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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 19/07/18 - ver ahora
Transcripción completa

Continuamos el homenaje

al director sueco por el centenario de su nacimiento.

"Remando al viento".

Yvonne Blake,

una de las grandes figurinistas del mundo del cine,

ganó el Óscar por "Nicolás y Alejandra".

50 años del estreno de una joya de la animación,

con letra y música de los Beatles.

(Música)

Seis años después del estreno de "Amor",

una película que tiene alguna conexión con aquella.

Se ha hecho esperar en España,

quizá por las críticas en su paso por el Festival de Cannes.

Ha habido división de opiniones.

Rivas es de los que la defiende con pasión.

(Música)

"Amor", de Haneke.

Después de alcanzar el Olimpo en sus versiones

europeas y norteamericana,

y su última obra maestra, "Amor",

tenía el difícil compromiso de seguir convenciendo

a la crítica que se había rendido a sus pies.

Tarea imposible,

el deporte de derribar al encumbrado se practica con demasiada facilidad.

(HABLA EN FRANCÉS)

Haneke es un maestro en el arte de diseccionar la burguesía

en sus distintos estratos, altísima, alta, mediana o pequeña.

Pone el foco en una familia

que tiene una empresa de construcción,

Calais, en un punto en el que se concentran miles de refugiados,

intentando alcanzar la costa de Gran Bretaña.

En medio de esos dos mundos

se alza un muro de varios kilómetros

de longitud construido para impedir el paso a los inmigrantes.

Entre ellos no hay contacto directo posible.

Haneke orquesta un par de secuencias impregnadas de sangrante iron/c>ia

para visualizar la injusticia de esas barreras.

Yo creo que Haneke muestra una evidencia,

no es un punto de vista estrictamente personal,

por eso puedo perturbar a alguna gente.

Muestra la evidencia de lo que hacemos,

no hacemos nada, eso es así.

Mire, esta mañana se publicaba

una carta que denuncia esto también.

Uno camina por los bulevares de París,

y hay gente que duerme en el suelo.

Haneke denuncia eso, un estado de cosas.

No hay un único muro que separa a las clases sociales.

En el seno de la familia burguesa

parece haber otro que se interpone entre todos

y cada uno de sus miembros,

confinados en su mutismo e insensibilidad,

convertidos en extraños para los demás.

Un retrato familiar desolador.

Pese a que no provoca

en el espectador el impacto emocional

que otras muchas obras del director austriaco,

lo que acentúa la sensación de frialdad de su cine,

ello no evita que una corriente perturbadora

la recorra desde el inicio.

La muerte ocupa el centro de la trama,

y el autismo se agranda en paralelo a la riqueza y el bienestar.

Muertes accidentales y provocadas,

varios intentos de suicidio

que implican a tres generaciones,

y un hilo metalingüístico que enlaza la película con "Amor"

a través del actor común.

El personaje parece haber saltado de una a otra película.

El existencialismo, según Haneke.

Derrocha sarcasmo en el título,

aludiendo una secuencia final demoledora, marca de la casa.

Por sí sola bastaría para justificar su visionado.

Hasta llegar ahí, el uso,

muy propio del director,

de variadas pantallas como espejo de la incomunicación

en los tiempos actuales,

y el inconfundible estilo narrativo que convierte

a la cámara de cine en un tubo de rayos X,

nos devuelve una obra mucho más rica

y densa en contenido de lo que a simple vista parece.

(Música)

"La revolución silenciosa" trata de un hecho por conocida

la historia de la República Democrática Alemana,

protagonizado por un grupo de estudiantes

que hicieron un minuto de silencio como protesta

por la invasión soviética a Hungría en 1956.

Por la paz y el socialismo.

Es el marco en el que se desarrolla

"La revolución silenciosa".

El muro aún no se ha levantado,

y aunque hay controles policiales,

el tránsito entre el este y el oeste está permitido.

También vimos el noticiario.

-Qué fuerte, el noticiario.

-Salió la revolución en Hungría,

exigen la retirada de los rusos.

Dos estudiantes exploran el lado occidental,

y descubren con admiración la revolución húngara de 1956.

El 23 de octubre los imperialistas extranjeros

y los contrarrevolucionarios intentan un golpe

de Estado contra la población.

-Vamos a guardar un minuto de silencio por los camaradas húngaros.

Proponen a sus compañeros guardar un minuto

de silencio antes del inicio de clase como muestra de solidaridad.

¿Qué está pasando aquí?

¡Quiero saber qué está pasando aquí!

Muestra a las claras

que el Gobierno comunista abrazó el totalitarismo.

Alemania estaba dividida en dos partes.

En Berlín levantaron una emisora

de radio de propaganda que se escuchaba en el este.

-Las tropas rusas han cedido el control de Budapest

al nuevo Gobierno surgido de la revolución.

-No me lo puedo creer.

Narra una historia real con guion del director.

Ya investigó sobre esa época en la premiada "El caso Freezbauer".

Quise hacer estas dos películas.

Son las dos partes de un díptico sobre la Alemania

del oeste y del este.

Dos dramas que tratan sobre la transformación

de Alemania en ese tiempo.

-El minuto de silencio del otro día. ¿Cuál era el motivo?

Es un inventario de esa época.

Muestra con destreza las diferencias de una y otra Alemania

en la década de los 50,

y también lo que ambos lados tenían en común,

el silencio sobre el período nazi.

Había dos sistemas políticos,

las frontera no estaba cerrada,

pero la gente no tenía permiso para salir del país.

Millones de personas se fueron al oeste,

y se empezó a desconfiar del sistema socialista.

En 1961 cerraron la frontera

para prevenir que la gente se fuera.

La utopía del socialismo dejaba de funcionar

si no quedaba gente para construirla.

-Los rusos son los únicos que impiden

que el caos se extienda por todas partes.

El oeste está lleno de fascistas.

-Un momento apasionante

y oscuro de la historia de Alemania,

solo cabe criticar alguna de sus virtudes,

la puesta en escena, alejado de la realidad,

y la deriva melodramática en su segunda parte.

-No sé dónde va a acabar este asunto.

-Me dirás quién lo empezó. -Me has traicionado, cabrón.

-Me resultan inspiradoras,

esta es una película sobre la rebelión.

Si los estudiantes existieron, los he conocido,

y te crees la fortaleza que tuvieron,

es estimulante para tu vida

saber que puedes tener tu propia opinión, y expresarla.

Lo encuentro más atractivo que inventarme una historia.

Por eso hago este tipo de películas.

-El ministro de Educación está con nosotros.

-Os exijo los nombres

de los cabecillas en una semana,

de lo contrario, nadie podrá graduarse.

Concibiendo con el nacimiento de Bergman,

hemos preguntado al embajador sueco en España

por su secuencia preferida.

Ha elegido una de una película de 1963.

"El silencio", de 1963,

una secuencia que siempre me llamaba la atención

desde que la vi la primera vez,

es una cosa bastante corta, pero llena de magia.

Simbolismo, también por la técnica cinematográfica.

Son dos mujeres, dos hermanas,

que viajan en tren por Europa,

y una hermana se pone enferma.

Tiene que parar en una ciudad,

la otra hermana tiene un niño de unos 9-10 años, que las acompañan.

En esa ciudad,

en un país donde no entienden nada el idioma,

no hay comunicación entre ellos y los habitantes,

se alojan en un hotel grande, clásico europeo,

con pasillos anchos, habitaciones amplias.

Está una en la cama, la enferma,

y la otra mujer va buscando aventuras por la ciudad.

Está el niño en el hotel.

En una escena,

se ve en una mesilla una garrafa de agua un vaso de agua alrededor.

En un momento se empieza a...

Luego se oye un ruido más fuerte en la calle,

y el niño se acerca a la ventana,

por la ventana de la calle,

viene un carro de combate que en la oscuridad,

doblando la esquina, y se para.

Está lleno de ambigüedades.

También de amenaza,

igual hay una guerra,

o igual es un conflicto de algún tipo.

Hay un conflicto entre las dos hermanas.

Es un conflicto típico de Bergman,

de cuando eran niñas.

Luego el niño, como testigo inocente de lo que pasa,

y todo eso, con la fotografía en blanco y negro,

la foto más exquisita.

Y los modelos que lleva la hermana,

que va buscando aventuras sexuales por la ciudad,

unos modelos de época, de los 60,

muy bonitos, muy del estilo.

Se dice que la película trata del silencio,

dicen en Wikipedia que es el silencio de Dios,

no sé si es esto, pero el silencio es que no comunica con las personas,

hay un silencio entre las hermanas, y con el niño.

Otra interpretación,

no son tres personajes,

es uno pero con tres aspectos del mismo personaje.

(Música)

En la recomendaciones hablaremos

de dos títulos españoles que están en la cartelera,

pequeñas películas pero grandes películas, son estupendas.

"Casi 40".

Los personajes de "La buena vida",

en Castilla y León.

Los dos actores, estupendos.

Ese sentido del humor de David Trueba.

Es una gran película.

"Formentera lady".

El gran protagonista es José Sacristán,

hace de un hippie en Formentera.

Toma el tema de una canción

de un grupo a que hace referencia en la película.

Un nieto que aparece, una hija que desaparece...

Es lo que pasa cuando la vida se quiebra por circunstancias.

Podemos disfrutar en pantalla grande

de películas de ayer y de hoy en un lugar como Cibeles.

Ya no es tan común,

90 películas, hasta el 9 de septiembre,

desde con "La forma del agua", "Gilda", "Casablanca".

Al aire libre, cine gratis.

Se puede ver un festival interesante.

¿Qué sucede en Cineteca?

Se trata de venir a ver "A ciegas",

basada en "Ensayo de la ceguera", de Saramago.

Hablamos de libros.

Entrevistas que se han hecho a Haneke,

le descubrimos más.

Son entrevistas,

responde a un formato de libro que no es el primero,

remite a un director, o actores,

en el que a través de las entrevistas por dos personas,

descubrimos la personalidad de Michael Haneke.

Es muy interesante.

Tenemos otro libro.

Es un libro muy completo.

Tiene un prólogo de alguien que sabe muchas cosas.

El fallecimiento de una persona, Yvonne Blake, nos entregó un premio.

Fue un honor que nos diera ese premio la presidenta

de la Academia de Cine.

Una persona estupenda,

gran profesional, un Óscar, varios Goyas...

El humilde homenaje que queremos rendir a Yvonne Blake.

(Música)

Ganadora de un Óscar por su diseño de vestuario

en "Nicolás y Alejandra"...

Estuve aquí, tuve muchos problemas,

estuve siempre con lágrimas.

Se inició como figurinista

y ayudante de diseños de vestuario en títulos,

"Fahrenheit 451".

Diseñó el vestuario del musical "Jesucristo Superstar".

Y el traje del primer Superman.

Lo que quería hacer

era intentar hacer un traje

de un cómic con muchos fans, pero es un traje un poco ridículo,

pero no podías cambiarlo.

Tenía que hacer un traje que estaba lo más aceptable posible.

Richard Lester apreció

su trabajo y la reclutó para dos de sus adaptaciones

de "Los tres mosqueteros".

Hice cinco películas con Richard Lester.

Llegó a España en los años 60

a la sombra de las superproducciones que se rodaban aquí.

Se nacionaliza todo española

y compaginó su proyección

con una fructífera actividad en el cine español.

Cada película que hago es un mundo,

tiene un lugar especial en mi corazón,

porque tengo mucho cariño a las películas que he hecho.

Trabajo con, José Luis Garci, Vicente Aranda, y Gonzalo Suárez,

con quien colaboró en cuatro ocasiones.

Algo muy abstracto,

puedes utilizar tu imaginación para hacer ropa rara.

Trabajar con Gonzalo es mágico.

Cuatro premios Goya,

y fue distinguida con el Premio Nacional de Cinematografía de 2012.

Buenas noches, compañeros.

Fue matriarca del cine

de este país hasta enero de este año.

Un privilegio disfrutar de su entusiasmo y su acento,

la echaremos de menos.

Siento un enorme orgullo

por pertenecer a este colectivo maravilloso que es el cine español.

(Música)

Se ha hablado mucho de los grandes temas

y de las grandes obsesiones de Bergman,

pero poco de su habilidad para contarnos

las historias desde la transparencia.

Alberto Bermejo tiene un reportaje.

(Música)

Si a los grandes cineastas se desconoce por un universo propio,

Si a los grandes cineastas se les conoce por un universo propio,

personal y estéticamente reconocible,

Ingmar Bergman está entre los grandes de los grandes,

como el más de medio centenar de películas con su sello

a lo largo de más de cinco décadas,

un cine interesado en explorar las pulsiones de los individuos.

Hay un incontestable consenso en reconocer la belleza,

la originalidad y la fuerza de las imágenes

creadas por este director,

identificado con el cine sueco pero te apreciado internacionalmente

--apreciado

y obtuvo el premio de mejor humor poético.

Los paisajes desnudos

en los que se mueven los personajes

en algunos de los primeros títulos de su filmografía,

la composición de sus encuadres,

la disposición de las figuras en el plano,

por sus inconfundibles primeros planos,

configuran el envoltorio plástico

de este poderoso cineasta que parecía disfrutar

intensamente en los rodajes,

pero eso que en otros tantos puede llamarse estilo formal,

resulta casi imposible aislarlo,

tratarlo como un ingrediente independiente

o desde una perspectiva estética, separar la forma del fondo.

Cada una de estas imágenes está ligada al contenido

de lo que es presa, a los temas,

de lo que expresa, a los temas,

como una materialización de la incertidumbre,

las complejas relaciones entre hombres y mujeres,

y el océano de ideas y sentimientos

que desbordan la obra de este cineasta inimitable.

Es capaz de traducir en imágenes conceptos

de una gran dificultad,

pero no significa que el espectador no vaya a ser capaz

de codificarlo, todo lo contrario, pretende hacer las cosas sencillas.

-Atreverse a poner en pantalla

lo que creíamos que pertenecía

a un ámbito del pensamiento, de la imaginación, del sueño.

Ha sido el autor único de sus guiones,

su inventiva se ha nutrido de todo tipo de fuentes,

de una idea reflexiva sobre la trascendencia,

incluso de una imagen primigenia.

Con frecuencia en experiencias propias.

Sus películas no serían nada sin sus intérpretes,

rostros y nombres que se repiten desde los primeros títulos

hasta los últimos, con una fidelidad inquebrantable.

Podemos pensar en el cine de Bergman

como una enorme compañía teatral,

muchos de sus actores formaban parte de las compañías

teatrales en las que estuvo trabajando

cuando fue director de teatro.

Esa sensación del teatro marca Bergman

es algo que no solo se puede deducir viéndolo,

también se puede seguir en determinados rasgos.

Cada noche, la noche antes de rodar,

él preparaba personalmente unas notas de guion

para cada uno de los actores,

incluso muchas veces para los técnicos.

Cuando llegaban por la mañana,

Bergman contaba unos chistes, anécdotas, historias,

para que todo el mundo estuviera relajado y bien.

En un momento dado...

Fotográficamente se puede dividir su obra en dos períodos,

asociados a los directores de fotografía

que se hicieron cargo de poner luz a sus imágenes.

Más teatral y expresionista en interiores,

y más contrastada en exteriores en su primera época.

El primer director fue hasta principios de los 60.

Más versátil, evolucionando al naturalismo,

incluso en las más teatrales,

se identifican que le acompañaría hasta "Fanny y Alexander".

Nos encontramos con un rupturista.

Esa búsqueda de la abstracción tan brutal,

es una gloria de la originalidad cinematográfica.

-El primer plano de Bergman

es uno de los aspectos más geniales de la historia del cine,

es la representación de la ansiedad,

de la angustia vital,

todo lo que no se ve por fuera.

-Un recurso técnico que emplea con gran maestría,

llega a profundizar en la personalidad humana

a través de enfocar el rostro,

y mantener el enfoque durante segundos,

mostrando el reflejo de emociones que hay detrás de la mirada humana.

Acuñar nuevos mecanismos narrativos

fue una de sus principales señas de identidad,

como el flashback de "Fresas salvajes".

Quizá la primera película de Bergman que me emocionó,

porque trataba temas que a mí me interesaba muchísimo,

la reflexión sobre la infancia,

sobre la muerte, la caducidad de las cosas.

-Situar alguien de hoy en día en el pasado,

nos hace sentir que nos ha dejado daño en el presente.

Incorpora el rodaje

al desarrollo de la película,

haciendo hablar a los personajes al espectador,

como en el inicio de "La hora del lobo".

Incluye reflexiones de los actores

sobre los personajes que interpretan.

O prolongando unas películas en otras

como la secuencia de "La vergüenza"

que se transforma en pesadilla

del personaje de Liv Ullmann en "Pasión".

No se relaciona a Bergman

con los géneros cinematográficos,

pero un puñado de sus películas se inscriben en algunos de ellos.

Los monstruos que aparecen son proyecciones reelaboradas

de los demonios del protagonista, y seguramente del cineasta.

Como lo es también su afición

a que los muertos visiten a los vivos.

Una guerra abstracta y al mismo tiempo universal,

sin buenos ni malos,

impregna las relaciones de una pareja

y las imágenes de la vergüenza.

Ese juego de pantallas,

de gente que asiste a una proyección, a un teatro,

cualquier cosa, es muy de Bergman.

Ese concepto de voy a filtrarme a través

de mis películas,

y llegar al espectador,

pero no de una forma directa.

Quedará como el cineasta que hablaba de sí mismo

para hablar de los demás, de hombres y de mujeres, de todos.

Las modas pasan,

pero Bergman pasa queda. Es de los grandes autores.

Se cumplen 50 años del estreno de la película de los Beatles

que ha recreado el universo de los de Liverpool.

Tiene de animación y de vanguardia, y también cine pop con mayúsculas.

Un despliegue deslumbrante de colores en psicodélicos

y escenas maravillosas.

Nos va hablar de esta película, acompañado de unos buenos amigos.

"El submarino amarillo"

es una película que se hace por varios motivos,

captura el espíritu de la etapa más psicodélica de los Beatles,

y además, le dota de unas connotaciones

más de cuento infantil.

Es una película muy blanca, muy inocente,

pero que se ha mantenido debido a la riqueza visual

y a la potencia de las canciones.

-Esta película, lo que ocurre, lo que la distingue de las demás

es que hay una autoría detrás.

-Una paleta de colores muy pop,

acababa de descubrir el pop art,

y claro, es como guau.

-Por otro lado, es una película

que estéticamente fue revolucionaria,

que es un momento clave de la animación.

Es un momento en el que hacía pocos años

el estudio había demostrado que se podía hacer animación

con técnicas estéticas diferentes de la de Disney,

lejos de la vocación casi realista

de Disney para crear un mundo de fantasía,

con esquemas esquemáticos,

se hacía con el color, con posibilidades del trazo,

sin estar sujetos a una verosimilitud.

-De un trazo de línea, de fondo,

de la técnica 2D de siempre,

queda como una cosa irrepetible.

-Marcó caminos nuevos, y estábamos muy acostumbrados,

era una película de nosotros en el sentido

de el día que descubres Jimi Hendrix,

esta es una música de nosotros,

éramos son los enrollados, los modernos.

Con muchas melenas y con ganas de crear un mundo nuevo y libertad.

-De una manera muy clara,

lo que intenta es capturar

la esencia del movimiento hippy,

la idea de un mundo más justo e igualitario, anarquía,

prevalece la idea de la comunidad y del amor.

-Vencen los buenos a los malos,

que los malos van vestidos de azul como uniforme policial.

El dilema trataba sobre la importancia,

si se permite o no la música,

la música como metáfora de otro tipo de libertades.

-Aunque en el fondo,

esta película más que contracultural,

lo veía, pero alrededor de los Beatles

siempre había un merchandising.

Los Beatles eran como lo más establecido,

y lo más fácil.

-Es una en una película de los Beatles

no podía ser excesivamente provocadora, y una película

de este estudio tampoco, y además, ha hecho siendo cara,

porque trabajaron legiones de gente y haciendo jornadas intensivas,

no podíamos esperar allí...

Son los policías de las 6:30, no pasa nada.

-Las películas de Lester son estupendas,

y que contribuyeron a crear un nuevo estilo

de lo que es el videoclip, esas películas influyeron,

nada volvió a ser igual.

-Los Beatles no estuvieron demasiado satisfechos

de su trayectoria cinematográfica,

a pesar que creo que es muy valiosa,

porque inventa un lenguaje para el pop y el cine.

La movilidad de la cámara y el gusto para la fragmentación,

para la primera película,

y "Help", que es muy divertida,

un intento de acercarse a James Bond con los Beatles,

y llegar al submarino amarillo, estaban encantados con el medio,

al principio no confiaban en absoluto

ahora versión animada de ellos mismos.

-Los Beatles en animación tenían una aparición precedente,

una serie de animación, y participaba

el director de "El submarino amarillo".

-Hay una historia que Los Beatles, que pensaban que iba a ser

un horror, como fue la serie de dibujos animados que protagonizaban,

cuando lo ven, se quedan boquiabiertos.

-En el diseño de la película,

interviene un autor que muchos años después se convertirá

en el creador de la mascota del curro,

y después se llevó al terreno de la publicidad

es registro de colores, de ese despliegue de colores.

-Se experimentó mucho,

y esto viene de Estados Unidos,

se experimentó mucho de una forma muy grata,

despreocuparse los movimientos realistas y buscar

una animación limitada. A nivel formal, es la línea curva.

De alguna manera,

eso de la psicodelia.

(Música)

-Buscábamos continuamente una identidad propia,

y esta película lo que sí que se agradece

desde el primer momento es esta especie de collage

de diferentes técnicas, de probar,

que es probar, que es la manera de tirarse a un abismo

sin saber si hay agua abajo.

(HABLA EN INGLÉS)

-Sospecho que la raíz

de esto estaba en el LSD,

en el sentido que te hace replantear tu identidad

y verte a ti mismo con distancia.

-Esta película era como muy sorprendente en este aspecto,

y de alguna manera,

estas visiones tan alucinógenas

y está nada estructurado

sino muy no sé,

es como un tripi.

-Merece la pena rescatar un clásico como este,

porque de repente, es el escaparate más privilegiado que tuvo el pop

y la cultura psicológica en el mundo de la animación.

-La creatividad y las exigencias comerciales, mágicamente coinciden.

-Es una maravilla,

es fabuloso y es fantástico,

y realmente, rompió, fue un ejercicio de libertad

y de creación nueva

en el sentido que no había referentes.

-De manera que esto ha quedado como efectivamente,

como una anomalía,

porque no hay nada que se le parezca.

10 años después de su estreno,

nos llega la segunda entrega debemos considerar un clásico moderno

de la comedia musical.

¿Estará a la altura de la primera?

Para intentarlo, han llamado a un mito, a Cher.

(Música)

Resulta sorprendente que en este universo cinematográfico,

plagado de precuelas,

no se hubiera metido mano a uno de sus musicales más exitosos.

(Música)

Hablamos de "Mama mía",

una producción de 50.000.000 que llegó a recaudar 600.

(Música)

10 años después,

nos dará la segunda entrega en la que conviven en buena armonía

la precuela de la secuela. Del reparto original, casi todos,

falta la indispensable,

Meryl Streep, porque su ausencia era algo insalvable.

Para intentar subsanarla,

han contado con dos fichajes, Andy García y Cher.

Nos cuenta la historia del regreso de la hija de Sofía

para abrir el hotel donde se desarrollaba la primera historia.

Cuenta con la ayuda de sus tres padres

y las dos amigas incondicionales de su madre.

Nunca me había sentido tan cerca de mi madre.

Ella no tenía miedo porque me tuvo a mí.

Paralelamente asistimos

a la reconstrucción del pasado de Donna

con los tres hombres que van a marcar su vida.

Meryl Streep da paso a una actriz que va de camino al estrellato.

¿Qué hace que esta película

que presenta algunas mejoras respecto a su predecesora

no llegue a dar en el blanco?

Hay factores a favor y en contra, y unos pesan más que otros.

(Música)

Esta película es una película adecuada para estas fechas,

es entretenida y pero no enamora.

Por fortuna, contamos con la presencia de Cher,

que genera expectativas y las cumple junto a Andy García.

Ella es la madre de Donna,

aunque entre ellas hay una diferencia de tres años.

En realidad, no importa, en el tiene nada importa

si tiene alma y emociona,

al menos, esto que se le pide a un producto como este,

pero ha perdido su alma.

(Música)

Últimamente en ese programa estamos hablando

mucho del talento sueco,

es obvio que nos apasiona Bergman y también ABBA,

que fue una fuente de ingresos.

Hay muchos que les cuesta reconocer que son fans,

pero a nosotros no nos cuesta nada.

Aprovechando que se estrena la segunda parte,

hemos querido terminar el programa recuperando la canción original,

con un vídeo que curiosamente,

nos recuerda mucho a Bergman.

(Música)

("Mamma mía")

(Música)

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Días de cine - 19/07/18

19 jul 2018

El nombre de Yvonne Blake está ligado a películas como ‘Farenheit 451’ o ‘Nicolás y Alejandra’, con la que consiguió en 1971 el Oscar al mejor vestuario. Con Richard Lester colaboró en ‘Los tres mosqueteros’, ‘Robin y Marian’ o ‘Superman’, y su relación con el cine español fue fundamental a raíz de su colaboración con Gonzalo Suárez y Vicente Aranda. El espacio de cine de La 2 recuerda a esta figurinista española de origen inglés que entregó a Días de cine el Premio que Aisge por los 25 años del programa.

Días de cine se ocupará también de los estrenos más destacados de la semana como la austriaca ‘Happy end’, una película de Michael Haneke protagonizada por Isabelle Huppert; la alemana ‘La revolución silenciosa’, una película que habla de un hecho apenas conocido en la historia de la antigua RDA: la revuelta, silenciosa, de un grupo de estudiantes como protesta por la invasión soviética de Hungría para sofocar la revolución democrática en 1956.

Completan los estrenos ‘Siberia’, en la que Keanu Reeves interpreta a un traficante de diamantes; y ‘Mamma mía! Here we go again’, segunda parte del musical de ABBA que llegó a las pantallas hace unos años con gran éxito.

No faltará la tercera entrega de las cuatro que Días de cine dedica en julio a Ingmar Bergman en su centenario. Esta semana se centra en su faceta como cineasta.

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