muy lejanas.

Y luego cambios de amor al cine que nos sobrecogen de emoción.

¿A qué esperamos?

Vamos a recuperar todos esos títulos especiales.

(Música)

Entre las curiosidades

y exquisiteces de esta edición número 65,

la retrospectiva y el libro dedicados a la figura

del director norteamericano Joseph Losey,

un clásico maldito que acertó a reinventarse en Europa,

después de ser perseguido y postergado por la caza de brujas.

Entre sus títulos más conocidos, "El niño del pelo verde",

"El merodeador" o "El forajido" en su primera etapa,

y "Sirviente", "Accidente" o "Mensajero",

que le convertirían en figura de referencia

del cine europeo de los 60 y 70.

(Francés)

Entre las joyas incontestables brilla Lumière.

Una colección de películas restauradas de los hermanos Lumière,

comentadas con inspirada exactitud nada menos que por Thierry Frémaux.

Flamante director del festival de Cannes

y del Instituto Lumière de Lion.

Quería desmontar algunas leyendas,

porque hay muchas leyendas sobre los Lumière.

Como que no creían en el futuro del cine.

Que no eran realmente inventores o que no eran verdaderos creadores.

Y sí que eran todo eso.

Mi padre es la persona que, aparentemente insensible, fría,

que no quiere hablar de recuerdos, ni de pasado ni de nada,

pero luego no es así.

Lo que pasa es que hay que conocerle y hay que entenderle.

El magnífico documental "Saura (S)"

describe la obra del cineasta,

desde una perspectiva humana y personal,

a través de conversaciones con sus hijos.

La película evolucionó y terminó siendo más una reflexión

sobre la paternidad, sobre el legado que pasamos a nuestros hijos,

donde yo también, efectivamente, yo tenía también que hablar.

Quién soy yo para retratar a uno cómo es alguien,

como director, como padre, quién soy yo.

Se convirtió eso en parte de la historia.

-Yo no entiendo. Si tú encuentras a tu madre muerta...

-Ya se la habían comido los pájaros, los bichos...

-Ya, pero si contratas una fosa para enterrarla en un cementerio,

¿cómo te quedas con huesos?

-Porque te apetece quedártelos.

De la imagen del padre ausente a la madre omnipresente

en el divertidísimo retrato de familia,

"Muchos hijos, un mono y un castillo",

con el que debuta en la dirección el habitualmente actor

Gustavo Salmerón.

He ido construyendo la historia según se iba rodando.

Me iba adaptando a lo que iba pasando.

No estaba preparado. Es decir, no había una puesta en escena.

Yo iba siguiendo los acontecimientos familiares.

Esto le da mucha verdad, mucha naturalidad.

Siempre he tenido claro que iba a ser una comedia.

Una comedia disparatada que trataba de muchos temas.

-Sobretodo, que era una comedia. -Era todo natural.

Siempre ha sido desde niño, siempre con su cámara de fotografías.

No le he dado ninguna importancia.

No he tenido pose de decir:

"Va a hacer una película". No.

Quizá ha sido mejor así. Mucho más natural.

Porque las cosas que digo, por favor.

Hay películas que necesitan

un repasado más lento para degustarlas en su plenitud.

Historias que crecen dentro del espectador,

haciéndole valorar aspectos que engrandecen el primer visionado.

Sin embargo, la italiana nos enamora desde el primer momento.

Y mientras en los márgenes del festival

conviven platos tan sabrosos como los mencionados,

observamos atónitos como en la sección oficial

encontramos títulos con manifiesta vocación comercial,

como la última apuesta de los creadores de "Intocable",

"C'est la vie".

Hemos querido ir más lejos en la comedia

y hablamos de un pequeño empresario

y su equipo durante una noche de bodas.

Y lo cierto es que ese terreno es propicio para la comedia,

para crear un ejército de personajes alrededor de un actor central.

Un jefe de orquesta que es Jean-Pierre Bacri.

Aún así, o precisamente por ello,

un Festival de Cine es un lugar ideal

para reflexionar sobre el arte que nació con los hermanos Lumière.

(Música)

A pesar de las palabras,

hay películas rebosantes de verdad.

En este caso, contaba con tener dos actores magníficos.

Marian y Andrés.

Ellos condensan mucho en su mirada, en su manera de moverse,

sin necesidad de tener que verbalizar lo que es ser enunciativo.

La apuesta de la peli es ir por ahí.

Centrarnos en su mirada, centrarnos en sus gestos, su movimiento.

A partir de ahí, intentar contar lo que les pasa a los personajes.

Como nos cuenta James Franco en "The Disaster Artist",

la historia de un genio del desastre

que vio cómo su torpeza llegó y egolatría engendraban un hito,

no basta con desearlo para llegar a ser un genio.

Vi "The Room", la película de Tommy Wiseau,

por primera vez hace pocos años.

Vi cómo la gente se entusiasmaba,

gritaba y tiraba cosas contra la pantalla.

Me di cuenta de que era un fenómeno y quise saber más.

De querer y no poder nos habla también Manuel Martín Cuenca

en "El autor".

Una historia sobre el proceso de creación

que parte de una novela de Javier Cercas.

Usted no cree que tenga talento, ¿no?

Claro, lo que yo pienso no tiene ninguna importancia.

-Vivir, mirar, escuchar.

-Creo que todos mis personajes tienen ese punto negro,

ese punto ambiguo, ese punto que dices...

Pero bueno, ¿este tío?

-Como cualquier creador.

Es obsesivo, lo que pasa es que hay un pequeño detalle.

Un pequeño problemilla.

Es capaz de llegar a límites insospechados

que yo creo que ni tú ni yo llegaríamos a esos límites.

El festival continúa y el mundo del cine,

fascinado por el glamur, sobre todo autóctono,

ha recibido con un punto de escepticismo

la buena noticia de la relativa bajada del IVA.

Del 21 al 10 %.

Intentando no recordar que hace no tanto el impuesto

era solo de un dígito.

En este San Sebastián en el que parece haber sitio para todo

hemos disfrutado de la presencia de grandes del cine.

Aunque algunos, capaces de lo mejor, también lo son de lo peor.

Cuando se dejan seducir por la grandilocuencia.

"Inmersión" está inspirada en hechos que podrían ser reales,

pero es una historia de ficción.

Por otro lado, me gusta fijar la mirada en gente real

y mostrar quiénes son, cómo son, lo que hacen.

Sus procesos de creación.

Por eso hice "Pina" o "La sal de la tierra".

En el polo opuesto,

Agnès Varda demuestra a sus 89 años que se puede ser parte fundamental

de la historia del cine sin perder por ello la humildad.

Sus películas engrandecen cualquier festival.

Yo hice mi primera película en el 54.

Cinco años antes de que naciera la nouvelle vague.

Por eso ni siquiera soy la abuela,

soy el dinosaurio.

Fue hace mucho tiempo.

Además, desgraciadamente,

todos aquellos que representaron la nouvelle vague,

Todos los que representaron el nuevo cine junto a Godard ya no están.

Solo queda Godard y no me habla.

Cada uno va por su lado.

Puede que le den un Donostia a él también.

(Música)

Después de su paso por la sección "Perlas" del festival,

llega a las salas lo nuevo

del cineasta norteamericano Darren Aronofsky.

Ya sabéis que es un tipo pintoresco. También transgresor.

Su cine es diferente a lo que hace el resto,

pero es que sus películas también son distintas.

No ha venido a San Sebastián, nos hemos quedado con las ganas.

Pero alguno de los alicientes de esta película son sus actores.

Tenemos a Javier Bardem, Jennifer Lawrence

y una esperadísima Michelle Pfeiffer.

Pasamos todo el tiempo aquí. Quiero convertirlo en un paraíso.

"madre!" con minúscula y admiración final,

La séptima película de Darren Aronofsky tiene un objetivo.

Impactar. Y lo consigue.

Provoca muchos y distintos sentimientos.

El director de "Cisne negro" nos presta su cinta más oscura

y probablemente, más provocativa.

Desconcertante y arriesgada,

podrían ser algunos objetivos para definirla.

Otros, crítica excesiva y claustrofóbica.

Los más críticos dirán que esta vacía y es pretenciosa.

Ella lo ha reconstruido todo. Hasta el último detalle.

La ha devuelto la vida hasta el último rincón.

-¿Eres feliz? -Te quiero.

Él es un escritor sumido en un bloqueo creativo.

Ella vive por él. Le idolatra.

Pero todo cambia con una visita inesperada

que amenaza su tranquila insistencia.

Hola. -Hola.

-Es un desconocido. ¿Vamos a dejar que duerma en nuestra casa?

-Hola. -Hola.

-¿Sabías que tenía una mujer? Tiene fotos tuyas en su equipaje.

-¿Qué hacías mirando en su equipaje?

Lo que al principio parece una historia de una pareja en crisis,

lo vuelve cada vez más extraño.

Qué quieren. Hasta el acto final.

Los últimos 30 minutos a los que se refiere la admiración del título

en los que se desata el caos y la situación

se convierte en una pesadilla.

Podéis quedaros aquí todo el tiempo que queráis.

Que Dios te ayude.

El guión de "madre!" nació de forma frenética,

en cinco días de encierro, solo, en una casa vacía.

La fuente de inspiración de Aronofsky,

lo que sucede en nuestro mundo.

¡Silencio!

Ensayó durante cuatro meses con sus actores.

Calcularon cada movimiento y descubrieron sus personajes.

Entonces la película se llamaba "Día seis".

Ahí empiezan las referencias bíblicas.

Una constante en su filmografía.

Impresionantes Ed Harris y Michelle Pfeifferr.

Javier Bardem es él y el único cuya inicial es mayúscula.

Ella, Jennifer Lawrence,

es la madre y la madre naturaleza.

Ella es la gran protagonista de la película.

Tened hijos. Así podéis crear algo juntos.

Es lo que mantiene un matrimonio.

Esto no es más que... El decorado.

Aronofsky resume la historia de la humanidad.

En cada capa de la película,

cada uno de nosotros puede encontrar algo distinto.

Habla de la creación y la destrucción.

El amor incondicional y el sacrificio.

Delego la vanidad, la fama y sus consecuencias.

Ha venido a verme a mí. -Estás loco.

Estás loco.

De religión, sobre cómo creamos a sus ídolos.

El poder destructor del ser humano.

Su egoísmo y la falta de respeto a la naturaleza.

¡Por favor!

Todo con una visión bastante desalentadora

a través de símbolos y metáforas,

muchas de ellas difíciles de interpretar.

-Solo intento traer vida a esta casa.

Abrid la puerta a gente nueva, ideas nuevas.

Usa elementos del cine de género para crear una atmósfera inquietante

y angustiosa.

En su primera parte, recuerda a "La semilla del diablo".

Por él. -Por él.

Como gran cinéfilo que es,

son muchas sus fuentes de inspiración.

Resulta difícil etiquetar su película.

Lo siento mucho. -¡Fuera de mi casa!

Darren Aronofsky consigue que algunas de sus imágenes

se queden grabadas en la retina.

Ya lo había hecho antes.

Su forma de rodar es muy personal.

Prescinde además de la música,

y el uso del sonido es más sobrecogedor.

Una vez más, su particular manera de hacer cine

no nos deja indiferentes.

Les das más, más y más.

Pero nunca es suficiente.

(Música)

Además de recoger el primer Premio Donostia

que se concede a un actor sudamericano,

Ricardo Darín ha presentado en San Sebastián "La cordillera",

su nueva película en la que interpreta

nada menos que al presidente de Argentina.

Con su tercer largometraje,

Santiago Mitre se consolida como uno de los directores

con más talento y más interesantes del panorama actual.

(Música)

Santiago Mitre es un brillante ejemplo

del continua relevo generacional que vive el cine latinoamericano,

y en particular, el argentino.

Señor presidente, bienvenido a Chile. -Muchas gracias, querida Paula.

Tras una fructífera etapa como guionista de Pablo Trapero,

Mitre se ha mantenido fiel como director

a un cine de textura realista.

Aspira a reflejar la coyuntura sociopolítica de su país

y así enriquecer el diálogo social.

¿Quién sabe cuál es el sistema político en el que vivimos?

¿Nadie? ¿Ni una pista?

Ya sus dos películas anteriores eran retratos

de personajes definidos por su conciencia política.

"El estudiante" trazaba el itinerario

de un aprendizaje político desde las aulas universitarias.

Hay que decírselo a todo el mundo.

-No importa lo que digas. ¿Por qué te van a creer?

-¿Por qué? Porque es verdad.

-Flaco, esto es política.

"Paulina" seguía los pasos de una joven abogada con conciencia social,

que tropieza con la violenta realidad de la calle.

Necesito que me dejes hacer las cosas a mi manera.

-¿A tu manera?

En "La cordillera",

Mitre viaja directamente al corazón del poder.

La mano arriba, presidentes.

Nada menos que una cumbre de jefes de Estado latinoamericanos,

cerrando así una peculiar trilogía sobre el ejercicio de la política.

Queríamos trabajar una película que retratase,

por un lado, las bambalinas de una cumbre política,

y de una reunión de mandatarios.

-¿Te acordás? -Nada.

Ramiro, lo conociste en Cartagena.

Era secretario de Comercio Exterior.

Fueron al tenis, ¿de eso te acordás?

-¿Quién ganó?

Los ciudadanos comunes no tenemos acceso a estas reuniones

fuera de programación.

Cuando están mano a mano con otro alto funcionario.

Es una gran fantasía imaginar qué ocurrirá ahí.

-Señor presidente.

Es un honor conocerlo.

-Y mostrar un poco cómo es el detrás de la escena

de esas pequeñas o grandes disputas de poder

y construcción de intenciones políticas,

pero por otro lado, inmiscuirnos con la intimidad del presidente

a través del personaje de la hija.

-Hola. -Hola.

-Gracias por venir. -Todo bien.

-Pensábamos mucho cómo hacer hijo del poder, hijo del poderoso.

Y un político...

De las múltiples formas de poder.

Y cómo es el personaje de ella.

Cómo asume ese poder heredado que no le pertenece.

-Yo no formo parte de este gobierno.

Tengo una relación familiar.

¿A alguien no le queda claro eso? -Está clarísimo. Clarísimo.

Todo sucede a puerta cerrada en un solitario hotel de montaña.

En medio de los andes chilenos.

Que como, en "El resplandor",

es mucho más que un hotel.

Una sugerente metáfora sobre el ejercicio del poder.

Es también un paisaje mental. El de su protagonista.

Hernán Blanco.

El sueño de presidente argentino que,

bajo su apariencia de hombre corriente,

esconde un turbio pasado.

Estuvimos muy atentos con Santiago Mitre, el director.

Su cine es así.

El personaje no muestra todas sus cartas.

Que fuera un personaje controlado, medido.

Cuidadoso.

-¿Cree usted en la existencia del bien y del mal?

¿Usted piensa que si no creyera en la existencia del bien y del mal

podría dedicarme a la política?

-Mi personaje quería inspirarse un poquito en Oriana Fallaci.

Es una periodista a la que siempre he admirado profundamente.

Me apetecía mucho ser como esa pequeña periodista entrometida,

que se encarga de meter un poco el dedo en la llaga.

-Esto sumado a una historia personal que va a vivir con su propia hija,

convierte todo el evento en una cuestión muy extraña

que empieza a cambiar de color y tono por la mitad de la película.

¿Cómo que la ve bien? No reacciona. No habla.

Y así,

lo que empieza siendo un agudo thriller político

que avanza por los pasillos y suites del hotel

con precisión "polanskiana",

deriva a mitad de la película

en una trama de suspense "hitchcocktiano"

que bordea lo esotérico

y puede descolocar a más de un espectador.

Aún así, "La cordillera" deslumbra por su sofisticada puesta en escena.

El clasicismo de su planificación y la excelencia de un reparto

en el que Ricardo Darín brilla como la auténtica estrella que es.

El mal existe, señorita Klein.

No se llega a presidente si uno no lo ha visto un par de veces, al menos.

-Está siendo utilizados de manera política.

-¿Qué queréis, que apoyamos una toma violenta?

-Yo no digo eso.

Lo que digo es que nos tenemos que involucrar cada vez más.

-Pero es que no somos políticos, Julián.

-En una situación como esta no podemos ser solamente sacerdotes.

(Gritos, sirenas)

Veíamos a Ricardo Darín metido en la piel de presidente

de Argentina en "La cordillera",

y también como cura en "Elefante blanco".

Son solo dos de las mil caras que el actor argentino

nos ha ofrecido en el cine a lo largo de todos estos años

y así nos queremos despedir.

Celebrando este Premio Donostia.

Comentándoos que la semana que viene volverá a estar con nosotros

con una maravillosa declaración de amor al cine.

Os esperamos dentro de siete días.

Pero ya será desde Madrid. Hasta entonces.

Si tan bueno sos, podés conseguir cualquier cosa

que te propongas.

-¿Lo que sea?

Mi nombre es...

El día que me quieras...

Solo quiero hacer algo bueno. Quiero ser alguien.

Estoy describiendo una realidad. ¿Donde está la violencia?

Este no sabe lo que es el amor de este tipo.

No me toques.

No me conocen. No me conocen.

Estoy empezando a enojarme. Saca las manos de encima.

(Música créditos)

  • Días de cine - 28/09/17

Días de cine - 28/09/17

28 sep 2017

Días de cine’, presentado por Elena S. Sánchez, no se pierde el Festival de San Sebastián. Desde allí repasará lo mejor de esta edición, donde se presentan, además, títulos que se estrenan en los cines esta semana.
Del Premio Donostia Ricardo Darín llega a la cartelera española ‘La cordillera’, un drama político de Santiago Mitre; y de Javier Ambrossi y Javier Calvo, ‘La llamada’, película participada por RTVE que se presentará este jueves en San Sebastián, y protagonizada por Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta y Gracia Olayo.
También presentadas en el certamen llegan a las salas ‘Mother’, de Darren Aronofsky, un thriller psicológico con Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Michelle Pfeiffer, y Ed Harris; y ‘Operación Concha’, de Antonio Cuadri, con Jordi Mollà y Karra Elejalde, una comedia ambientada, precisamente, en el Festival de San Sebastián. Además, el documental ‘Converso’, de David Arratibel.

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