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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 09/11/18 - ver ahora
Transcripción completa

Una gran mayoría

de los títulos que se estrenan

esta semana llegan avalados

por su buena acogida en festivales. Aquí comienza "Días de cine".

(Música)

Se estrena esta fábula fantástica,

obtuvo el premio especial del jurado en Cannes.

"Días de cine" ha vuelto

a uno de los grandes festivales del mundo asiático.

¿Qué estoy buscando?

-La sombra de mis pecados.

Ya tiene vida propia, llega con el rostro de Clark Fovi.

Llega a las salas españolas "Mandy",

considerada como la mejor película de terror de 2018.

En Cannes llegaron a definirla

como la adaptación al cine

de la portada de un disco de heavy metal de los 80.

En Sitges su director Panos Cosmatos tuvo el premio al mejor director,

sin hablar del trabajo extremo

de Nicolas Cage en la piel de un hombre con sus de venganza.

Necesito que me traigas a la chica.

"Mandy", la nueva película de Panos Cosmatos,

es algo parecido a una visita al infierno.

Una apuesta estética de género dividida en dos partes.

La primera es una historia de amor.

Creo que "Mandy" contiene una historia de amor muy Pedrosa,

Creo que "Mandy" contiene una historia de amor muy poderosa,

es el elemento más poco sorprendente.

Es una película muy cañera e intensa,

pero se toma su tiempo para construir

la historia de amor.

La segunda parte de "Mandy" es la historia de una venganza.

Eres especial, Mandy.

Yo también soy especial.

-Es cierto que "Mandy" es una película violenta,

pero es una violencia con un carácter poético, como de ballet.

Es una violencia extrema, pero con un punto surrealista.

En ningún momento es gratuita,

no es una película Gore, es casi como una danza.

¿Qué harás con eso?

-Irme de caza.

-¿Qué vas a casar? -Al mal absoluto.

"Mandy" es una evidencia visual en sí misma.

Una película de género teñida de rojo, como la sangre

que sale a borbotones en "Mandy".

Una película formalmente influida por la estética heavy metal

y la ilustración fantástica.

El cine de Panos Cosmatos,

hijo de Pan Cosmatos,

se define por un misticismo hiperestético.

En 2010 dirigió una película psicodélica de ciencia-ficción

con pocos diálogos y sugerentes imágenes.

Ahora, en "Mandy",

Panos Cosmatos crea una especie de universo mitológico

poblado por neuróticos.

Nicolas Cage tiene una motosierra, y razones para usarla.

(Música)

Me gusta escoger personajes

a los que puedo interpretar de manera veraz.

Sé que tengo la experiencia

vital para interpretarlos de manera auténtica.

También me gusta escoger personajes que me permiten aprender.

(Música)

-Nicolas Cage.

(Aplausos)

-Puedo hacer las dos cosas,

ser muy realista, o ser muy extremo, abstracto, surrealista...

Quiero jugar con todos los tipos interpretativos.

He trabajado con gente que me ha permitido hacerlo.

No estoy muy seguro de cómo

he conseguido hacerlo, no es fácil de conseguir.

¿Crees que estás tan enamorada? Yo te mostraré el amor.

En el caso de "Mandy",

me permitió tirar de mis sueños más abstractos.

-Joder, te han destrozado.

"Mandy" es una película

de género con la impronta de su autor, Panos Cosmatos.

Una apuesta estética en la que el director canadiense

vuelca todas sus influencias artísticas.

Le valió el premio al mejor director en el recién Festival de Sitges.

Demuestra formalmente lo poco

que se parece a su padre el hijo del director de "Rambo".

A nuestras siguientes protagonistas les unen varias cosas.

Las dos son cineastas,

españolas, llevan tiempo apostando por el género documental,

y ambas estrenan película.

No tiene nada que ver un trabajo con otro. Vayamos por partes.

Mujer de mi alma, en este momento está Madrid blanco de nieve.

Tiene como protagonista

a uno de los protagonistas más relevantes del siglo XX.

Sin embargo,

es probable que con su música le suceda

como en esta secuencias de "Amadeus".

como en esta secuencia de "Amadeus".

Sí, es algo hermoso, no sabía que fuera vuestro.

-No lo es.

Seguro que les suena esto.

(Música)

Pero quizá no estén familiarizados

con el nombre de su autor.

Enrique Granados,

nacido en Lleida en 1867,

de madre santanderina y padre cubano.

Pianista de café,

aspirante en París, y gran compositor

requerido internacionalmente.

Una carrera persistente y con sinsabores, rica en obras.

Arantxa Aguirre compone

en "El amor y la muerte"

un collage visual con toda suerte de elementos.

Cuadros animados, ilustraciones...

Está en sintonía con la delicadeza espiritual.

Luego, que Dios haga de mí lo que quiera.

-Me parece que la música es autosuficiente, no necesita el cine.

Es un desafío, me gustan los desafíos.

El cine es un arte de síntesis,

tiene que aportar, puede aportar otras cosas,

la música va por otro lado.

Enriquecen la experiencia del espectador.

(Música)

Ya se mostró muy capaz

de fusionarse con la obra de compositores universales.

Nos referimos a un documental sobre Beethoven que le valió un Goya.

Sabe cómo tratar con grandes maestros de la música clásica.

Cada tema pide su forma.

Si en el documental de Beethoven

había una ética que venía de Beethoven,

de la figura que tratábamos, de la propia sinfonía,

Granados no tiene nada que ver.

Hay que encontrar su manera elegante, delicada,

de estar en el mundo.

Quería que la película te acompañara.

Todas las decisiones estéticas, de montaje...

Quería que tuvieran que ver con ese temperamento

y ese carácter de Granados.

No me mires más...

Se une a su productora Rosa Torres Pardo,

concertista que aparece en el documental,

analizando la partitura del compositor.

Dentro de una música hay muchas cosas.

Si no supieras nada del compositor, analiza su música,

y dices: "Aquí hay una influencia brutal del impresionismo".

Este hombre estuvo en París.

Fue amigo de Albéniz.

Fíjate lo que hace aquí,

esta música, estos acordes...

Está salpicado de cosas que te informan

de aquello que le rodeaba.

Hay que cantarlo al estilo japonés,

sino, suena como el culo.

En pleno frente de la guerra

de Siria, un grupo de mujeres

está dispuesto a dar su vida para obtener libertad

para todo su pueblo.

Juntas forman un batallón de mujeres,

en su mayoría kurdas,

con la misión de liberar a la tierra del yugo del ejército islámico.

Para mí, como mujer,

feminista y documentalista, es una obligación moral.

Tenía muchas ganas de verlo en primera persona,

y de participar en su lucha.

Una historia contada en dos tiempos,

en el momento de la guerra,

y en un presente en el que asistimos a sus consecuencias,

físicas y psicológicas.

Mientras recordamos la liberación de una ciudad en manos del ISI.

La sensación de peligro es permanente en "Comandante Arian",

una historia de mujeres, guerra y libertad.

Documental comprometido con una causa justa,

pero abre los ojos a los aspectos esenciales de la vida.

Para mí era muy importante no romantizar la guerra,

la que libran estas mujeres es heroica,

pero es una guerra muy dura.

En este documental ha puesto la vida en mis manos,

ha confiado en mis manos para abrirse,

desnudarse delante de la cámara.

Yo también puse mi vida en sus manos.

A pesar de que era consciente de que había un riesgo,

siempre pensé que el riesgo merecía la pena.

Un trabajo en solitario de Alba Sotorra,

heroína en la sombra de esta película.

Comprometida personal

y emocionalmente con estas mujeres,

junto a las que vivió con la amenaza

constante del ejército islámico a unos metros,

y con la permanente incertidumbre

de un posible bombardeo de la aviación del ejército turco.

Amenazas reales, lo que está en juego es la vida.

Lo bonito del documental

es que permite acercarnos mucho a Ariane.

A través de ella entendemos

la lucha de ella de todas las mujeres a su lado.

Al principio vas por una motivación feminista y política,

pero a partir de hacer lazos emocionales,

la motivación es más grande que todo esto.

Tengo muy buenas amigas allí,

estoy vinculada emocionalmente

con ellas y con su causa, no puedo dejar de ir.

Es un documental íntimo, sobrecogedor,

solo cabe la admiración ante sus protagonistas

y ante su directora, Alba Sotorra.

(Música)

Gerard, partir de ahora,

la historia de nuestro cine también se puede disfrutar en Internet.

Hay una plataforma con el mayor catálogo online define español.

Entre lo que hay en salas, y lo que se puede ver ahora...

Tenemos que matizar,

dijimos que los lunes podríamos disfrutar del documental...

Pero es el próximo lunes.

Preestrenos.

El martes,

un documental avalado por un premio en Berlín.

El miércoles, "Campeones",

documental sobre la película de Javier tercer.

Una película danesa.

Gerardo, 50 aniversario del estreno de "2001".

Podemos disfrutar de una exposición muy interesante.

Nos permite visualizar lo que "2001" visualizó sobre el futuro.

La restauración en 4K de la película...

Hay una intervención de Christopher Nolan que unos discuten.

Tres extremos que se presentaron en el festival francés.

"Bergman", "Bienvenida a Montparnasse",

y lo nuevo de Mateo Garrone.

Mateo Garrone a una ferocidad

de lirismo en su crónica de un suburbio Napolitano,

emparentada con la celebrada "Gomorra",

con la que se consagró en 2008.

"Dogman" alcanza su nivel de excelencia.

Como en "Gomorra", en "Dogman",

el paisaje físico y humano son desoladores.

Están arrasados por la contradicción,

comercio con drogas, supervivencia.

Tenemos a un personaje entrañable,

derrocha amor hacia su hija

y hacia los perros,

sobre los que vierte toneladas de ternura.

Interpretado por un sensacional

con el premio al mejor actor,

es un hombre humilde y apreciado

en el barrio en el que vive y trabaja.

También ejerce de pequeño camello.

En mayor medida que los demás,

tiene la desgracia de mantener una estrecha relación

con una exboxeador implacable que aterroriza a todos.

Simone, se comporta con una brutalidad irrefrenable,

y con sus caprichos involucra

a Marcelo en una dinámica violenta y angustiosa.

Con una maestría insuperable

en la creación de una agobiante atmósfera,

y unos personajes más reales que la vida misma,

Garrone escribe una fabula bárbara, transcurre en un poblado

con rasgos míticos, regido por leyes propias,

no distinguen lo legal de lo ilegal, la amistad de la rutina,

la lealtad de la sumisión.

No nos cuesta esfuerzo asociar

el nombre de Mateo Garrone al de grandes maestros

del cine italiano.

"Dogman" podría calificarse como nuevo neorrealismo

en su testimonio de una tierra y unas gentes en la penuria.

Dialéctica del bruto contra el débil,

del doberman contra el caniche.

(Música)

El centenario,

además del especial que le dedicamos durante junio,

propiciado un puñado de documentales.

Se concentra en 1957,

momento prolífico y decisivo en la trayectoria del cineasta.

Empezó con el estreno de "El séptimo sello",

y continuó con "Presas salvajes",

y "El umbral de la vida",

películas para televisión

y montajes teatrales y radiofónicos.

La año anterior, el 56,

había estrenado "Sonrisas de una noche de verano".

Le dieron dinero y la posibilidad de hacer otro tipo de producciones.

Era su gran oportunidad de convertirse en el gran icono,

Ingmar Bergman.

Por eso trabajó tan duro ese año.

(Música)

En 1957 empezó a hacer sus películas autobiográficas,

expresó su temor a la muerte, a envejecer y a la soledad.

"Bienvenida a Montparnasse"

nos ha sorprendido por varias razones,

por ser la ópera prima de una joven cineasta,

coautora de un guion fresco,

inteligente, con diálogos frescos y naturales.

También ha sido una grata sorpresa la actriz protagonista.

La directora la descubrió en otra película,

y ganó un premio en la Seminci de Valladolid.

Nos muestra alternativas, una cara tierna y otra salvaje.

Es un personaje fácil, pero indestructible.

Es alguien que puede llorar,

como un animal que se recupera enseguida.

Se cae, pero se levanta al momento, esa es su fuerza.

"Bienvenida a Montparnasse",

cuyo título original es "Mujer joven",

parte de una situación sencilla,

una ruptura amorosa que deja a la protagonista

perdida e insegura, sin amigos ni dinero.

Tendrá que buscarse la vida en un París invernal,

buen anfitrión e inhóspito si estás sola,

sin recursos y sin casa.

Es el retrato de una mujer,

pero me di cuenta de que podía colar vivencias de nuestra generación.

Su pérdida servido de inspiración a esta directora,

se rodeó de un equipo formado solo por mujeres,

lo que enriqueció el rodaje,

y ha logrado una película muy femenina.

"Bienvenida a Montparnasse"

nos habla de la soledad de la gran ciudad,

de salir de la zona de confort, de saltar los baches,

de aprovecharse las situaciones,

madurar y superar las dependencias emocionales, con un personaje

en el que resulta fácil empatizar

gracias a un buen guion y una estupenda actriz.

Es la segunda vez que "Días de cine"

viaja al festival de Tokio.

Un certamen importante donde se pueden ver producciones

del continente asiático.

Es un escaparate para el cine de autor que se hace en Japón,

de ello y de la fascinante ciudad de Tokio

nos habla nuestro compañero en el siguiente reportaje.

Bajo la amenaza del síndrome de la clase turista

cruzamos medio mundo para llegar a la tierra del sol naciente,

y para hacer llevadera las 14 horas,

convertirlos en espacios aéreos en espacios de cine.

Qué mejor película de Siberia que la del maestro japonés,

Akira, que nos espera en destino. Sobre volamos la zona más caliente,

por lo menos, hasta hace poco.

A la derecha, la península de Corea.

Pasamos qué cine se hace en Corea del norte

pero sí el que se hace sobre su líder.

Si quieres la experiencia de zambullirse en el cine negro

con un renovado toque existencialista,

vete a Corea del Sur.

Japón es Japón, una de las culturas más subyugantes y milenarios,

y por supuesto, una de las grandes grandes cinematografías

de la historia.

(Música)

El jurado de la sección oficial,

presidido por el director filipino Mendoza ha distinguido

la película francesa con el premio principal,

y el reconocimiento al mejor guion.

En esa sección descubrimos

a la única película de habla hispana,

la mexicana "Lecciones de historia",

cómo enfrentar la vida

a partir del encuentro de dos mujeres

de diferente edad y condición.

Para nosotros Japón

es el mundo es al revés,

estamos muy contentos

de presentar acá, y es muy interesante

de la reacción del público en este mundo al revés.

La 31 primera edición del festival internacional

de Tokio constituye una primera oportunidad para conocer

del cine asiático y el japonés.

Nos encontramos con una atractiva película que ojalá llegue a España,

hecha por directores debutantes, tres historias con un nexo,

con imágenes bellísimas,

y con la capacidad de observación tan exclusiva del cine oriental.

Fue ella la que tuvo la idea inicial,

estábamos de acuerdo en hacer algo en torno a la idea de viaje,

fue una colaboración, cada uno reaccionó a las ideas de los otros.

Tuvimos la libertad de contar lo que quisimos.

Fue interesante el resultado del proyecto,

las tres películas separadas conectaban de forma organizada.

Esta fue una apuesta del festival desde el principio,

aunque descubrimos una interesante funcionalidad de los festivales.

Empezamos a producir películas en 2016.

Esta es la segunda entrega de la iniciativa,

queremos seguir haciendolo siempre que haya presupuesto.

(HABLA EN INGLÉS)

El total de películas japonesas

producidas al año ronda las 1000,

y muchas de ellas, de bajo presupuesto.

Para los jóvenes cineastas, es más fácil hacer películas,

y para nosotros, tenemos más películas para ver y seleccionar.

Hay sorpresas estupendas, una primera película,

un gran éxito que costó 30.000 dólares,

y lleva recaudado en Japón muchos millones.

Va a ser exhibida en otros países como Francia,

tiene que ver con la propuesta del género zombi

que encierra el propio director,

joven y debutante,

cuenta por qué se ha convertido en un fenómeno.

Se estrenó en dos salas,

se supone que solo iba a estar tres semanas cartelera,

al final lo han visto más de 2 millones en Japón,

nunca me había imaginado un éxito así.

Hay mucha gente que repite, apetece ver más de una vez.

-Habrá gente que crea que el cine japonés no goza de buena salud,

no se exporta mucho, pero cuando estás aquí y les todas las películas

que se hacen,

te das cuenta que en un año se han hecho 15 buenas películas,

entre producciones, cine más comercial, de autor,

así que el cine japonés tiene un buen nivel.

El problema es que son películas que no se importan.

Me gustaría que una película hace estrenarse en Francia,

una película que puede interesar a los cinéfilos,

y no creo que haya una barrera cultural que impide disfrutarla

y la condene quedarse en Japón.

Es la versión de un cómic que describe con crudeza

la juventud japonesa de los 90.

Un periodo muy difícil para Japón.

Explotó la burbuja

y empezó el terrorismo con el ataque de gasolina del metro.

Esta basada en el cómic del mismo título,

que era dibujante del cómic muy famoso en los 90.

Su cómic es un reflejo de la década.

Me marcó mucho, igual que muchos artistas de mi generación.

Esta película de un debutante ha tenido su premio.

Una película que nos enseña qué puede pasar en unos baños públicos

cuando estos se cierran,

visto por el recién llegado joven atribulado que los limpia.

La principal diferencia de los jóvenes cineastas japoneses

es el entorno en que se mueven. Hace una generación,

la normal era aprender bajo la tutela de un director,

ser primer ayudante, y oírte basta con tener cierto gusto

cinematográfico, dominio de la técnica,

y amigos para que salgan en la película.

(Música)

Soy director de película.

La ganadora del premio del público,

para componer una historia universal sobre el paso del tiempo

y sus consecuencias.

Cuando escribes un guion original, tiendes a proyectarte

a ti mismo en la película, pero lo más importante para desarrollar

una historias es comprender

a los demás, o el país en el que vives,

y es importante mostrar a los personajes a través de otros.

Qué mejor para hacer un retrato de los japoneses

dentro de un karaoke. Canciones y copas, van saliendo muchas cosas

que definen el país.

La película trata de unos universitarios japoneses,

la atmósfera es muy japonesa, las relaciones jerárquicas

y la forma de comunicarse es también muy japonesa.

Hablando de algo tan japonés como el karaoke,

volvemos con el señor director del festival,

imposible encontrar un director de un festival tan interactivo.

(Aplausos)

El festival de Tokio siempre trae un invitado de honor

de resonancia internacional.

Esta vez ha sido Ralph,

que ha presentado el biopic del bailarín ruso Nuréyev.

Se llevó el premio a la mejor contribución artística.

La japonesa es una cultura muy bella.

El año pasado honramos la memoria

de un director visitando su tumba.

Volvemos a Kamakura,

ciudad costera donde yacen los restos del gran Akira.

Este señor, haciendo películas,

dio a todos los países amor.

Es un señor muy importante en el mundo del cine.

El año pasado hubo un derrumbamiento,

las rocas y árboles se cayeron.

Entonces, por aquí, por aquí había muchas tumbas,

pero como cayeron estas piedras,

pero solo hasta aquí,

delante de él,

del señor director Akira Kurosawa,

paró, es un milagro.

(Música)

(Canción en inglés)

Hay un Tokio de cine que continuamos explorando.

El impresionante reloj que el maestro de la animación

diseñó para la ciudad de Tokio,

con el que nos invita a soñar con volver al pasado.

El famoso restaurante asociado

con la película de Tarantino "Kill Bill".

Su impresionante decorado fue fuente de inspiración

para una escena de la película de Tarantino.

Nos lo cuenta el metro del restaurante.

No se entiende perfectamente por ser hijo de japones y cubana.

Muy emocionante de poder presenciar

la escenografía de Tarantino. Tarantino se inspiró aquí.

El escenario fue recreado en un set en Shanghai.

Siempre nos quedará Tokio.

Una ciudad tan sorprendente donde uno jamás se siente extraño.

(Canción en inglés)

Esta semana se estrena una película curiosa,

por diferente, alternativa, libra, su título es "Lázaro feliz".

Habla al espectador de gente que vive al margen del sistema.

Ganó el premio del jurado del festival de Cannes.

Su directora es la italiana.

(HABLA EN ITALIANO)

Tras pasar por los festivales de Cannes,

donde ganó el premio del mejor guion,

y Festival de Sitges, se estrena "Lázaro feliz".

Es como una fábula que es parte de una imagen anacrónica

como es la de la liberación de los trabajadores

de una granja que recibían tratamiento de esclavos

a finales del siglo XX.

(HABLA EN ITALIANO)

Se podría pensar que es una historia de realismo mágico,

pero es una historia real,

la historia de la opresión, que se repite en el mundo

en todas partes, en un momento de enorme xenofobia

y racismo mi país, en este momento que estamos viviendo.

El relato te cuento premeditadamente

con la ambigüedad de los tiempos,

se centra en el personaje del título,

un hombre sin malicia, casi como un santo laico,

la imagen de la inocencia y perplejidad,

encarnado por el debutante actor.

Alicia me explicó de vida cómo es este personaje,

porque no hay modo de cómo contar la bondad de un personaje,

me lo explicó paso a paso,

con los pequeños detalles de carácter de este personaje,

que parece fácil, pero tiene muchas capas.

Con su mirada pasmada, casi imposible,

Lázaro recuerda al protagonista

de la película de Vittorio de Sica,

donde guardaba un parecido razonable más allá de lo puramente físico.

El personaje de Lázaro es el del bueno que aparece

siempre en la historia de la literatura y el cine.

Es el espejo de lo que no somos pero podríamos ser.

Alice Rohrwacher se dio a conocer

con "El país de las maravillas", entre el neorrealismo

y un aliento mágico con un retrato de familia alternativa

con mayoría de mujeres.

He crecido sin saber que había desigualdad en el mundo,

porque mis padres han nos han hecho creer a mis hermanas y a mí

que los hombres y las mujeres son iguales, para mí

siempre han sido iguales. De mayor he descubierto

que no es así, la desigualdad ha llegado a mi vida,

pero la desigualdad es milenaria, y lo más importante

es denunciar esa herencia milenaria, y al hacerlo en femenino

no ha podido expresarse. La aproximación

no puede ser el de ya, pobres las mujeres

que no han podido expresarse.

Una mitad de la realidad del transmuta a una dimensión

entre lo picaresco y lo onírico para hablar con originalidad

de los desheredados y supervivientes de esta y otras épocas.

El sevillano Miguel Ángel inauguró las Seminci de Valladolid

con la película de "Tu hijo",

con José Coronado.

La película se convierte en un thriller

que lleva a la venganza en el ADN.

Miguel Ángel Vivas da un paso imagen para abandonar un terreno

en el que se ha movido con seguridad.

Películas algunas de ellas en inglés rodadas con profesionalidad

pero sometidas a esquemas de producción deudores

de un concepto comercial. "Tu hijo" intenta ser otra cosa.

Como si fuese mi primera película.

Es la película más honesta que he hecho.

He encontrado un productor que me ha dejado hacerla

como yo quería.

Aunque pueda discutirse si el resultado

está a la altura de los propósitos, nadie puede negarle

un intento de afirmarse como autor con personalidad.

Trata de enfrentarnos a un grave dilema moral

por un planteamiento de thriller con un acabado musical y formal

que expresa la profundidad de campo para subrayar

la angustia vital del personaje encarnado por José Coronado.

Es un hablar de referentes,

me lleva al hombre perdido en la noche,

con esa luz naturalista, con esa música,

y a partir de ahí, ese hombre equivocado,

ese personaje clásico,

que se mueve a base de convicciones morales,

quería que la estética, la luz, podría contar eso.

José Coronado tiene acreditada su versatilidad

a lo largo de su amplia carrera.

La solvencia de la interpretación no sorprende a nadie.

Coronado es un cirujano casado y padre de dos adolescentes

que trabaja en Sevilla y vive instalado

en una rutina cómoda, pero algo sucede

que introduce una gran angustia su vida.

El año pasado tuve un infarto, y a los cuatro o cinco meses,

alguna etapa de depresión tremenda, de darte cuenta de dónde estabas,

del lo que podía haber pasado y dónde ibas.

Coincidió con la película,

esto es para mí, esta angustia que tiene José, la tengo aquí, Jaime.

Tiene un poquito de ahí.

Hablar de la incomunicación entre padres e hijos,

muestra a estos como grandes desconocidos para sus progenitores

que prácticamente no saben nada de ellos salvo lo muy poco

intrascendente que quieren contarlos.

La reflexión principal que se impone es la de qué haría un padre

ante la tesitura grave que se encuentra el protagonista,

que inicia un camino sin saber dónde la conducirá,

un camino cada vez más oscuro e incierto que le aísla de su mundo.

¿Qué ha pasado, Jaime?

-No está siendo fácil para ninguno.

Miguel Ángel afronta riesgos en paralelo a los de su personaje,

que de abrirse el suelo bajo sus pies.

La deriva mental se acelera

y cuesta trabajo seguirle hasta el punto que alcanza.

La credibilidad es negociable pero en el balance de a su favor

los notables ingredientes estéticos.

¿Usted tiene hijos?

Entonces sabe que eso es imposible.

Vuelve Michael Moore en plena forma con "Farenheit 11/9",

y esa manera inconfundible de hablar de Estados Unidos.

Se centra en Donald Trump

y a través del personaje que gobierna su país,

nos habla de más cosas para entender el estado

de la nación.

Decenas de miles de estadounidenses

se echaron a las calles de Washington

en un último intento por reclamar lo que se le había arrebatado.

Retoma el título de sus documentales describiendo

para describir la era de Bush y el atentado.

Aquello era "Farenheit",

y a horas se estrena como "Farenheit 11/9".

Se centra en Donald Trump.

Plantea algunas preguntas sobre cómo se llegó a esto

contra todo pronóstico y qué posibilidades

hay de cambiar el rumbo de la historia.

Con su eficaz y habitual desparpajo narrativo,

aunque limitando notablemente su carismática presencia

ante la cámara, lo que sin duda se agradece,

desgrana una catalogada de datos que vienen a constatar la frustración

en muchos ciudadanos y su desafección por la clase política

y el sistema democrático,

pasando con facilidad lo general a lo concreto,

centra parte de su discurso en el caso de la ciudad de Flint,

que sufre la contaminación del agua con plomo,

bajo las indiferencias de estas instituciones y representantes.

Sigue ejerciendo la conciencia de Pinocho,

en su nuevo y muy recomendable panfleto

pinta un negro horizonte de inquietantes destellos fascistas

y apuesta por motivos esperanzadores que se me materializan

la movilización de jóvenes.

Soy una madre de Tennessee

nunca había votado, pero voy a votar ahora.

-Gente que no vota...

-Es una de estas marchas te puedes inscribir para votar.

Sabemos que somos la generación que va a expulsar a esa gente.

El personaje creado continúa su andadura,

se ha escrito un cuarto libro,

y se ha llevado la gran pantalla.

El encargado ha sido el uruguayo Fede Álvarez.

La actriz protagonista es una de las actrices del momento.

Hemos estado con ellos en Madrid.

Con el estimulante título

de "Millenium, lo que no te mata, te hace fuerte"

se presenta el siguiente capítulo de una saga destinada

a consolidarse en Hollywood. Hablamos de "Millennium.

La protagonista ha sido interpretado por varias actrices.

Todas han caracterizado con solvencia

diferentes aspectos del personaje,

guiados en cada caso por un director diferente.

Viene de la mano de Fede Álvarez,

pero tiene a sus espaldas una carrera cimentada

por varios hitos

en la serie "Isabel II", o una película más reciente.

Quizás sea esta la entrega que más se nos recuerda

a un James bond femenina, pero ella no está de acuerdo.

Entiendo que es una manera de verla,

como una mujer que adopta un rol prevalente de los hombres

en el cine de acción, pero para mi está más cerca de Jason Bourne,

está escapando de algo pero no sabe de qué.

Con James Bond hay muchas diferencias.

En absoluto de lo que se acerque a una tipología de superhéroe.

Encuentras un personaje complejo como diferente ni realista,

no representa a la perfección de un superhéroe ni habilidades,

ni tampoco tomar la decisión correcta en el momento justo.

Eso no lo representa.

Serie televisiva aparte,

en cuanto a los directores,

encontramos directores efectivos en las primeras entregas

de la película, de producción sueca y aparentemente más fidedigna.

Ahora, más interesante en una narrativa visual,

el que más carácter ha impreso en la película.

El espectáculo más grande posible, pero es algo

que está hecho muy de cerca por mí y por mi equipo.

Sobre todo, donde mete su propio ser en la escritura.

Me permite elegir los temas de los que quiere hablar.

-Alguien tiene que cargar con el dolor. Ahora te toca a ti.

-La protagonista es la culpa que viene de adentro.

Hay algo que sentimos que hicimos y no sabemos qué es,

pero es la que nos amenaza cada vez que alguien está con nosotros,

y se va a revelar la verdad y no vamos a poder vivir con eso

al día siguiente.

Es un director que ha demostrado en el pasado

una fuerte personalidad y poderío.

Su brillante adaptación de "Posesión infernal",

por la sorprendente "No respiras".

Las escenas de amor como si fuese de muerte y al revés.

Esta firmado con más elegancia y de forma romántica.

Ayuda a suavizar cierta evidencia.

(Canción en inglés)

Imaginamos que en esa lista de la protagonista tendría cabida

el tema de esta mujer luchadora que siempre ha hecho buena música

y ha sabido desafiar los dogmas,

así como la música de un artista, Mia, procedente de Sri Lanka,

y es protagonista de uno de los estrenos de la próxima semana.

Nos despedimos con uno de los temas que suena en esa película.

Nos vemos la próxima semana en "Días de cine".

(Música)

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Días de cine - 09/11/18

09 nov 2018

Presentada en el pasado Festival de Sitges por Nicolas Cage llega 'Mandy', un thriller de terror dirigido por Panos Cosmatos; y llegan dos títulos españoles: 'Comandante Arian (Una historia de mujeres, guerra y libertad)', dirigida por Alba Sotorra, que cuenta una historia sobre la emancipación y la libertad en la guerra de Siria; y el documental 'El amor y la muerte: historia de Enrique Granados', de Arantxa Aguirre, ganadora del último Goya al mejor documental y que cuenta con la participación de RTVE.

El espacio de cine de la 2 se asomará también a 'Dogman', lo último de Mateo Garrone, el director de 'Gomorra''Lázaro feliz', un drama italiano sobre la amistad de Alice Rohrwacher; y dos documentales: 'Bergman, su gran año', dirigida por Jane Magnusson; y 'Farenheit 11/9', de Michael Moore.

Completan los estrenos la película francesa 'Bienvenida a Montparnasse' y una nueva entrega de la saga nórdica 'Millenium', 'Millenium: lo que no te mata te hace más fuerte', dirigida por el uruguayo Fede Álvarez.

El Festival de Tokio, que ha celebrado su 31ª edición, las recomendaciones del programa y los preestrenos semanales completan Días de cine.

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