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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 25/05/17 - ver ahora
Transcripción completa

Bienvenidos, Cannes va a ser el gran protagonista hoy en "Días de cine",

sin olvidar que un grande, Tavernier,

nos trae las películas de su vida, que vuelve Jack Sparrow

y que nos ha dejado Roger Moore. Comenzamos.

(Música)

Vuelve "Piratas del Caribe" en una quinta entrega,

esta vez con Javier Bardem.

(Música)

Todo sobre los 70 años de un festival eternamente joven

sin presencia española.

(Música)

Un recorrido emocional antes que cinematográfico

por las películas de su vida para Bertrand Tavernier.

(Música)

Si efectivamente, como dice Tavernier,

la cultura es un salvavidas, esperamos que "Días de cine"

haya salvado muchas vidas a lo largo de estos 25 años.

El cineasta francés estrena

el documental "Las películas de mi vida",

que es mucho más de una lección de cine para cinéfilos.

Es una declaración de amor apasionada, desbordante,

y, lo más importante, contagiosa.

(Música)

He hecho esta película porque necesitaba dar testimonio

de mi admiración hacia personas que me han dado

una felicidad inimaginable.

Desde mi adolescencia, he experimentado grandes emociones,

como cuando descubrí la gran ilusión.

Emociones que nunca he olvidado.

Emociones que me nutrían, me reconfortaban

y me permitían olvidar cosas que estaba viviendo.

Y, por eso, en un momento dado, tuve ganas de dar las gracias.

Hay cineastas, guionistas, actores, compositores de bandas sonoras

que iluminaron mi vida.

Siguen iluminándola.

Quizás incluso me emociona más desde que yo soy director de cine.

Mi admiración ha aumentado desde entonces.

Yo quería hablar, no como un crítico, un universitario o un historiador,

sino, en primer lugar, como alguien que recuerda su juventud

y también como cineasta.

Uno de los directores que más me ha emocionado

es el que más influencia ha tenido sobre mí.

Ha sido Jacques Becker.

Creo que en sus películas me han marcado para siempre

por su manera de establecer las prioridades en la película

y de hacer que tengamos la impresión de que son los personajes

los que describen el guión.

La primera obra cinematográficas que me había marcado

la había dirigido Jacques Becker. Se trataba de "Dernier Atout".

La película que tanto me había impresionado

era obra de uno de los mejores cineastas franceses,

alguien a quien yo luego adoraría.

Y también lo que me emociona de Becker

es la noción que definió George Orwell

de la decencia ordinaria.

Becker, como algunas películas de John Ford, Clint Eastwood,

como la última que visto suya "Sully",

son películas que muestran esta decencia ordinaria.

Es decir, esas cualidades que consisten en tener en cuenta

a la colectividad, la historia, las raíces.

Que piensan que se puede dar sin esperar recibir nada,

que la ayuda debe ser es evidente, sin necesidad de proclamarla.

Nadie ha descrito mejor esos cines de barrio que Moule

en una divertida, ingeniosa y mordaz película.

Son cualidades que Orwell encontró en los anarquistas españoles

durante la guerra civil.

Él pensaba que estaban más presentes en las clases populares

que en las clases pudientes.

Según él, no se podía hacer un verdadero partido de izquierdas

sin esta decencia ordinaria y tenía toda la razón.

A mí me parece que Becker es el cineasta de la decencia ordinaria.

"Este hombre es peligroso" la dirigió Jean Sacha,

a quien conocí bien y a quien quise mucho.

Lo que me nutre también es la manera en la que Renoir

rueda ciertas escenas, dando la impresión de que son improvisadas,

cuando en realidad no lo son.

De las películas de la vida de Tavernier

pasamos a dos títulos de cinematografías muy distintas.

Desde Alemania nos llega "Paula", es el biopic

sobre la corta pero intensa vida de la pintora Paula Modersohn-Becker

y muy diferentes son los protagonistas

de "Nagasaki, recuerdo de mi hijo", película japonesa

que nos habla del dolor por la pérdida

y de los fantasmas de la guerra.

El 9 de agosto de 1945 moría al instante.

Al veterano cineasta japonés Yôji Yamada

le conocimos hace unos años

por su remake del clásico de Yasujiro Ozu "Cuentos de Tokio",

titulado "Una familia de Tokio".

Más recientemente llegaría a nuestras pantallas

"Maravillosa familia de Tokio".

El entorno familiar es, pues, su ámbito predilecto

y la mirada con la que desgrana las relaciones de sus integrantes

tiene muchos del universo del maestro Ozu.

Imposible, jamás la aceptaré.

Aquí, en "Nagasaki, recuerdos de mi hijo",

nos desplazamos al tiempo de la posguerra,

donde una madre recuerda a su hijo fallecido

al caer la bomba que lanzó el ejército norteamericano

en la Segunda Guerra Mundial.

Yo no tuve tiempo de despedirme de nadie.

Un día, tras volver del cementerio,

Nobuko se encuentra en casa a su hijo,

venido del más allá para terminar de completar el duelo de su pérdida.

Donde también tiene cabida

su prometida y ex futura nuera de su madre.

Cuando se lo he dicho a Machiko delante de tu tumba,

me ha contestado que le parecía bien. Se le caían las lágrimas.

Si todavía estuvieras vivo, ahora estaríais casados.

En esas conversaciones impregnadas de sabiduría oriental,

afloran la aceptación y la reconciliación

como única forma de avanzar hacia el devenir.

Para ello, el film deja claro que para hacer eso

es necesario volver al pasado.

Yo lo que quiero es que Machiko sea feliz

y confío en lo que tú me digas.

-Me alegro mucho de escuchar eso. Eres un buen hijo, Koji.

Cine pequeño por su modestia y sencillez

y grande por su alcance.

Cine entrañable con en el que simpatizamos

por cercanía con sus personajes.

No quiero despedirme.

Por favor, no me diga esto, precisamente en su habitación.

(LLORA)

-Perdóname.

Aunque poco conocida fuera de Alemania,

Paula Modersohn-Becker fue una de las precursoras del expresionismo,

una joven valiente que se enfrentó a todo y a todos

por conseguir su sueño de convertirse en artista.

Cuando leí el guion, conocía a Paula y a su obra,

pero no sabía lo especial, descorazonadora,

maravillosa y trágica que era la historia de su vida.

Me intrigaba el radicalismo de una mujer tan joven.

Empezó a pintar con 20 años y trabajó poco más de 10.

Se enfrentó con coraje a un mundo que estaba en su contra.

"Paula" no solo es una película histórica,

es la historia de dos personas que intentaron vivir su vida

como seres individuales.

Artistas e intentaron ser una familia.

Se enfrentaron de manera muy moderna a los problemas para conciliar.

Algo que aún hoy nos cuesta gestionar.

Les costó, pelearon, pero la manera en que se enfrentaron a sus problemas

me parece única y definitiva.

Todavía es muy difícil para las mujeres

llegar a lo más alto en algunos ámbitos.

Atrapada es un matrimonio con el también pintor Otto Modersohn,

perdida y encorsetada en la colonia de artistas en las que vivía,

decidió marcharse para ser feliz.

Investigué mucho sobre todos los personajes y la época,

pero procuré hacer mi propia interpretación de este mundo.

La película no es 100 % realista ni naturalista,

hay algo un poco poético y la actuación

estás 2 mm por encima de la realidad.

Esto es algo que aprendí de Fellini, el dejar un tono poético.

Aunque hablemos de tiempos difíciles, da más espacio

al drama de los personajes, en lugar de tener el drama en cada plano.

Nuestra película es más romántica, la imagen es más impresionista.

A ella le interesaban las caras, las cosas imperfectas,

así que decidimos contrastar su forma de mirar

y crear un ambiente de imagen más perfecta y luminosa

para resaltar lo extraño, curioso y novedoso que era su arte.

"Paula" resulta interesante para descubrir

a una mujer y una pintora que luchó por ser libre,

pero la película se queda en un biopic un poco largo

que no profundiza lo suficiente en ella, su mundo y su época.

Del dolor y de la guerra, pero también del perdón,

de la memoria y del amor trata el documental "Pizarro",

que preestrenábamos esta semana con un éxito total

en Casa América, pero que anteriormente se alzó

con el Colón de Oro

en del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva.

(Música)

Por respeto al pueblo.

Carlos Pizarro León Gómez fue el máximo comandante

del grupo guerrillero colombiano Movimiento 19 de Abril,

conocido popularmente como M19.

Un grupo revolucionario que conmocionó Colombia

entre 1974 y 1990.

Movimiento heterodoxo que tenía como objetivo primordial

instaurar una verdadera democracia en Colombia

y que después de su desintegración se convirtió en partido político.

El M19 hace dejación de la última arma

por la paz y la dignidad de Colombia.

-Yo ahora los considero como unos artistas conceptuales,

unos artistas que estaban muy enfocados

en la comunicación, en el golpe, en el golpe mediático, sobre todo.

(Música)

Yo nunca quise hacer un biopic,

me interesaba muchísimo el M19,

pero nunca era la intención real, porque creo

que el cine debe pasar por las emociones,

mas no por la información.

Que el cine no debe ser racional, sino emotivo.

-Yo lo primero que pedí fue que fuese un sueño muy, muy largo.

(Música)

Para poder hablar.

O que le preguntaría, que le diría

es que me contara su vida de pe a pa.

Quiero que me contara su vida.

"Pizarro" que es un documental que no pretende contar la historia

del líder revolucionario,

se trata más bien de una reflexión

sobre la carga de la herencia familiar

en la figura de María Josefa Pizarro,

hija del comandante revolucionario.

Fue un proceso que yo construí para encontrar unas respuestas

y, de alguna manera, hacer una catarsis en mi alma,

de alguna manera caminar sin ese dolor que te impide,

que te impide andar.

Yo me acuerdo que yo miraba el mapa y decía:

"Estoy demasiado cerca, tengo que irme más lejos".

Hoy, diez años después, sigo en el mismo viaje.

De alguna manera, he logrado encontrar respuestas,

he logrado entregarle al país un hombre,

que yo creo que es importantísimo que haga parte de la realidad.

Plantea una reflexiones frente al proceso de paz

que estamos viviendo hoy.

Carlos Pizarro es una figura icónica de la guerrilla colombiana

asesinado en abril de 1990,

cuando era candidato a presidente de Colombia.

Ahora, más de 20 años después, su hija vuelve a su memoria

para entender las causas que llevaron a su asesinato

y para recuperar un capítulo olvidado de la historia de Colombia.

Era el lugar o la manera en que comenzó toda la película,

encontrando a María como un arquetipo del hoy

para poder contar toda esa historia política en el pasado.

-¿Usted tiene miedo de que lo maten en este proceso?

-Yo sí que tengo el riesgo de que me maten.

Pero yo tengo más miedo a fracasar en este empeño de construir la paz

que morirme como individuo.

A través de imágenes inéditas del comandante revolucionario,

recreaciones y el testimonio de sus protagonistas vivos,

el director colombiano Simón Hernández

lleva a cabo una reflexión sobre la historia

del conflicto armado colombiano

y la necesidad de una reconciliación nacional.

Un trabajo que obtuvo el Colón de Oro

en el Festival de Cine Americano de Huelva.

En "Días de cine" no podíamos olvidarnos de Roger Moore,

que fallecía el pasado martes los 89 años de edad,

víctima de cáncer.

Le disputó a Sean Connery el título del mejor James Bond,

entre los incondicionales,

siendo él quien más veces se metió en la piel del agente 007.

Pues sí, siete veces siete, o lo que es lo mismo,

siete veces fueron las que Roger Moore

interpretó a James Bond, el agente 007.

El actor que más veces lo hizo.

Y otra media si tenemos en cuenta su falsete en 1964 en televisión.

Puede que en la memoria permanezca Sean Connery como el favorito,

pero, sin duda, Roger Moore fue el que tuvo la sonrisa más socarrona,

con permiso de Pierce Brosnan

y, desde luego, el que consiguió un registro más autoparódico.

Desde su debut en 1973 en la franquicia "Convive y deja morir"

hasta "Panorama para matar" en 1985.

Rostro familiar durante los años 60 gracias a su personaje

en la serie "El santo", que interpretó entre 1962 y 1969.

Los archivos data en su primera aparición en la pantalla

en 1945, en la película "Perfect Strangers".

Además, pudimos verle en títulos como "Lobos marinos",

"Patos salvajes" o "Evasión en la Atenea",

películas con un cierto aroma clásico

como fuera de su tiempo.

Tiempo antes de acompañar a las Spice Girls

en "Spice World"

y de despedirse de la pantalla en 2011

con "Una princesa por Navidad".

Evocando a aquella mítica canción de su debut en la saga Bond

despedimos a Roger Moore.

Ahí estábamos viendo nuestro recuerdo a Roger Moore,

un hombre de cine que comenzó en televisión

y tenemos también que hablar de un hombre de televisión,

un gurú de la televisión que ha estado aquí.

Un auténtico gurú de la televisión que estuvo la semana pasada

dando una clase magistral, Terence Winter,

que le entrevistamos, daremos la entrevista en unas semanas.

Creador de "Boardwalk Empire", guionista de "Los Soprano".

Un hombre muy sabio y, además, muy humilde.

También había otra película que me recomendaste hace tiempo

y que estaría bien recomendar que es "Z, la ciudad pérdida",

pero no he podido verla todavía.

Una película de James Gray, que es el director

de la maravillosa "Two Lovers".

Es una película con aroma clásico, que no antiguo,

pero que recrea el espíritu de aventura y de descubrimiento

como hacía mucho que yo no veía ni en el cine ni en la literatura.

Esta semana no podemos hablar de preestreno,

tenemos que hablar de minipreestreno. Solo 10.

Un minipreestreno porque son películas muy pequeñas,

pero es una película curiosa y bonita, un indi español mallorquín.

Se llama "Bittersweet Days" y solo tenemos 10 invitaciones.

Será en los Cines Verdi el día 31 a las 22:15 de la noche.

Que la gente se anime, que solo hay diez.

Yo creo que a estas horas ya las 10 ya están dadas,

porque seguro que alguien habrá estado con la tecla más rápido.

Aquí, en Cineteca, los Lunes al Cine. "Viridiana".

Yo me atrevería a decir que para mí,

mi película preferida del cine español

y la única Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Exactamente, por eso es por lo que se pone aquí, en Cineteca el lunes.

Además, es gratis, con lo cual nos lo tomamos

como el preestreno de "Días de cine".

Que vengan, que es gratis.

La actividad cultural aquí, en Cineteca, no cesa.

Tenemos el Festival Rizona estos días también.

El Festival Rizona es un festival que no solo es de cine,

también es de danza y de música

y se celebra aquí por tercer año.

También en la Filmoteca Nacional y ya pudimos estar con David Lynch

hace tres años en la primera edición que tuvo lugar en Madrid.

Es muy interesante siempre.

Qué interesante también Filmadrid.

Filmadrid es un festival por el que apostamos en "Días de cine"

cuando empezó, seguimos apostando, el programa da un premio,

lo cubre estupendamente Raúl, habitualmente,

y este año volvemos con ellos, se presentó la semana pasada

y será el mes de junio.

En Coruña, el Festival S8, que es un festival de vanguardia,

que tiene una peculiaridad, que las películas que exhibe...

Se exhiben en sus formatos originales que son Super8 16mm,

plenamente analógico y con proyección.

Además, se va a empezar con la proyección

con un orquestra acompañando a "Fausto" de Monargo,

restaurado por Luciano de Berriatua.

David Lynch, siempre es noticia David Lynch.

Ahora que estamos hablando de Cannes, también.

"El hombre de otro lugar".

Mira lo que pone ahí.

"Por fin un libro sobre David Lynch comprensible, ameno

y verdaderamente esclarecedor". Por fin.

Por fin, y a ver si no se esclarece lo de "Twin Peaks".

Ahora ha vuelto 25 años después,

dicen que es lo mejor de la ficción televisiva de este 2017.

Se han podido ver en Cannes los dos primeros capítulos

y yo, desde luego, lo voy a ver.

Vamos a seguir en Cannes, Gerardo, porque ya sabes

toda la polémica que se ha despertado con Netflix,

con los defensores de esa manera de exhibir las películas,

con los que prefieren que sea en la pantalla grande,

como toda la vida.

Vamos a hablar de esas incidencias que se están viviendo en el festival

y también de los grandes títulos que ya han podido ver

nuestros compañeros Alberto Bermejo y Santi Tabernero,

dos auténticos privilegiados que nos traen este reportaje.

(Música)

(Canción en francés)

Seguimos en la ciudad de Cannes, capital mundial del cine,

tomada estos días por las Fuerzas de Seguridad francesas

ante el fundado riesgo de atentados terroristas

que ha convertido ir al cine en un agotador ejercicio de paciencia

para los más de 3000 periodistas acreditados,

que somos cacheados y sometidos al arco de detector de metales

antes de que empiece la película.

(Canción en inglés)

Por lo demás, la alfombra roja sigue siendo roja,

y el glamur cotiza al alza en esta hoguera de vanidades

a prueba de bomba.

Muchas eran las expectativas

ante una Sección Oficial rebosante de grandes nombres.

La mayoría, hijos predilectos de este festival clientelista,

que puede seguir presumiendo de marcar el compás del cine de autor.

Más de uno ha salido caneado en una edición con escasos hallazgos.

Aunque también estamos viendo buenas películas,

cine perdurable, que seguiremos recordando cuando el festival

eche el telón. Por ellas comenzamos.

(Música)

El oído y la imaginación son las herramientas de las personas

que no ven o han perdido la vista.

Naomi Kawase vuelve a Cannes por la puerta grande

en su línea de observar algunos aspectos terribles de la realidad

con una sensibilidad conmovedora.

En este caso, a través de las relación

entre una mujer joven,

redactora de los relatos que permiten a los invidentes

seguir las películas,

y un fotógrafo que se ha quedado ciego.

Una historia romántica en primer término

y mucho más interesante, una gran reflexión sobre el cine mismo

como un sugerente curso de análisis fílmico.

Parece que el sida fuera una pandemia analógica del siglo pasado,

pero sigue tan vigente como los perjuicios morales

asociados a ella.

Robin Campillo nos lo recuerda volviendo a sus orígenes

y a los movimientos activistas que surgieron en todo el mundo

para visibilizar la enfermedad.

Como el ACT-UP de París y su lucha contra el gobierno de Mitterrand

y las farmacéuticas, exigiendo soluciones.

Campillo maneja con maestría la dinámica asamblearia

y el retrato íntimo de los personajes.

La información y los sentimientos.

El resultado de 120 latidos por segundo,

una de las películas más dolorosas de la Sección Oficial

y firme aspirante a la Palma de Oro.

(GRITAN)

-Me apetecía hacer una película sobre el sida,

sobre los orígenes del sida, pero no encontraba cómo.

Casi todo lo que se me ocurría era bastante mórbido, triste, etc.,

hasta que encontré a ACT-UP y me di cuenta

que todo debía generar en torno al grupo,

al poder de los grupo, a su alegría, a su fuerza.

(Música)

Haneke ha vuelto a Cannes buscando su segunda Palma de Oro.

Otro año, quizás.

Su "Happy End" no es, desde luego, una comedia,

sino una seca historia de familia burguesa

en vías de descomposición,

que puede recordar por momentos al Saura de los primeros años 70

y puntualmente a "Viridiana".

La familia es un espejo de la sociedad.

Como la sociedad está en crisis, la familia, por tanto,

también está en crisis.

Una película incómoda, eso no es novedad,

algo desenfocada en su primera parte,

que acaba confrontarnos a esa zona oscura

que habita en cada uno de nosotros,

de relatividad moral y desmoronamiento,

de malévolo hartazgo existencial,

tan reconocible en la obra del autor de "La cinta blanca".

(Música)

En una Sección Oficial abonada al drama,

una comedia sabe a gloria bendita,

aunque sea tan negra y maloliente como una fosa séptica.

Así es la sueca "The Square", brillante, despiadada alegoría

sobre nuestra sociedad del bienestar

construida a golpe de indiferencia y perjuicio hacia los demás.

Ruben Ostlund no deja títere con cabeza.

El filantropismo, Internet, los medios de comunicación

o el mercado del arte contemporáneo,

pero el destinatario último de sus dardos

es el espectador, al que obliga a revisar

su catadura moral a golpe de carcajada.

No es de extrañar que algunos críticos saluden a Ostlund

como un Haneke con sentido del humor.

Creo que el humor más trivial

está presente en cualquier situación de la vida.

Adoro a Michael Haneke, pero creo que su cine sería más realista

si también reflejara esas trivialidades.

Él no necesita hacerlo, pero yo sí quiero.

(Canción en inglés)

Fuera de concurso, por encima de etiquetas,

como parte viva de la historia del cine y de Cannes,

se ha presentado "Visage Village",

el nuevo trabajo de la legendaria Agnès Varda,

que a sus 88 años se ha aliado con el fotógrafo JR

y juntos se han echado los caminos a bordo de un fotomatón sobre ruedas

buscando gentes e historias

y empapelando con fotos de gran formato

las fachadas de las casas y los lugares de trabajo o conflicto

de sus personajes.

(Música)

Queríamos encontrar gente normal, nada especial,

pero enseguida nos dimos cuenta de que todos somos especiales

y eso me encantó.

Charles Baudelaire elaboró su poética de la crueldad

como respuesta a la crueldad del mundo

y al optimismo superficial del arte mayoritario.

Suyo es el verso "Yo soy la herida y el cuchillo",

que define con precisión el cine alegórico

del griego Yorgos Lanthimos y su nueva película,

"El sacrificio del ciervo sagrado",

inspirada en la "Ifigenia" de Eurípides.

No tengo una teoría sobre por qué y cómo hago las cosas,

sino que reacciono de forma instintiva.

En mi cabeza siempre noto la afinidad con otros artistas similares,

que han explorado esa poética de la crueldad.

El resultado es una película irrespirable, malsana

e irresistible como la manzana envenenada del cuento,

que ha provocado deserciones de críticos

en el pase de prensa.

Lo que nadie podrá negar es que se trata de un cineasta superdotado.

El diseño sonoro como sinfonía oscura,

las lentes angulares que atrapan a sus personajes en su entorno,

los suntuosos movimientos de cámara construyen un cine poderoso,

percutante, servido con austeridad por un casting perfecto

encabezado por Colin Farrell y Nicole Kidman.

(Aplausos)

Laurent Cantet, ganador de una Palma de Oro con "La clase",

vuelve a Cannes con "L'Atelier",

proyectando su mirada sobre un grupo de jóvenes que se apuntan

a un taller de escritura impartido por una conocida novelista.

La relación entre compleja y gamberra de unos con otros,

en especial, de uno de ellos con la escritora,

materializa el espíritu de un proyecto ambicioso,

pese a su apariencia, que habla sobre el proceso de creación,

de confrontar el pasado con el presente

y de intentar entender los comportamientos y los sentimientos

más enigmáticos.

Lo que me interesaba era estudiar a esa generación

a través de ese espacio de reflexión que constituye

el taller de escritura.

Mucho ha cambiado el estatus de la mujer

en este mundo inventado a golpe de testosterona por el hombre blanco

desde que Don Siegel dirigiera en 1971 una de sus mejores películas,

"El seductor", en la que Clint Eastwood

encarnaba a un soldado malherido rescatado por una adolescente

de una escuela de señoritas instalada en mitad de la nada

durante la Guerra Civil americana.

Sofia Coppola recupera el clásico de Siegel

para firmar un fiel remake que podría titularse "Adiós al macho".

Lo que le espera al soldado malherido que aterriza

en este nido de mujeres, como zorro en gallinero,

es un delicioso ajuste de cuentas.

Creí que sería interesante contar la historia de este hombre

aterrizando en un mundo de mujeres.

Pero esta vez, desde el punto de vista de ellas.

Nunca he visto películas ambientadas en la guerra

que cuenten qué pasa con las mujeres que se quedan atrás.

Me pareció que había llegado el momento.

Rodada con exquisito clasicismo por Sofia Coppola.

Con una fotografía exuberante de Philippe Le Sourd,

que confiere a la película un irresistible tono favorezco,

la solución es también un fascinante recital interpretativo

que reúne por segunda vez en este festival

a Colin Farrell y Nicole Kidman,

y nos recuerda por qué queremos tanto a Kirsten Dunst.

Firme candidata al premio gordo del palmarés.

(Música)

(Aplausos)

Estos días, viendo las películas de la sección oficial,

no se me quita de la cabeza Will Smith.

Miembro del jurado y representante del cine americano

y su trepidante sentido del ritmo cinematográfico.

¿Qué pensará viendo algunas películas plomo

como la coreana de Hong Sang-soo, la francesa de "Rodin"

o como la de Michael Haneke.

¿Qué pensará Will Smith de Michael Haneke

y de muchas películas que ha podido ver estos días

en el festival de Cannes?

-Pensará como en Asterix.

Estos galos están locos, ¿no?

Enseguida volvemos a Cannes.

Antes os vamos a hablar de tres maneras muy distintas

de practicar el humor.

Desde la farsa que nos ofrece la película italiana "Las confesiones",

hasta la comedia romántica que llega desde Argentina,

"Me casé con un boludo",

pasando por la sátira "El rey de los belgas".

Lógicamente, llega desde Bélgica.

(Música)

Daniel Rochè, director del Fondo Monetario Internacional,

convoca una reunión del G8

para provocar una media económica secreta

de posibles consecuencias catastróficas.

Un día un periodista me preguntó qué epitafio quería sobre mi tumba.

Le cité una frase de mi escritor preferido.

"La vida solo me parece tolerable si conseguimos evitarla".

Y mire, dedicado al dinero,

he conseguido evitar la vida sin aburrirme.

Acostumbrado a operar a su antojo,

este demiurgo del orden mundial invita también a un monje cartujo

que, a su pesar, va a acaparar todo el protagonismo.

¿Algún colega suyo tiene dudas?

-Dos, pero uno se opone más que los demás.

Pero sepa que si alguno empezase a hablar y...

el secreto se hiciera público,

podrían pasar cosas muy desagradables.

-Me gustaría que usted me confesase.

-Un acontecimiento inesperado convierte la reunión

en una especie de Cluedo en el que importa más la posibilidad

de perder el control del mundo que descubrir la verdad.

-Para nosotros el presente no existe.

Tratamos de borrarlo para dejar paso al futuro.

-Habla del tiempo como si pudiera dominarlo.

-El dinero crea el tiempo,

por eso he decidido crear una cosa que no existe.

-¿El qué?

-Es un secreto.

Con inevitables conexiones con "Yo confieso" de Hitchcock,

alineado con aroma de muerte en el Orient Espress

y algún toque de "El escritor" de Polanski,

el director de "Viva la libertad,

construye un thriller de arranque prometedor

con indudable vocación crítica del panorama económico

y político actual, pero termina por perder el rumbo

convirtiéndose en un retrato naif de buenos y malos,

con innecesario baño metafísico.

Nadie merece alabanzas por sus buenas obras.

A menos que tenga valor para ser malvado.

Lo mejor, el duelo interpretativo entre Daniel Auteuil

y Toni Servillo.

Un, dos, tres. "Un, deux, trois".

"One, two, three". Acción.

Pregunta que suscita a esta comedia sobre la monarquía belga.

¿Sería posible hacer algo semejante sobre la española?

Mientras indagamos en la salud de nuestra democracia,

sonreímos con el espiritual alegremente crítico,

no demasiado cáustico,

que demuestran los autores de "El rey de los belgas"

de Peter Brosens y Jessica Woodworth.

Será un gran honor entregar personalmente

este símbolo de Bruselas a la gran ciudad de Estambul.

Sin querer hacer sangre en la caricatura de un monarca

que se encuentra de visita oficial en Estambul

y debe retornar a toda prisa a su trono,

"El rey de los belgas" nos proporciona

algunos momentos felices.

La idea de partida es tan disparatada como verosímil

y, además, aplicable a España con las debidas salvedades,

pues, de separatismos y reyes se trata.

La declaración de independencia se titula "Estamos hartos".

-¿Hartos? ¿Hartos de qué?

-Los valones se sienten ninguneados, humillados

e incomprendidos por los flamencos.

-Tienen que comprar los derechos del guión para hacer la versión española.

El rey de España perdido...

Desde el momento en el que el rey belga se encuentra

con que su país ya no existe tal como él lo dejó,

se producen situaciones desopilantes,

que llegan al paroxismo, cuando encontramos al séquito

navegando a la deriva por el Adriático.

Intentando llegar sin pasaportes a Italia,

como si de desgraciados inmigrantes estuviéramos hablando.

¿Dónde es su casa?

-Yo vivo en Bélgica.

El monarca va adquiriendo conciencia de que ha vivido

alejado de las necesidades que comportan la vida real

de sus ciudadanos.

De hecho, la frontera serbia no está lejos.

Por primera vez en su vida se encuentra con gente normal,

como usted y como yo.

Se transforma, se convierte en una persona diferente.

De hecho, se descubre a sí mismo.

A través de ese viaje de autoreconocimiento

y autodescubrimiento, se despierta.

Al principio de la película es un rey un poco dormido.

-Al fin he despertado. Saboreo...

-Parece que estamos en un jurado.

-Siento. Todos mis sentidos están más despiertos.

-Simpática, divertida, a ratos ocurrente,

pero solo perturbadora en el episodio del francotirador serbio.

Variaciones de tono que dan profundidad a un relato

que evita quedarse solo en la ocurrencia humorística.

-¿Hola? Sí, estamos muy bien.

-Imagina que eres el rey de los belgas.

¿Por qué a veces se parecen tanto la realidad del telediario

y la que dibujan revistas satíricas como, por ejemplo,

"El jueves" o "Charlie Hebdo".

No hay vuelo, señor, pero tenemos un plan para irnos.

-El señor Lloyd vendrá con su cámara,

filmaremos nuestro regreso al país para el pueblo.

No se hable más.

-Todo es recuperable, no lo puedo creer.

Me enamoré del personaje. No sé cómo pasó, pero...

Me casé con un boludo.

El director argentino Juan Taratuto estrena esta semana

"Me casé con un boludo".

Su nueva película y ya van seis.

Una comedia, como no podía ser de otra manera,

esta vez ambientada en el mundo del cine.

¿Cómo estuve?

-Está en juego el tema del amor y las relaciones.

Es lo que me moviliza, lo que me pone contento,

lo que me entristece según las circunstancias.

-Estoy perdiendo masa muscular.

Fabián Brando es una egocéntrica estrella del cine

que acepta protagonizar una película junto a Florencia Córmik,

una pésima actriz.

Yo no puedo, perdón. -Corten.

-¿Te puedo ayudar en algo?

Un breve romance durante el rodaje parece suficiente

para que se unan en matrimonio.

¿Cómo te llamas?

Después de la luna de miel, Florencia se da cuenta

de que se enamoró del personaje, no del actor.

Que es, efectivamente, un boludo irrecuperable.

En un momento de la clase paramos, se me acerca un compañero,

bueno, un compañero, estudiaba conmigo y es Brad Pitt.

-No es mal tipo.

Es boludo, boludo, ¿oíste?

Fabián, al enterarse, será capaz de hacer cualquier cosa

para no perder a Florencia.

Buenísima. Me encanto. ¿Qué pasó?

-No sé.

Está el personaje, lo encontré.

Me quiero separar.

Sinceramente, no me acuerdo cuándo fue la última vez.

-Voyeurismo, exhibicionismo. -¿Qué es eso?

-Un cambio de rol. Activa, pasiva...

El director Juan Taratuto

vuelve a contar con el guionista Pablo Solarz

y con los mismos actores que protagonizaron hace ocho años

"Un novio para mi mujer", éxito en taquilla en Argentina.

¿Ya estás separado? -No.

-Sí. -No.

Valeria Bertuccelli, una habitual en el cine de Taratuto

junto a Adrián Suar, un actor que se sale del arquetipo

creado por Diego Pérez,

el protagonista de gran parte de su filmografía.

¿No nos estaremos apurando un poco? -¿Con qué?

-Con todo, con todo. Con el casamiento, con el viaje.

Así todos... -No, mi amor. Va a estar todo bien.

-Una cobaya tiene que tener identificación.

Yo tengo que sentir lo que sienta el personaje

con las cobayas que a mí me gustan.

Tengo que transitar ese camino con él.

Tengo que entender su torpeza.

Tengo que lamentar su padecimiento.

Tengo que poder reírme de lo que le sucede

como uno se ríe de lo que le sucede en la vida.

-Pase lo que pase, vayas donde vayas.

Estés donde estés.

Quiero que sepas que siempre voy a estar con vos. Siempre.

"Me casé con un boludo" es un título infame

para un producto de entretenimiento sencillo y agradable.

Humor de situaciones que van desde lo absurdo al equívoco,

con ritmo y con un guión que supone una escalada de acontecimientos

sobre el amor y el ego en el universo actoral,

que mantienen sin recurrir a la sensiblería barata

la atención hasta el final.

Hace un instante,

nuestros compañeros Santi y Alberto, enviados especiales a Cannes,

nos hablaban de lo mejor del festival.

Ahora vamos a hablar de otros títulos interesantes

y vamos a empezar a repartir palos.

Vaya por delante que esta no está siendo la edición más brillante

del festival, en cuanto a sección oficial, por lo menos,

nos referimos.

Ni siquiera Haneke ha rayado

a la altura a la que nos tiene acostumbrados.

Ahí van nuestros "caneados".

(Música)

Llegó el primer día de Netflix y la polémica

sobre lo que debe entrar en Cannes y lo que no.

La gran sala Lumière se partió literalmente en dos

entre los que quieren ver todo lo que se haga,

al margen de la pantalla en la que se exhiba,

y los que quieren ponerle puertas al campo.

Lo de menos fue la película de Bong Joon Ho, "Okja".

Una especie de Disney para públicos de edad indefinida,

vertiginosa y naif,

en torno a la estrecha amistad de una niña coreana y su mascota.

Un híbrido entre cerdo e hipopótamo,

predestinado a paliar las previsibles hambrunas del planeta.

Además, la proyección se paró para corregir el formato.

Se veía así.

Cuando debía verse así.

El espíritu de los tiempos.

Había mucha expectación en Cannes por ver lo nuevo de Todd Haynes,

tras la deslumbrante "Carol".

Aunque sería injusto no apreciar las maravillosas intenciones

de "Wonderstruck", solo funciona por momentos

su emotivo homenaje al cine como encantamiento primigenio.

A Nueva York, como ciudad soñada

y a la infancia, como reinvención de la vida.

La apuesta era de órdago.

Conciliar cine en blanco y negro y sin diálogos

a la manera de cine mudo,

cine de animación con primitivas técnicas de stop motion

y cine en color a la manera de los años 70.

Solo por tal empeño,

merece la pena aplaudir su afán de riesgo.

La película habla de cómo nos enfrentamos

a la pérdida y al aislamiento de la infancia.

Aunque vengamos de familias unidas

y tengamos más recursos emocionales que los personajes.

Creo que muchos se identificarán con ellos.

Espero que los niños, en general,

porque mi objetivo era contactar con esos niños

y contarles algo que nunca antes hubieran experimentado.

Noah Baumbach ha vuelto con otra estupenda comedia familiar

de padres hijos.

Con Dustin Hoffman, Ben Stiller y Adam Sandler.

(Música)

Todos los días y a todas horas,

decenas de cinéfilos vestidos como si fueran a una fiesta de disfraces

aguardan en los accesos pidiendo una invitación

para alguna de las proyecciones.

Son los mendigos del festival de Cannes.

A los periodistas que hemos visto las películas

que ellos sueñan con ver,

nos dan ganas de advertirles de que algunas son solo pesadillas.

De ellas nos disponemos a hablar.

El esperado retrato que ha perfilado Michel Hazanavicius

a partir del libro de Anne Wiazemsky,

la que fuera protagonista y esposa del autor,

comenzó con dos horas de retraso por una falsa alarma

con una mochila abandonada.

Incidentes aparte, "Le redoutable" se queda en algo epidérmico

e insustancial, como una graciosilla comedia de pareja que, eso sí,

viene a constatar lo que muchos hemos pensado siempre.

Que Godard debe ser insufrible como persona

y que su deslumbrante grandeza cinematográfica

quedó enterrada en ese momento de asfixiante politización

en torno a 1967.

Cuando se vive entre la espada y la pared,

es lógico que muchos elijan la pared.

Aunque sea para estrellarse contra ella.

Es el drama de los refugiados que guardan su oportunidad

para entrar en Europa.

Muchos mueren en el intento,

como el joven protagonista de "Jupiter's Moon".

El realizador Kornél Mundruczó le resucita como un ángel

capaz de levitar para convertirle en codiciada atracción de feria.

La posibilidad de que se trate de una enjundiosa metáfora

sobre el drama de los refugiados se desvanece enseguida.

Lo que quiere el director húngaro es lucirse él.

La película se convierte en un catálogo de habilidades técnicas

tan brillante como bipolar.

Andrei Zvyagintsev ha presentado un descarnado retrato

de la sociedad rusa actual

a través del divorcio de una pareja de clase media

y la desaparición del hijo que tienen en común.

Dura descripción de unos personajes que parecen haber crecido

sin afectos en un mundo sin Estado,

en el que solo caben superadaptados al capitalismo descontrolado

o náufragos sin esperanza.

El autor de "Leviatán" vuelve a hacer una lectura moral de su país

y del ser humano en general,

aunque el relato pierde interés y fuerza

cuando la búsqueda del niño se eterniza

entre la inoperancia de la policía

y el voluntarismo de los niños de una ONG.

No me gusta pensar en términos de género cuando imagino una película.

Intento evitar clichés y no me gusta subrayar las líneas argumentales.

Quería concentrarme en cómo la pareja se ve obligada a buscar juntos

a su hijo, cuando su amor ya ha desaparecido.

El coreano Hong Sang-soo es un realizador abonado a Cannes

donde le han seleccionado en ocho ocasiones.

Y otros rituales de postín como Locarno o San Sebastián.

Este año trae dos películas a falta de una.

A concurso, "El día después".

Paradigma de su estilo minimalista en torno al tema recurrente

en su filmografía. La indecisión amorosa.

Al parecer, escribe las escenas la misma mañana que las rueda

en interminables planos secuencia, sin el menor interés estético.

Cualquier cámara de vigilancia de un supermercado

contiene más cine que esta película

que desprestigia el festival de Cannes y a sus programadores.

Duele pensar que ninguna española les haya parecido mejor

que esta película.

Incompresible la inclusión de títulos como "Fortunata"

de Sergio Castellitto.

Una tragicomedia gritona, pero con ínfulas sociológicas,

avalada únicamente por sus deslumbrantes resultados

en taquilla en Italia.

(Música)

Venir a la semana de la crítica de Cannes

con mi cortometraje "Los desheredados"

es una oportunidad fantástica.

Porque, de repente, tu trabajo le llega a mucha más gente.

Considero que el cortometraje es una mezcla

entre documental y ficción.

El protagonista es mi propio padre, también aparece mi abuela.

Lo que me parecía más interesante era construir un personaje

que ante la inestabilidad económica y profesional,

mantiene la dignidad.

-Mamá.

Aplaudida en la sección,

una cierta mirada a "Las hijas de abril",

del mexicano Michel Franco,

se hace eco de uno de los rasgos definitorios

de las sociedades latinoamericanas. La paternidad adolescente.

Para contar la historia de una joven embarazada

que recibe la visita de su madre española

cuando está apunto de dar a luz.

Poco más se puede decir de su argumento sin caer en el spoiler,

así que dejemos hablar a la madre, Emma Suárez.

Enfrentada a uno de los personajes incómodos y difíciles

de su carrera.

¿Dónde está Karen?

-Estamos muy preocupados por la bebé.

-Mamá ¿qué hiciste?

¿Qué hiciste, mamá, qué te pasa?

-Este personaje tiene que enganchar al espectador desde que aparece,

porque va con las mejores intenciones.

Lo que va a pasar va a ser terrible.

Pero no es un personaje racional.

No racionaliza lo que va actuando.

Funciona por instinto, de forma orgánica.

(Música)

Mathieu Amalric inauguró en su doble faceta de actor y director

la sección una cierta mirada con "Barbara".

(CANTA EN FRANCÉS)

"Barbara" vuelve a ser cine dentro del cine.

En torno a la película que se rueda sobre la carismática cantante.

Uno de los nombres de referencia de la llegada francesa.

La estructura del rodaje aproxima el intento más

a una reconstrucción del alma de la cantante

antes que al relato biográfico convencional.

Con una sublime Jeanne Balibar,

que parece reencarnarse, antes que interpretar el personaje.

Antes de despedirnos, algo parecido a una quiniela.

¿Qué películas, Alberto, crees que de alguna u otra forma

tenían que estar representadas en el palmarés?

-Para mí, en primer lugar, "120 latidos por minuto".

Me parece que la más redonda. También la más dolorosa.

Hablando desde dolorosa, la última película de Lanthimos,

"El sacrificio del ciervo sagrado" a mí me provocó una taquicardia.

Me dolió muchísimo y, sin embargo, me confirmó a Lanthimos

como uno de los directores más importantes del cine europeo.

-Sí, y también uno de los más oscuros.

-Vamos, yo me lo encuentro por la calle de noche y cambio de acera.

Otra película. En el lado opuesto. En el de la comedia.

"The Square".

Una película sueca que ha hecho reír al palacio.

-Sí, nos ha hecho reír y nos congeló la sonrisa.

Y una película en la que estamos un poco divididos.

A mí me encanta la última de Sofia Coppola.

Una película deliciosa,

un remake de Don Siegel que se titula "La seducción".

-Está muy bien, pero no deja de ser un remake.

El protagonista de la original era nada menos que Clint Eastwood.

Sería sentar un precedente un tanto extraño.

-Aunque siendo Almodóvar presidente del jurado

y Sofia Coppola una amiga suya,

tampoco me extrañaría que estuviera muy alto en el palmarés.

La respuesta el domingo que viene aquí en Cannes.

A vosotros os esperamos la semana que viene en "Días de cine"

para contaros el remate final del festival de Cannes.

-Hasta el jueves.

(Música)

A estas alturas y con permiso de Edwar Fernández,

podríamos denominar a Javier Bardem como el hombre de las mil caras.

Su última aventura le ha llevado a subirse a un barco

y enfrentarse nada menos que a Johnny Depp.

Ante la negativa de la estrella americana a que su antagonista

en la película fuese una mujer,

el actor español ha entrado como villano

de la última entrega de "Piratas del Caribe".

(Música)

Hay quien dice que esta quinta entrega de la saga

remonta el aire mortecino de sus predecesoras

para acercarse a la frescura y novedad

de aquella primera película.

Otra parte de la crítica, sin embargo,

no termina de encontrar razones

para continuar una franquicia que da síntomas de agotamiento.

Hay más cine de personajes, eso dicen.

Más subtramas.

Todo contado con el ruido artificioso de una narración

acelerada, una banda sonora sobreactuada

y confiando siempre en los efectos especiales

para dibujar un mundo abigarrado y vertiginoso

donde, precisamente, los valores dramáticos no es lo que más brilla.

Jack Sparrow. -¿Conoces a este pirata?

Nada nuevo asoma en el sarcástico carácter

del viejo pirata Jack Sparrow.

Acompañado de viejos amigos como el capitán Barbosa

y recuperando brevemente a Orlando Bloom y Keira Knightley.

Lo que más atrae de "La venganza de Salazar"

es el nuevo villano que encarna Javier Bardem,

un personaje que, nuevamente, basa en buena parte su impacto

en una ambiciosa caracterización como pirata fantasma

en busca de venganza y liberación.

Es una cosa que me fascina.

Que siendo una película tan grande,

estén abiertos también a conceptos creativos

que sean más...

Más de arriesgar y ver qué pasa ese día.

Destacar la presencia de la actriz británica Kaya Scodelario,

con la suficiente personalidad

como para destacar por encima de otros.

También nos llama la atención

la presencia de la actriz iraní Golshifteh Farahani.

Aquí, en un registro, obviamente muy diferente.

Nada más que objetar a una película previsible

como producto de consumo destinado mayormente a centros comerciales.

Es lo que es y tiene su público.

Que, además, es muy numeroso.

Por nuestra parte, aconsejar a Jack Sparrow

ir pensando en colgar las espadas.

Eso o una drástica renovación.

Él me lo quitó todo.

Y me llenó...

de rabia.

(Música)

Nadie podía imaginar aquel 25 de mayo de 1977,

cuando se estrenó "Episodio 4: Una nueva esperanza".

La película que conocemos como "La guerra de las galaxias".

Todo iba a cambiar.

Aquel homenaje al cine clásico y de aventuras en clave de serie b

llegaría muchísimo más lejos de lo que su director,

George Lucas, podía nunca imaginar.

Nos vamos a despedir recordando los 40 años de "Star Wars".

Que la fuerza os acompañe.

(Música)

  • Días de cine - 25/05/17

Días de cine - 25/05/17

25 may 2017

Días de cine’ ha viajado al Festival de Cine de Cannes y ofrecerá un reportaje sobre lo más destacado de su 70ª edición. Además, repasará estrenos de la cartelera –como ‘Las películas de mi vida’, ‘El rey de los belgas’, ‘Confesiones de un boludo’ o la quinta entrega de ‘Piratas del Caribe’, con Javier Bardem–; e incluirá un pequeño homenaje al fallecido Roger Moore, actor que encarnó más veces al mítico James Bond.

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