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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 13/07/17 - ver ahora
Transcripción completa

Se estrena la tercera entrega de la saga que ha redescubierto

"El planeta de los simios".

Escribir las monsergas. -¿Monsergas?

-Los diálogos femeninos.

Gemma Arterton protagoniza una declaración de amor al cine

en tiempos de guerra.

¡Has olvidado la leche!

Emir Kusturica vuelve a la ficción con una historia muy suya

y con una espléndida Monica Bellucci.

(Música)

Hola, ¿qué tal? Bienvenidos.

Quizá el calorcito y el verano invitan a un cine menos reflexivo,

más lúdico. Hoy comenzamos el programa hablando de dos títulos.

"Siete deseos" es una película de corte fantástico

firmada por John Leonetti, el director de "Annabelle".

Es una película dirigida a un público más joven

y sin excesivo efectismo.

Y también llega a la cartelera "Cars 3" con un claro objetivo,

el título lo dice,

llevar al cine al menos a tres miembros de la familia.

Eh, campeón.

Tienes un gran pasado.

11 años después de ganar su primera carrera

y conquistar a los niños de todo el mundo,

Rayo McQueen regresa en la tercera entrega

de una de las sagas más rentables de la animación.

Pero las cosas han cambiado.

¡Disfrutas tu jubilación!

McQueen ya no es el más rápido,

y tendrá que elegir entre retirarse en lo más alto

o luchar hasta el final.

Era el mejor, pero empieza a pensar que ya no está a la altura

de las nuevas generaciones.

Quiere continuar en lo más alto, pero lo tiene muy difícil.

-Tenemos mucho trabajo.

Entre la variedad de personajes nuevos que nos presenta la película,

destaca Cruz Ramírez, una joven entrenadora muy preparada

pero que nunca ha competido.

Nos parecía interesante tener un personaje femenino

que luchara por triunfar en un mundo de hombres

como es el del automovilismo.

-¡Visualízate ganando a ese tipejo!

-Cruz es fundamental. Gracias a ella, McQueen encontrará una nueva forma

de disfrutar de las carreras.

Y ella, la confianza para conseguir hacer realidad su sueño.

La película también es un homenaje a Paul Newman,

que en la primera parte prestó su voz al personaje

del legendario coche de carreras Hudson.

Cuando el actor dobló la primera parte,

John Lasseter dejó el micrófono abierto

y Paul hablaba de las carreras,

porque era un gran aficionado al automovilismo.

Y hemos podido usar muchas de esas frases de Paul

en la historia de Rayo McQueen.

Queríamos que McQueen sintiera que Hudson había sido su mentor

y que, aunque ya no esté, aún queda mucho que aprender de él.

-Nunca serás más rápido que Storm, pero puedes ser más listo que él.

-Uno de los mensajes más importantes de la película

es el de que cada generación tiene que aprender

de las que le han precedido.

Solo así cada vez podemos ser un poco mejores.

-¿Ha pensado en la retirada? -Vale, sin comentarios.

¡Paparazzi! ¡Bah!

-A pesar de que nos esforzamos por conseguir la perfección técnica,

esa impresionante sensación de velocidad,

los reflejos de los coches, las escenas del barro,

siento que lo más importante de la saga "Cars" son las emociones,

las relaciones entre los personajes, la amistad.

Eso es lo que creo que hace tan especial estas películas.

Como es habitual en la saga,

con "Cars 3" disfrutarán más los niños que los padres.

¿Se retirará Rayo McQueen? -Yo decidiré cuándo estoy acabado.

-¿Mamá?

Adolescentes con las hormonas alteradas,

caja mágica de los deseos, una cucharadita de exotismo

y una bonita colección de muertes, a cual más morbosa,

componen la receta de "Siete deseos".

Siete deseos.

¿Puedo desear cualquier cosa?

Dinero.

Subid. -¿De dónde lo has sacado?

-Amor. -Lo estoy flipando.

En esta película, John Leonetti sigue la fórmula

de su anterior obra, "Annabelle",

y ofrece a sus fans una nueva entrega de terror sangriento,

esta vez, del subgénero "high school".

Qué torpe.

-Deseo que Darcie Chapman

se pudra.

-¡Oh, Dios mío!

-¡Yo no sabía que acabaría pasando esto!

Ten cuidado con lo que deseas porque puede verse cumplido

es la moraleja que atraviesa "Siete deseos".

En ella, además de a su protagonista, Joey King,

podemos localizar en papeles menores a viejas glorias como Sherilyn Fenn

o Ryan Phillippe.

(VOZ FANTASMAL) Deseo.

-¿Alguna vez has mirado a través de un cristal opaco?

Justo así es como veo yo el mundo.

Se titula...

Y aunque lo parezca,

no se trata del nuevo programa de Nieves Herrero.

Ni de coña.

Sino de esta película, que, para más inri,

dice basarse en hechos reales.

Cuenta la ejemplarizante historia de Saliya,

un joven y apuesto aprendiz de hostelería

que, de la noche a la mañana, pierde el 80 % de la vista

aquejado de un desprendimiento de retina.

¿Has hecho una solicitud y vas a ocultárselo?

-Sí.

No abandonaré mi sueño por culpa de mis malditos ojos.

Su miedo a ser rechazado como becario de un hotel de lujo

le llevará a ocultar su ceguera ante jefes y compañeros.

Tarea harto difícil cuando se trata de servir mesas.

Semejante premisa podría haber derivado en una comedia

tan enloquecida como incorrecta, pero su director, Marc Rothemund,

prefiere las hechuras de una banal comedia romántica

de autoayuda y superación,

cuya moraleja aspira a desvelar el secreto de la felicidad.

No finjas ser quien no eres por contentar a todos

y acepta tus limitaciones

antes de que los demás las descubran.

¿Pero qué pasa? -¡No puedo ayudarte, no puedo ver!

Paradójica conclusión para esta película

inconsciente de sus limitaciones.

Que se empeña en fingir lo que no es

con tal de aspirar a todos los públicos.

Porque a "Cita a ciegas con la vida" le gustaría pasar por una producción

"made in Hollywood", y se empeña a conciencia para ello.

Tanto en lo que cuenta como en su forma de contarlo.

Pero lo cierto es que se trata de una producción alemana

rodada del alemán por mucho que lo intente disimular

una banda sonora de canciones pop cantadas en inglés

digna del programa de Bertín Osborne.

El desayuno.

-¿No le parece tentador? -Muy tentador.

(Música)

Solo los más incondicionales recordaréis que hace cinco años

"Días de cine" dedicó un extenso reportaje

al centenario de los estudios Babelsberg,

los antiguos estudios UFA situados a las afueras de Berlín.

Todo un referente en el cine de vanguardia

y en la historia del cine en general.

Aprovechando que el 14 de julio se cumplen 70 años

de la toma de esos estudios por la DEFA,

hemos querido ampliar aquel reportaje

y contaros qué fue lo que sucedió en esos estudios en la etapa

que va desde el final de la Segunda Guerra Mundial

hasta la caída del Muro de Berlín

bajo el mandato de la Alemania comunista.

Cerca de 800 títulos de ficción producidos entre 1946 y 1990

bajo las siglas de DEFA, otros tantos de animación

y unos 3000 documentales engrosan el patrimonio del cine

de la extinta RDA, la Alemania del Este

surgida tras el fin de la Segunda Guerra Mundial.

Un cine mucho más variado de lo que se podría presuponer,

abordando todos los géneros y albergando en sus entrañas

la eterna lucha entre abrir horizontes autorales

y cumplir con las directrices del partido.

Conviene recordar que en la lista de las 100 mejores películas

del cine alemán suelen aparecer al menos 15 de la DEFA,

institución que se instalaría en los estudios

que hoy conocemos como Babelsberg y que, hoy en día,

es una fundación que preserva y gestiona esta herencia fílmica.

Siguiendo muy viva a través de pases habituales en la televisión alemana

o de retrospectivas, como la que le dedicó el MoMA

de Nueva York hace unos años.

Ralf Schenk es el director de la fundación

y con él charlamos en nuestra última visita a Berlín.

Tras la ocupación de Berlín, las fuerzas aliadas

no tenían entre sus prioridades un nuevo cine alemán,

algo que sí tenían claro los rusos,

que inmediatamente decidieron poner en marcha la producción de películas

para contribuir a reeducar a la gente,

es decir, desterrar el pensamiento nazi de la mente de los alemanes.

Este fue uno de los motivos por los cuales se fundó la DEFA,

la primera compañía cinematográfica en Alemania

después de la Segunda Guerra Mundial.

Sobre las ruinas de Berlín, la DEFA rodaría su primera película,

"El asesino está entre nosotros",

del que sería uno de sus destacados directores, Wolfgang Staudte.

Una reflexión sobre un futuro marcado por un pasado

que vuelve una y otra vez.

Primer testimonio fílmico de la posguerra

hecho a la par que Rossellini rodaba para occidente "Alemania, año cero".

El tema del antifascismo estuvo presente durante todo el período

en que la DEFA produjo películas.

Además de "El asesino está entre nosotros", que fue la primera,

hubo otras, como "Nackt unter Wölfen",

que reveló en 1963, por primera vez, el funcionamiento interno

de un campo de concentración.

Si nos fijamos en la primera programación de la DEFA,

no solo había películas políticas en su programa,

también otros géneros.

Películas de entretenimiento, películas de circo, operetas...

Mucha oferta para el espectador medio

que quiere entretenerse y divertirse.

En los años 50, cuando el Muro y, por lo tanto, el Telón de Acero

aún no existían, muchos artistas, directores, escritores y actores

de Alemania Occidental trabajaron en la DEFA.

A partir de 1961, con la construcción del Muro,

eso se acabó.

La DEFA tuvo que buscar trabajadores en la Alemania del Este,

y entonces surgió una nueva generación de jóvenes

que rodaban unas 15 o 20 películas al año.

El Estado daba dinero para que se hicieran esas películas

y, obviamente, quería que esas películas estuvieran a su favor.

Esto dio lugar a muchos conflictos.

Había directores que hacían bien su trabajo de forma oportunista

y otros que introducían tonos subversivos en sus películas.

Es un tema amplio y complejo

que habría que describir con más detenimiento.

Desde luego, el momento álgido de la Guerra Fría afectó a la DEFA.

La inesperada construcción del Muro, decidida por Walter Ulbricht,

máximo dirigente de la RDA entonces, creó un clima enfebrecido

que tuvo como consecuencia que se hicieran películas,

en este caso, sobre todo documentales

que justifican tal decisión.

Pero otros directores que en ese momento rodaban

querían incorporar esa atmósfera

para dar testimonio de un momento histórico decisivo.

Es así como encontramos, por ejemplo,

el filme "Sonntagsfahrer", una comedia que, inesperadamente,

reflejaba las miserias de la República Democrática Alemana

a partir del accidentado viaje de unos amigos

desde Leipzig a Berlín.

El miedo a la Stasi, coches que no funcionan,

carreteras cortadas de repente

o camareros que tardan una eternidad.

O incorporar por primera vez la figura del ciudadano

que quiere pasarse al otro lado.

Por supuesto, retratado con poca simpatía.

Quizá el filme que más nos llama la atención

de ese particular momento es "Und deine Liebe auch",

en el que una mujer se debate entre el amor de dos hermanastros,

uno de ellos con el objetivo claro de irse a Berlín oeste,

y el otro, con decidida vocación internacionalista,

interpretado por el actor emblemático de aquellos años,

que, tras la caída del Muro, supo reciclarse.

Hablamos de Armin Mueller-Stahl.

Y aquí encontramos una de esas escenas absolutamente inimaginables.

Armin Mueller-Stahl y un entonces primerizo actor mexicano,

Alfonso Arau, haciendo de camarada cubano.

Somos socialistas, pa'lante y pa'lante.

Y a quien no le guste, que tome purgantes.

Fidel, qué tiene Fidel,

que los americanos no pueden con él.

Precisamente, si al personaje de Armin Mueller-Stahl

no hay nada que le complazca más que viajar a La Habana,

también Cuba era el destino de las películas de la DEFA,

al igual que el resto de países del bloque socialista.

Dentro de esas cinematografías,

el cine polaco y el cine checo fueron las que más nos impactaron.

Era el momento que estaban viviendo.

Y en tercer lugar,

empezaron a venir algunas películas de lo que era la RDA

que realmente fueron películas muy interesantes.

(Música)

Recordemos que la DEFA también quiso plantar cara a Hollywood

tocando todos los géneros.

Eso sí, adaptados a su particular idiosincrasia.

Es el caso del musical.

Y destacamos uno de los que tuvo más éxito, "Heier Sommer",

protagonizado por Frank Schöbel, ídolo de la música ligera,

y Chris Doerk, también cantante.

Ambos, pareja en la vida real,

donde podían hacer lo que no hicieron en la película,

y es que el coqueteo de sus personajes termina en nada,

pues el mensaje estaba claro:

el grupo prevalece siempre sobre el individuo.

Algunas de estas cinematografías se planteaban, a nivel industrial,

competir con la competencia

tan difícil y compleja del cine norteamericano,

que llegaba desde el otro lado.

Y sobre todo en Alemania, que era un país dividido.

Y recuerdo que hubo una película que se llamó "Solo Sunny"

que planteaba los problemas de los jóvenes

en el Berlín este.

Y fue una película muy controvertida en la RDA.

Pero a Cuba llegó.

Fue una película muy interesante.

Introducía el tema de la rebelión de jóvenes que no estaban de acuerdo.

Punto y aparte es el western,

género reinventado en la RDA como "indianer",

o sea, películas de pieles rojas.

Y es que el protagonismo de estas películas

se desplazó a la población autóctona

y consagró a una de las estrellas del star system comunista,

el antes entrenador yugoslavo Gojko Mitic.

Llegaron a Cuba, pero no gustaron. Llegó una o dos.

Lo que pasa es que en Cuba habíamos visto los mejores westerns

del cine americano.

Y cuando aquello llegó, era realmente de morirse de la risa.

No funcionaron para nada.

Incluso la DEFA, en la década de los 60 y 70,

intentaría sacar adelante superproducciones en color

y rodadas en 70 mm.

Una de las superproducciones de aquella época trataba

sobre un pintor español, Goya,

que fue interpretado por Donatas Banionis,

el protagonista de "Solaris".

Al igual que otras películas de la DEFA,

fue vendida a otros países, muchos de occidente.

A España no llegó porque estaba Franco en el poder

y no había relaciones.

Tras la reunificación de Alemania, se decidió crear esta fundación

para concentrar este patrimonio fílmico en una sola mano.

Es una tarea bonita y divertida. Descubres buenas películas

y te sumerges en esta época de la historia.

En su política y en su estética.

(Música)

(Aplausos)

Menudo cine bueno que se está haciendo en Cataluña.

Además, hecho por mujeres.

Yo creo que hoy es un buen día para reivindicar dos títulos

que ya están en salas y que merece la pena verlas.

Pues sí. Además, de dos mujeres que vienen de la ESCAC.

Muy jóvenes las dos. Muy jóvenes.

Elena Martín, que la vimos en "Las amigas de Àgata"

y es la directora y protagonista de "Júlia ist",

una película bonita, buena. Y que cuenta una realidad,

la gente que se va de Erasmus, más allá de la fiesta y el mogollón,

sino esas inquietudes, esas dudas también.

Con mucha naturalidad y frescura.

Y la otra es esa pequeña gran maravilla

que va a ser una de las películas del año, que es "Verano 1993",

de Carla Simón. Una historia autobiográfica.

Con una niña que es impresionante. Una ópera prima.

Cómo ha dirigido a esas niñas. Es un prodigio.

Es una cosa... Todavía la ves y dices: "¿Cómo se ha hecho esto?".

Pero ahí está, y que la gente la vaya a ver,

porque se van a sorprender.

Una directora con sentido y sensibilidad, y es verdad.

Aquí, en Cineteca, en "Los lunes al cine",

se va a rendir homenajee a toda una estrella

de la historia del cine español, Imperio Argentina,

con "Morena Clara". Un mito absoluto.

Y "Morena Clara" es un clásico.

1936, una película preciosa.

Mucha gente no la habrá visto, pero puede venir a verla gratis.

"Los lunes al cine" aquí, en Cineteca.

Después, un documental, "Luces y sombras de una vida",

sobre Imperio Argentina. Dos por el precio de uno.

O sea, cero, porque es gratis.

El preestreno de la semana que viene puede sonarnos,

pero no es "Sierra Nevada", es "Sieranevada".

¿De dónde viene la película? Viene de Rumanía

y viene avalada por un gran éxito en Cannes.

Dura casi tres horas.

Pero es una película que merece la pena verse el martes 18

en los cines Golem.

Que escriban, como siempre, a nuestro correo,

y contestaremos por orden de llegada. Claro que sí.

A ver, Michael Cimino.

Hemos hablado mucho de él en el programa.

Es que se acaba de cumplir ahora un año de su muerte,

que fue el año pasado,

y en su día le hicimos una pieza como correspondía.

Michael Cimino es uno de sus personajes...

Es un outsider de Hollywood.

Hizo un clásico como "El cazador", por el que todos le conocen,

pero también hizo otras cosas.

Arruinó a United Artists con "La puerta del cielo",

hizo "Thunderbolt and Lightfoot", o sea, "Un botín de 500 000 dólares",

el guion de "Naves misteriosas", de "Harry el fuerte",

"El año del Dragón", "Sunchaser"...

Un personaje siciliano, un personaje muy peculiar.

Decían que se había hecho mujer. No era cierto.

Pero es verdad que tenía un aspecto un tanto andrógino.

Andrógino, sí.

Fruto más de las cirugías estéticas desafortunadas que de una voluntad

de cambio de sexo. Pero nos quedamos con su talento.

Y con los peliculones que hizo, que lo son aún a fecha de hoy,

30 o 40 después de hacerlos.

Bueno, tarea para el verano también las recomendaciones de Gerardo.

Hasta aquí.

(Cánticos tribales)

(Música)

Dolor que causa una ausencia

no podrá tener consuelo.

Que está muy cerca del daño

y muy lejos del remedio

este cantar.

La exposición "Arte y cine, 120 años de intercambios",

que ya pudo verse en Barcelona, llega ahora a Madrid,

y nosotros nos hemos acercado hasta CaixaForum para, a su vez,

acercárosla a vosotros, los espectadores de "Días de cine".

120 años de intercambios fascinantes.

Nos lo cuenta Alejo Moreno.

(Música)

Tienen hasta el 20 de agosto para visitar la exposición

que celebra el CaixaForum Madrid en sus instalaciones

y lleva por título "Arte y cine, 120 años de intercambios".

La comisaría el teórico francés Dominique Païni,

y prácticamente todo su fondo de armario

procede de La Cinémathèque française que fundara Henri Langlois.

El recorrido que propone al visitante comienza con juguetes

y artefactos visuales de finales del XIX,

es decir, con la aspiración por captar y reproducir

la ilusión de movimiento.

En la misma sala están presentes los experimentos fotográficos

de Edward Muybridge y su impacto en artistas coetáneos.

Para llegar, como es natural, a los hermanos Lumière.

(Música)

El comisario Païni pone especial acento

en la representación del movimiento como pilar fundamental

de la fascinación del arte por el cine.

Y al revés.

Se prioriza la conexión entre pintura impresionista

y el trabajo documental de los Lumière,

idea que ya anunció Jean-Luc Godard al afirmar que los padres del cine

eran también los últimos pintores impresionistas.

Ocupa muchas paredes la vanguardia francófila de principios del XX

y su interés por la cámara de cine como posible pincel moderno.

Por supuesto, hay testimonio de la existencia

del impresionismo alemán o los experimentales rusos,

y se da un espacio relevante al mundo del cartel

como vía de comunicación entre ambas artes.

Está presente el impacto que han tenido desde el principio

algunos de los emblemas del cine sobre los pintores de su tiempo.

Y así se llega a Warhol. Su paseo por el cine experimental.

O la progresiva conquista de la imagen en movimiento

de los espacios museísticos.

El trayecto de estos 120 años de intercambios

tiene un punto de vista propio

de la historiografía cinéfila francesa,

lo que despierta en nosotros un apetito irrefrenable

por ofrecer un discurso distinto.

Y no porque nos moleste que sea el arte francés

prácticamente el único invitado

a una cita en la que Italia o los Países Bajos

deberían tener sillón de oro.

Más allá de una primitiva fascinación por el movimiento,

el cine, a nuestro juicio, comparte con la pintura,

la escultura o la arquitectura,

la obsesión por el estudio de la perspectiva, el encuadre,

las atmósferas, el tratamiento de la luz,

la abstracción o la creación de universos paralelos

con herramientas prácticas.

(Música)

(Música)

Cierto que la exposición no cae en el manierismo de otras similares,

a saber, constreñir el diálogo entre ambas partes

a la mera copia directa.

Habitualmente, se tiene por pintores influyentes

a aquellos cuyas obras han sido copiadas palmo a palmo

en una traslación fiel al celuloide.

Pero el juego de influencias suele contener un nivel

de abstracción más profundo.

(Música)

La influencia de los maestros italianos del Renacimiento

en la gran pantalla son, de hecho, una constante obsesión

para cineastas de todas las épocas.

Y de ellos, a Velázquez, un pintor cineasta siempre presente.

Welles ejemplifica como nadie por qué.

Él era un director pintor al que tenemos por posexpresionista.

Lo era. Y también, sin embargo, un ferviente admirador

del genio sevillano.

Hay algo de la narrativa de "Las meninas"

en su búsqueda febril por la profundidad de campo

en "Ciudadano Kane".

Y, sin embargo, ¿no está también Degas

en algunas de sus decisiones compositivas de la mayor relevancia?

La presencia deliberada de techos en el plano, por ejemplo.

La composición solo tiene efectos estéticos

o imprime más carácter.

Mensajes que nos hacen conectar

con el imaginario inconsciente, colectivo.

(Música)

¿Es solo una cuestión de estética el que Welles recurra

al espejo del matrimonio de los Arnolfini,

o no hay un juego de ideas entre ese icono

a la fidelidad conyugal flamenca y al celoso Otelo?

Otro director pintor como Dreyer está calcando a Vilhelm Hammershi

en "Ordet" o "Gertrud".

Encuentra en sus cuadros el peso suspendidos del tiempo,

que necesita expresar a través de una luz difusa

que entra por la ventana,

como si estuviéramos a un paso del más allá.

(Música)

¿Es preciso copiar un cuadro de Ingres o de Goya

para que toda la carga atmosférica de sus pinturas

estén presentes en una película?

(Música suspense)

Caravaggio, Rembrandt, Vermeer son guías formales

para directores de fotografía atentos,

pero, si nos permiten la licencia, también espirituales.

La relación siempre misteriosa y difícil de concretar

entre cineastas y artistas tiene mucho de encuentro místico,

como poco experiencial.

(Música)

Curiosamente, un tipo de pintura tan alejada en el tiempo

como los frescos medievales resultan un ejemplo perfecto

para ilustrar esta idea.

Le ocurrió a Rembrandt siendo niño,

cuando sus retinas quedaron impregnadas

por la fuerza de los murales de las iglesias.

Frescos cuyos motivos han sido una obsesión en su obra.

(Música)

Pasolini interpretaba él mismo a Giotto en "El Decamerón"

y construye toda su trilogía de la vida

como si se tratara de la obra del toscano Piero de la Francesca.

Incluso llega a reproducir un mural en "La Ricotta",

le puede la voluntad de fundirse con aquello

que sus ojos han acariciado.

(Música)

Quizás el último estadío de muchos cineastas pintores

sea en el fondo llegar a la fusión total con la pintura,

la fusión física o esencial.

Alguno que otro lo ha logrado con éxito incluso.

Pero este es solo un recorrido más.

Pónganlo en cuestión. Propónganse otros a sí mismos.

Créannos, los caminos que unen arte y cine son inagotables.

120 años de relación pueden tener 120 ópticas distintas como mínimo.

(Música)

Yo soy el rey del rasagogo, el más mono rey del swing,

más alto ya no he de subir y esto me hace sufrir.

Yo quiero ser hombre como tú y en la ciudad gozar

como hombre yo quiero vivir ser un mono me va a aburrir.

En verano también llega cine de autor a la cartelera.

La danesa Lone Scherfig estrena "Su mejor historia",

así es como se titula la película.

Es una producción británica protagonizada por Gemma Arterton

y habla del poder del cine.

"Un minuto de gloria" es una producción búlgara

que utiliza la sátira para hablar de su país

y que obtuvo el premio a la Mejor Película

en el pasado Festival de Gijón.

En 2014, Kristina Grozeva y Petar Valchanov

debutaron como directores en el largo con "La lección",

primera entrega de una trilogía basada en titulares de prensa.

En aquella ocasión,

la noticia sobre una profesora que había atracado un banco

les llevó a imaginar una parábola moral

sobre las pérfidas relaciones entre las personas

y las deshumanizadas instituciones que rigen sus pasos.

"En un minuto de gloria" retoman la misma cuestión.

Eligiendo esta vez como protagonista a un trabajador del ferrocarril

que entrega a la policía una millonaria cantidad de dinero

que ha encontrado en las vías.

Convertido en héroe nacional por el ministro de Transportes,

el guardavía, un hombre solitario insobornable,

recibe como recompensa un reloj de pulsera

que pronto deja de funcionar.

Sus desesperados intentos por recuperar su antiguo reloj

desencadenan el drama.

Su oponente principal es la jefa de relaciones públicas del Ministerio,

una mujer obsesionada con su trabajo

para la que las relaciones personales son solo un incordio.

Aunque la película se desarrolla en Bulgaria,

no es difícil de identificarse con lo que cuenta "Un minuto de gloria".

Con ese presente demoledor, gobernado por las apariencias,

por unos medios de comunicación manipuladores

y una burocracia irritante que desprovee al individuo

de su dignidad.

Un mundo en el que la desesperación resquebraja las buenas intenciones

y en el que las conciencias y el sentimiento de solidaridad

permanecen aletargados,

porque mientras a mí me vaya bien, qué me importan los demás.

Mejor Película, Premio de la Crítica al Mejor Guión

en el último Festival de Gijón,

"Un minuto de gloria" resulta tan estimulante como amarga,

porque de manera inteligente, irónica y algo abrupta

nos muestra un pedazo de lo peor de nuestra realidad.

Bienvenida a la División de Cine del Ministerio de Información.

El señor Buckley cree que usted es lo que necesitamos.

-¿Para hacer qué?

-Alguien debe escribir las monsergas. -¿Monsergas?

-Los diálogos femeninos.

-Yo creía que trabajaría de secretaria.

-Que no le oiga nadie decir eso.

Si algo le quedaba a la directora danesa Lone Scherfig

del espíritu iconoclasta del movimiento Dogma 95

que le lanzó a la fama con "Italiano para principiantes"...

Perdona, ¿puedo romperte la nariz?

Y "Wilbur se quiere suicidar",

podría decirse que en "Su mejor historia"

ya no hay rastro.

El del collarín está un poco chalado, pero el otro merece la pena, ¿verdad?

(Música)

"Su mejor historia" narra un romance entre dos guionistas

que se desarrolla sobre dos telones de fondo,

la Segunda Guerra Mundial y la industria cinematográfica británica

dedicada a hacer películas de propaganda

con el fin de fortalecer el ánimo y la moral de la población.

30 millones de personas van al cine todas las semanas.

Su película debe mostrar a sus hermanos de Estados Unidos

que esta es una guerra en la que sus maridos debe luchar.

No podemos pagarle tanto como a los hombres.

Debemos darles un personaje con el que puedan identificarse.

-El tío Frank, setenta y tantos años, aparenta más edad.

-Todos contamos a la hora de derrotar a Hitler.

-No, este no, es el papel de un cadáver.

Muere en el tercer acto.

Es una producción de la BBC

que responde a los estándares de calidad acostumbrados.

Estupenda ambientación, actores fantásticos,

Gemma Arterton y Bill Nighy, especialmente,

buenos diálogos y la ideología que encierra

"fell good movie", es decir, cine para sentirse bien.

Solo un toque de humor y más adelante...

-Disculpe. -Hola.

-Hola. -Cómo no.

-No, lo he escrito yo.

Lone Scherfig confiere el mayor protagonismo a Gemma Arteton,

que interpreta a una mujer que trata de abrirse camino profesional

en un mundo de hombres,

y trenza con habilidad los hilos que unen

a la galería de variados personajes.

Muchos hombres temen que no volvamos a nuestras tareas

cuando todo esto termine.

-Entre nosotros, les haremos llorar a lágrima viva.

(Música)

El guión combina con mesura las cartas de todos los ismos posibles,

para no dejar ningún palo que tocar y ningún sector que conformar.

Feminismo, sentimentalismo, romanticismo, clasicismo,

antibelicismo, lesbianismo, etcétera.

Autenticidad y optimismo.

-Un contrasentido en mi opinión, pero podría ser una gran historia.

-Usted y yo tenemos oportunidades

porque los hombres jóvenes se han ido.

Dar la espalda a esas oportunidades no sería dar a la muerte

el dominio sobre la vida.

El marco de la industria cinematográfica

y el proceso de escritura de guiones y producción de películas

da sobradamente juego y materia para elementos humorísticos,

entremezclados con los dramáticos propios de la acción bélica

y los románticos, inherentes a la historia central.

Una mezcla equilibrada y de muy agradable y ligera digestión.

Las chicas como nosotras servimos a todas estas personas

que entregaron a sus hijos a una guerra

y ahora entregan a sus nietos a otra.

-Señora Cole, ¿dónde está?

-Por favor, que alguien saque al señor Hilliard de Dunkerque.

Sin lugar a dudas, el estreno más interesante de la semana

es "En la vía láctea", el regreso a la ficción de Emir Kusturica.

Diez años después el director serbio vuelve fiel

a su peculiar estilo y, además, protagoniza la película

junto a Monica Bellucci.

La actriz italiana ha estado en Madrid para presentarla

y "Días de cine" ha tenido la oportunidad de entrevistarla.

Tras casi 10 años apartado de la ficción,

Emir Kusturica vuelve en estupenda buena forma

con "En la vía láctea",

una nueva fábula sobre el conflicto bélico

de su tierra natal, Serbia y los Balcanes,

impregnada de violencia, lirismo romántico

y de ese tono narrativo abigarrado y ruidoso tan característico.

Con él mismo de protagonista,

en compañía de la belleza incontestable de Monica Bellucci,

que además explica con elocuente exactitud

las claves de su personaje de la película

y del cine de Kusturica en general.

(CANTA)

Kusturica me explicó este papel tan poderoso y femenino,

de una feminidad muy profunda, con aspectos complejos y diversos.

Es una mujer muy generosa, muy maternal,

capaz de darse por completo, capaz de gestos sublimes,

hasta de matar.

Al mismo tiempo, es frágil como una niña.

Para escribir un personaje así,

hay que conocer muy bien el mundo femenino.

Desde otro punto de vista, se podría describir "En la vía láctea"

como un enredo de parejas que eleva el romanticismo

a una dimensión casi mística

en un entorno en el que la guerra parece el estado natural de la vida.

Hay mucha poesía y mucha violencia.

Esa dualidad entre realidad y fantasía,

que es algo muy común en las películas de Kusturica.

Se puede decir que es su firma.

Viene de una tierra muy bella, pero muy violenta,

y creo que su cine es una manera de exorcizar

la tristeza y la violencia de su tierra.

En las imágenes de "En la vía láctea"

se reconocen infinidad de rasgos intransferibles

de este cineasta que ha dedicado lo mejor de su filmografía

a construir una heterodoxa crónica sentimental

de un mundo asolado por los horrores de la guerra

en distintos momentos del siglo XX.

(Música)

Durante la Segunda Guerra Mundial, bajo la mano de hierro de Tito,

y después en el nunca resuelto conflicto de los Balcanes.

Un cine que excede las convenciones del realismo

y se eleva a la categoría de metáfora a través de la música,

del papel testimonial de los animales

o en las exaltadas relaciones de amor y odio

de sus personajes.

"En la vía láctea" cuenta la guerra entre el 80 y el 94,

pero el sabor amargo de la guerra persiste hasta hoy.

Todo el mundo siente dentro de sí la presencia de la guerra

y por eso yo me he aproximado a este proyecto

desde un punto de vista humano, artístico, pero no políticos,

porque es una tierra con mucha historia

y es muy difícil de explicar.

Hay muchas etnias diferentes que han colonizado el país.

Desde fuera es muy difícil de comprender y juzgar.

Creo que las películas de Kusturica tiene siempre

algo de introspección, de profundidad,

como si la realidad no llegara para explicar todo para él

y él se refugiara en un mundo de hadas.

Hay algo de eso en toda su película, algo mágico entre comillas.

Como si la magia pudiera dar una explicación a la realidad

y como si la realidad no alcanzara a explicar el espíritu humano,

como si quisiera trascender lo material

y por eso habla de historias antiguas,

historias de amor, de Dios, como si dijera

que el hombre se encuentra a sí mismo a través del sufrimiento.

(Música)

Yo soy una actriz trabajando con un artista ecléctico

como Emir Kusturica.

Es director, actor, productor, escritor, músico.

Tiene una energía desbordante y en la película se siente eso,

porque va hacia lo universal para poder olvidar

el sentido del tiempo,

como si quisiese olvidarse del tiempo.

Es como decir que el tiempo existe,

pero los humanos quisieran escapar de él.

Por eso hay tantas metáforas, todo es una metáfora.

Parece que tuviera vida propia y el hombre quisiera matarlo,

pero no puede destruirlo.

Es como decir que no se puede parar el tiempo.

(Música)

Cuando me encontré con Kusturica me dijo que tenía que rodar en serbio,

que le gustaría que hablara serbio

y yo al principio lo veía muy complicado,

pero me dijo que sabía que lo iba a hacer muy bien.

Para mí eso es un gran cineasta,

el que sabe antes que tú que puedes hacerlo.

El cine es una sinergia mágica entre el realizador y el actor o la actriz.

(Música)

Creo que el trabajo de actriz es una evolución permanente

y el momento en que piensas que no hay nada más es muy peligroso.

Lo interesante es buscar proyectos que te mantengan siempre

en ese espíritu creativo que tenemos los actores.

La suerte está en encontrar realizadores

capaces de comprender lo que llevamos dentro,

y creo que todos los grandes cineastas tienen ese don casi mágico.

En el primer encuentro saben lo que el actor o la actriz

puede hacer antes que ellos mismos.

En mi filmografía hay muchos personajes importantes.

Es importante el de Malena.

(Música)

El personaje de Alex en "Irreversible".

El de María Magdalena en "La pasión de Cristo"

es también un personaje emblemático.

(Música)

Este de "En la vía láctea", el personaje de Milena,

es un papel de paso a la edad adulta en lo que me concierne.

La franquicia de los simios goza de muy buena salud.

Desde el estreno en 2011 de "El origen del planeta de los simios",

la colaboración entre director y guionista

ha dado un giro muy original a una historia que parecía ya agotada.

Ahora se estrena la tercera entrega,

"La guerra del planeta de los simios",

y que continúa en la misma línea de las anteriores.

(Música)

"La guerra del planeta de los simios"

es una poderosa película de aventuras

escondida tras una efectiva trama de ciencia ficción.

Parece muy listo, ¿verdad?

-¿Cómo vas a llamarle? -¿Te parecen simples simios?

-¡Son animales!

-Hubiera podido matarlos y no lo hice.

Tercer y último capítulo de una saga diseñada como trilogía,

que narra la historia de César, una suerte de mesías

de la civilización simia.

Eres tú, eres César.

Llevábamos mucho tiempo buscándote.

Termina así una trilogía perfectamente diseñada.

Dile a tu coronel que no somos unos salvajes.

La vuelta o la creación de una historia que supone

la precuela del clásico de los años 60

"El planeta de los simios".

Quita tus sucias patas de encima, mono asqueroso.

Excepcional película fundacional de una trama de ciencia ficción

que engancha con el espectador a través de la aventura

y la reflexión acerca de la identidad de lo humano

que tiene implícita.

Sé muchas cosas con respecto a los hombres.

Por las pruebas, creo que su sabiduría

camina paralela a su demencia.

Una película que contiene un final extraordinario

y uno de los besos más icónicos de la historia del cine.

Está bien, pero...

Es tan terriblemente feo.

Un beso, que dado el devenir ideológico que tomó el protagonista,

se cargó aún más de simbolismo.

Dios mío,

es una ciudad de monos.

Una serie de televisión y varias secuelas, hasta tres,

acabaron por agotar la idea.

Ahí vienen.

-¡Atrás!

Hasta que Tim Burton la resucitó con sello propio,

pero sin demasiada alma.

Tengan preparada la cámara.

Normalmente, estos animales son bastante tímidos.

En el año 2011 reaparece en la idea.

(GRITAN)

"El origen del planeta de los simios",

primera película de la trilogía que ahora acaba,

ofrecía una interesante hipótesis argumental

capaz de enlazar con el clásico sin forzar sus estructuras.

Era original e independiente de él,

y a la vez una brillante actualización,

tanto en el plano de las ideas como en la apuesta en escena,

merced al uso inteligente de los efectos visuales

creados por la técnica de la captura de movimiento.

¿Has visto? ¿Qué edad tiene? Quizás un día, dos como mucho.

En "El origen del planeta de los simios"

César es un chimpancé recién nacido

con una inteligencia superior a los humanos de su edad.

César, lo siento, no sabes de lo que son capaces.

Y la película se preocupa en describir

las causas psicológicas y sociales

que llevan a un primate de inteligencia superior

a levantarse junto a sus congéneres contra la opresión

a la que le someten los humanos.

César está en casa.

En "El amanecer del planeta de los simios", su continuación,

César es el líder pacifista e incontestado de los simios.

Salvar a la raza humana.

Y su hogar se ve amenazado por un reducto de humanos

que ha sobrevivido una plaga de dimensiones bíblicas

provocada por un virus.

Aquí no estáis a salvo.

Si han establecido contacto, vendrán otras personas.

Tenéis que iros, todos.

Esa dicotomía, la convivencia de simios y humanos,

que es el sustrato básico sobre el que se erige

la trama de todas las películas de la saga.

César, si no os vais, cavará una auténtica guerra.

-La guerra ya ha empezado.

A pesar del éxito de esta primera entrega de esta nueva franquicia,

la dirección de "El amanecer del planeta de los simios",

su continuación, le fue encomendado a Matt Reeves.

¿Aún grabas? -Sí.

La gente va a querer saber, en fin, como pasó todo.

Un director que ya había dado muestras del talento y creatividad

en dos títulos interesantes del género fantástico,

"Monstruoso" y "Déjame entrar", remake del homónimo sueco de 2008.

(Música)

99, blanco abatido.

Ahora, Matt Reeves vuelve a dirigir

"La guerra del planeta de los simios",

tercera y definitiva entrega de esta trilogía.

Me arrebataron muchas cosas.

El hogar, la familia.

Y todos los días mueren más simios.

César y sus simios se ven forzados a luchar

contra un ejército de humanos.

Las numerosas bajas producidas en el bando de los simios

y la pérdida de cualquier esperanza

de convivencia pacífica con los humanos

hacen que César comience su propia cruzada

para vengar a su raza.

Humano vuelve enfermo; simio vuelve listo.

Luego humano mata a simio, pero a mí no.

Un viaje introspectivo que costará a César

un conflicto profundamente emocional de lucha contra sí mismo.

Listos para la batalla.

El personaje de César está interpretado por Andy Serkis

en toda la trilogía.

A estas alturas, mucho más reconocido

por las criaturas extrañas, Gollum, King Kong o César,

que ha interpretado bajo la máscara de los efectos digitales

que por el resto de su carrera.

Serkis no solo sabe cómo captar

la simplicidad del chimpancé perfectamente,

sino que imbuye a César de una furia elemental

dando forma a una evolución que comenzó dos películas atrás.

Un mundo entregado a las ansias de libertad,

tolerancia y injusticia.

-Hay momentos en los que es necesario abandonar nuestra humanidad

para salvar a la humanidad.

Frente a César, Woody Harrelson interpreta al coronel sin nombre,

el líder del ejército de los humanos,

el enemigo más temido de los simios.

Una suerte de malvado con un claro referente

con el coronel Kurtz de "Apocalypse Now".

Dios mío, me admiran tus ojos.

Son casi humanos.

La historia del ser humano nos ha conducido hasta este momento.

Si perdemos, este será un planeta de simios.

"La guerra del planeta de los simios"

es un viaje más introspectivo

de lo que en un principio se espera de ella,

pero eso no quiere decir que no contenga aventura,

que no haya emoción y que no tenga artificio comercial y técnico.

(Música)

Simios juntos.

Fuertes.

Nunca los simios habían sido tan expresivos.

Cine palomitero de alto nivel.

(Música)

(GRITA)

(Música)

Antes de "El planeta de los simios", el cine ya nos había demostrado

que primates y humanos nos parecemos más de lo que nos gustaría.

Pocas imágenes tan impactantes como aquella de "2001",

en la que un primate descubría una nueva forma

para conseguir las cosas.

Quizás ahí comenzaron muchos problemas.

Nos vamos a despedir, nos vemos dentro de una semana,

porque "Días de cine" no cierra por vacaciones.

Nuestro compromiso con el cine nos lo impide.

(Música suspense)

  • Días de cine - 13/07/17

Días de cine - 13/07/17

13 jul 2017

Llega a las pantallas 'La guerra del planeta de los simios', la tercera parte de la saga de 'El planeta de los simios'. Matt Reeves vuelve a dirigir, y Andy Serkis a protagonizar la película. También se estrena la última cinta de Emir Kusturica, 'En la vía láctea', en la que el cineasta serbio vuelve a unos Balcanes en los que el tiempo parece haberse detenido entre varios horrores. Su protagonista, Monica Belucci, ha estado en Madrid y ha sido entrevistada por el programa.

De Bulgaria llega 'Un minuto de gloria' y de Reino Unido, 'Su mejor historia', una película de Lone Scherfig que supone una declaración de amor al cine. Completan los estrenos, 'Cars 3', la película de animación de Pixar para el verano; el terror y la fantasía de '7 deseos', y la comedia alemana 'Cita a ciegas con la vida'.

El programa visita en Caixa Forum la exposición 'Arte y cine, 120 años de intercambios', y coincidiendo con el 70 aniversario del momento en que la DEFA, mítica productora alemana, se instaló en los Estudios Babelsberg, harán un recorrido por el cine producido en la antigua República Democrática Alemana, de la mano de Ralf Schenk, director de la Fundación DEFA; y el director cubano Fernando Pérez.

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