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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 08/03/18 - ver ahora
Transcripción completa

¿Qué tal? Buenas noches, bienvenidos.

En un día en que las mujeres somos protagonistas, muy a nuestro pesar,

"Días de cine" quiere recordar

el papel tan destacado que tiene el cine

a la hora de representarnos. Comenzamos.

(Música)

Hagamos un trato.

Tú me cuentas tus secretos y yo a ti los míos.

Javier Barben y Penélope cruz protagonizan

una película que narra con todo lujo de detalles

la vida del patrón de los narcotraficantes, Pablo Escobar.

¡Stalin ha muerto!

Humor negro, farsa y sátira sobre un hecho histórico,

la lucha por la sucesión de Stalin.

Puntos de vista, ¿no?

Es la semana y el año de la lucha por la igualdad real de las mujeres

y eso también incluye al cine.

(Música)

Disney no podía haber elegido mejor fecha

para estrenar su nueva película de acción real,

"Un pliegue en el tiempo".

Está dirigida y protagonizada por mujeres.

Nos invita a ser guerreras al tiempo que ensalza

valores como la igualdad.

Es un título que se aleja del brillo de otras producciones de Disney

para acercarse a un lado más oscuro.

(Música)

Este es nuestro padre.

¿Podéis ayudarnos a encontrarlo, por favor?

"Un periodo en el tiempo" es la enésima adaptación cinematográfica

de un clásico de la literatura infantil.

En este caso, de la novela homónima

firmada por la escritora Madeleine L'Engle.

La historia de una niña cuyo padre, un reputado físico,

desaparece en el universo.

Yo sé, habla en color.

Oh, ¿de verdad?

Un día, sin una razón demasiado justificada, tampoco hace falta,

aparecen en escena tres extraños seres femeninos

entre los que destacan la actriz Reese Witherspoon y Oprah Winfrey.

Sé una carrera.

Todas ellas vestidas por el ingenio del diseñador español Paco Delgado.

El personaje que interpreto es la señora Cual.

Es lo que comenta la popular presentadora.

Es un ser especial milenario que vive en otra dimensión

y es tan vieja como el tiempo.

Pero se conserva muy bien.

-Tu padre está atrapado por una energía maligna.

-Mi padre está vivo. -¿Y si vamos a buscarlo?

Ella guiará a la niña por el universo en busca de su padre,

atrapado en el lado oscuro de la existencia.

Todo circula por los derroteros de lo simbólico

para construir un paisaje terapéutico.

Mi amor siempre está ahí, aunque no puedas verlo.

Más que entretenimiento de corte fantástico,

estamos ante una especie de película de autoayuda

con voluntad sanadora.

La verdad es que no conocía el libro, pero para mí lo importante

fue oír a la directora decirme:

"Quiero hacer una historia sobre el amor,

y no quiero cambiar la conciencia del mundo".

Su propósito fue el amor, amor, amor, amor,

quería azotar esa campana y que hiciera el mayor ruido posible.

-No uses la desaparición de tu padre como excusa para portarte mal.

-No va a volver, ¿verdad? -No pierdas la esperanza.

-El motivo por el que creemos

que esta película es pertinente en este momento

es porque la gente busca algo que les hable al corazón,

quieren sentir que puede avanzar hacia adelante en sus vidas

y pensar que vamos a estar bien, que yo voy a estar bien,

que todo va estar bien.

Esta película nos recuerda que si puedes estar en contacto

con el guerrero que hay dentro tuyo, como todo irá bien.

-Debes tener fe en quién eres.

Habrá quien conecte más o menos con esta visión positivista

que expresa Oprah Winfrey.

Una visión carente del cinismo propio de nuestra sociedad europea,

pero la película que firma la directora Ava DuVernay

tiene un pulso propio y diferente.

"Un pliego en el tiempo" no es perfecta, es una anomalía.

Pierde el norte en alguna ocasión y se la puede criticar

por su excesivo contenido alegórico,

pero nos deja el deseo franco de ver más de su directora en un futuro.

Siendo hoy un día importante de reivindicación feminista,

subrayamos que la película es de las pocas de género fantástico

claramente realizadas en sintonía con el movimiento

por el tipo de protagonista que tiene

y su manera de relacionarse con el entorno.

(Música)

Si cada cual construye su vida

a base de grandes y pequeñas decisiones,

la de Juliette está condenado al caos,

porque la suya está presidida por la indecisión.

"Historias de una indecisa" es una comedia francesa

que tiene un sentido del humor bastante cuestionable.

No puedo respirar, llama a la ambulancia.

-No te he entendido. -Llama a la ambulancia o al doctor.

-¿Doctor o ambulancia? ¿Eso has dicho?

Juliette, la protagonista de "Historias de una indecisa",

encarnada con mucho entusiasmo por la actriz Alexandra Lamy,

le dice a un hombre con intención de acostarse con él

que ella es la chica más fácil del local.

Convendrán conmigo que, precisamente en un día como hoy,

esta frase chirría un poco, por decirlo con suavidad,

con una sensibilidad feminista.

No, no, es solo cosa de humor.

Para afrontar sus problemas de erección,

Juliette, cuando bebe alcohol, lo supera y puede elegir.

Claro, en el trabajo no se puede beber normalmente,

pero, de hecho, cuando ella bebe, se desinhibe

y dice todo lo que piensa.

-Estoy en el mercado. -¡En el mercado!

-¿Cómo te llamas? -Paul McCallaham.

-¿Estás soltero? -Pues sí.

-Estupendo, tenemos mucho en común.

-No sé quién ha bebido de...

Vale, veo que tu bebes y te comes las obras.

Como un labrador.

El problema es que no es un diálogo aislado.

Esta comedia francesa está atravesada

por un aire de ideas chocantes acerca de la conducta de las mujeres

que homologan su comportamiento con el que se presuponen muchos hombres

y que hoy está francamente muy mal visto en ellos.

No creo que sea una película machista.

A menudo he pensado que la comedia debía hacerse con hombres,

porque es más fácil reír con ellos sin problemas.

En cuanto te ríes con mujeres, puede ser algo mal o peor interpretado.

Creo que más bien yo doy prueba de feminismo

poniendo por delante a Alexandra Lamy como estrella de la película.

-Casi no te reconozco, menos mal que me dijiste lo de la revista,

porque si no no te habría reconocido.

Al margen de estas cuestiones, siempre discutibles,

"Historias de una indecisa" parte de un retrato no demasiado lucido

de una mujer que ha entrado en los 40,

pero parece que aún no ha salido de los 20.

Toda la gracia de la trama reside en su incapacidad

para tomar decisiones.

Buenas noches. No le digas que tengo un problemilla con las decisiones.

-Creo que se percatará enseguida de tu problemilla con las decisiones.

-¿Sabe lo que va a pedir? -No.

-La trilogía tripiante. -Yo también.

(Música)

Llevar a lo absurdo tal punto de partida

para extraer de él la sustancia humorística

no aventura grandes éxitos. Ya se lo advertimos.

Pero la emergencia del humor es un intangible difícil de catalogar

y cualquiera puede reírse de cualquier cosa.

Eso ya lo comprobamos diariamente en el mundo de la política.

Esta es mi madre en el 77. Y la que está en su vientre soy yo.

-¿No quiere saber el sexo? -No, no es eso.

Aún no tengo claro si quiero tenerlo.

Eric Lavaine no pretende ajustarse a situaciones verosímiles, claro está,

ni falta que le hace.

La decisión que tiene que tomar Juliette,

en relación a los dos hombres que acaba de conocer

a través de una aplicación de contactos,

da la medida de una comedia de enredos

que no busca la sonrisa inteligente,

sino la más ramplona comercialidad.

Las tías llevamos 2000 años comportándonos como gilipollas.

Cuando lo dejamos con un tío, nos tomamos nuestro tiempo,

pasamos una especie de duelo, nos da miedo pasar a otra cosa.

-Sí, es verdad.

-Una vez se acaba, nos mandan a tomar por culo.

Y encima follan como cerdos, así que adelante.

Para remate, las secuencias finales,

cuando Juliette por fin debe despejar la ecuación,

porque el filme se acaba, no por otra cosa,

parece cabalmente extraídas de un anuncio de perfume.

Esto último no debe sorprender.

Al fin y al cabo, las comedias románticas simplones,

que es como se denomina a estas tontunas,

pretenden endulzar la vida aún a costa de provocar

hiperglucemia intelectual.

Si te gusta la casquería, nos entenderemos bien.

-También me gustan las fresas.

(Música)

Resulta bastante extraño ver a Helen Mirren protagonizando una de terror,

pero los hermanos Spierig lo han conseguido.

Después de dirigir la última entrega de la saga Saw

y varias películas de terror, ahora llegan con "Winchester".

Está inspirada en una historia fascinante, basada en hechos reales.

Sea o no una leyenda, la mansión Winchester

está entre las más encantadas de Estados Unidos.

Es una gigantesca estructura de siete plantas sin razón aparente.

(Música suspense)

Cada laberinto de pasillos es aún más confuso que el anterior.

Está en permanente construcción.

(Música suspense)

Se construye por orden de una viuda de luto.

Era su manera de protegerse de los espíritus,

que no tuvieran un lugar donde quedarse por toda la eternidad.

Sarah Winchester es la accionista mayoritaria

de la compañía de armas de repetición Winchester

y usted quiere arrebatársela.

-Nos preocupa su cordura, doctor Price.

-Admito que no son Winchester, pero todos son de repetición

y todos disparan.

Este de ser el rifle que deseo.

-No hay dinero suficiente en toda la tribu

con qué pagar este rifle.

-Este es el rifle que deseo.

El Winchester, conocido como el arma que conquistó el oeste,

es un icono en el tiempo al que Anthony Mann

convirtió el protagonista en 1950 en "Winchester 73".

Con el tiempo, se estima que aquel fusil se cobró 8 millones de vidas

y la cifra aún sigue aumentando.

Eso supuso muchos espíritus con ganas de venganza.

Los espíritus,

asesinados por el rifle, me guían.

-¿Te guían a dibujar planos de construcción?

-Sí, cuando sus habitaciones están acabadas,

su presencia se hace más fuerte.

Acusada y perseguida por los fantasmas de aquellos que murieron

por culpa del rifle, Sarah Winchester vivía

en una constante contradicción e intentaba diversificar el negocio.

Construir y añadir habitaciones era su manera

de enfrentarse a la culpa y la muerte.

Se trabajó en su construcción durante 38 años,

las 24 horas al día, siete días a la semana.

La casa puede ser abrumadora.

No se cree nada de esto, lo entiendo.

-Pues no, señora, no me creo nada que no pueda ver o estudiar.

Sarah Winchester y el psiquiatra que debe juzgar su estado mental

libran una batalla entre lo racional y lo espiritual.

Sin embargo, él, enganchado al láudano,

también arrastra sus propios demonios.

Lo noto.

(Música suspense)

En el aire, en las paredes,

este espíritu tiene un poder que no habíamos visto nunca.

Y nos ha encontrado.

"Winchester", la casa que construyeron los espíritus,

no es lo que podía haber sido.

Parte de una historia sugerente

y se queda en una sucesión de tópicos y sustos poco terroríficos.

Casa encantada, niño poseído.

Debemos alabar su ambientación y, sobre todo,

su mensaje antiarmamentístico, cada vez más pertinente,

en un país como Estados Unidos.

(Música)

Carlos Saura es un cineasta que, sobre todo, también es un esteta

y la creación fotográfica y la creación de obra gráfica

en su trayectoria

también tiene una importancia al lado de su creación cinematográfica.

Lo hemos programado, porque había una necesidad

de que la retrospectiva de todo su cine, que son 44 títulos,

y que van a estar a lo largo de dos meses,

de alguna forma también manifestaran

la vertiente de obra gráfica de Carlos Saura.

(Música)

Es en lo que ha estado volcado Carlos Saura

a nivel de obra gráfica durante los últimos 15 años.

Él cuenta que fue la fotografía digital

lo que le permitió realizar este tipo de técnica mixta,

que es utilizar esas fotos que él ha ido sacando

a lo largo de todas las décadas, ¿no?

-No se puede vivir de recuerdos, es absurdo,

hay que vivir en el presente y proyectarse hacia el futuro.

-Él se entretiene mucho pintando sobre ellas

con acrílicos, con cera, con acuarela, con todo tipo de pinturas

y con esa técnica mixta ha llegado a este tipo de resultado

que nos parece, aparte de muy llamativo y muy atractivo,

también nos parece que completa, de alguna forma, esa faceta creativa

que tiene él como cineasta total, que también es escritor,

que también es fotógrafo y que también es pintor.

Y queríamos que todo eso estuviera representado en una retrospectiva.

(Música)

En enero de 1962, Federico Fellini sueña con Picasso.

Es el primero de los cuatro encuentros oníricos

entre el director de cine y el pintor.

Esos y muchos más están en estos libros de los sueños

escritos y dibujados por Fellini durante 30 años

por indicación de su psicoanalista.

El recorrido por la exposición

nos acerca a los temas y obsesiones que Picasso y Fellini compartieron

a lo largo de su carrera.

Ambos artistas mediterráneos sintieron dentro y representaron

el mundo de lo antiguo.

Cuestiones como el circo, eran dos amantes del mundo del circo,

de esa cultura popular de las calles, fuera de los grandes museos.

Están también las mujeres, musas y modelos, terribles y amenazantes,

objetos de deseo o un motivo de adoración.

Es verdaderamente llamativa la coincidencia

entre estos dos grandes genios a pesar de que nunca se conocieron.

Sin embargo, en las obras de uno y otro

se ve una comunión de intereses,

se aprecia una fraternidad, diríamos,

que si hubieran llegado a conocerse, probablemente,

les hubiera acercado de un modo, diríamos, pasional y afectivo.

Como en este documental de Isaki Lacuesta,

donde el cine de Fellini y la obra de Picasso

bailan para celebrar que, por fin, el sueño se ha hecho realidad.

(Música)

La Academia de Cine ha organizado esta exposición,

La realidad imaginada,

Félix Murcia en la dirección artística del cine español,

porque hemos entendido que hay una carencia en demostrar

el trabajo del diseñador artístico en el cine.

(Música)

Félix Murcia, en primer lugar, tiene una obra muy numerosa, importante.

Ha hecho decorados de más de 80 películas,

le avalan cinco Premios Goya, es Premio Nacional de Cinematografía,

pero, sobre todo, representa una generación

dentro de los diseñadores artísticos del cine.

Es un poco la transición

entre los decoradores que trabajaban en estudios

a los actuales que trabajan más sobre la imagen digital.

Uno de los trabajos fundamentales de un director artístico

es la documentación.

Tiene que construir un decorado,

muchas veces que no ha visto y no conoce.

A mí me parecen maravillosos

los decorados de "El perro del hortelano".

El texto de Lope transcurre

en unos palacios napolitanos que no existen.

Entonces, se decide filmar, se decide filmar en unos palacios portugueses.

Y lo que aquí vemos bellísimo

ese canal navegable que aparece en la película,

en realidad, era un camino que él lo llena de agua

con una presa, con unas compuertas y se puede crear esa escena.

-En fin, Teodoro, ¿tú quisieras casarte?

-Yo no quisiera hacer cosas sin tu gusto.

Y créeme que mi ofensa no es tanta como te han dicho,

que bien sabes que con lengua de escorpión

pintan la envidia.

(Música)

Hoy si hablamos de recomendaciones tenemos que mirar a los Oscar.

Bastante previsible todo.

Yo hay dos premios con los que estoy más contenta,

con el de "Una mujer fantástica", Mejor Película de Habla no Inglesa,

y también el de Mejor Guion Adaptado para "Call Me by Your Name".

Pues fíjate tú que tendrá "Una mujer fantástica",

participada por TVE, que fue Premio Somos Cine

en nuestro Premios "Días de cine".

Ya sabíamos que era una excelente película.

Y el premio que dices a James Ivory, James Ivory tiene 89 años,

uno menos de los que han cumplido los Oscar.

Es un guion excelente y un cineasta a recuperar.

Hace tiempo que se ha retirado un poco de la dirección,

pero un excelente guion.

"La forma del agua" y México han sido los triunfadores.

"La forma del agua" y México. Mira, por cierto.

Vamos a poner el huevo para que cuente el tiempo.

"Coco" Mejor Película de Animación, es una película muy bonita,

y Guillermo del Toro que es el tercer cineasta mexicano

que en los últimos 10 años consigue el Oscar,

Mejor Película y Mejor Director

y Mejor Música también para Alexandre Desplat.

Una película, ya sabes que a mí me gusta mucho,

es un cuento inspirado un poco

en lo que podría haber pasado después de "La mujer y el monstruo",

pero también por aquello que decía Marilyn Monroe

en "La tentación vive arriba" y ahí lo dejo.

No sé si hay plagio o no, yo creo que no.

Recomendamos esa película

y otra película preciosa que hay en cartelera

que es una película rusa, "Celestial Camel".

Un cuento en la estepa rusa, una familia que no tiene nada,

un camello albino y una cría de camello.

Una película que se está rodando,

una película preciosa que no se puede contar,

porque es que no hay palabras.

Dejando a un lado los Oscar, lo que no nos cansamos de recomendar

son los Lunes al cine que se pueden disfrutar aquí,

en Cineteca, en la Sala Azcona.

Esta semana hay una cosa muy interesante,

como siempre, por otro lado. La semana que viene.

La semana que viene, Jacinto Esteva,

cuya obra completa fue editada en DVD el año pasado,

y fue Premio "Días de cine" a Mejor Dirección.

Así que el lunes aquí, Jacinto Esteva en Cineteca.

Tres preestrenos Días de Cine para la próxima semana.

Ya las agendas a tope, comenzamos.

No sabemos decir que no, ya sabes.

El martes una película húngara en blanco y negro muy peculiar

sobre el holocausto, el antisemitismo en Hungría.

La película se llama "1945".

Va a estar el director presentando la película.

El martes, dos pesos pesados.

Robert Guédiguian y Ariane Ascaride, su mujer y su musa,

para presentar su nueva película.

A mí me gustó la película.

La vi antes de ir al Festival de San Sebastián.

"La casa junto al mar". Estarán ellos para presentarla

y luego habrá un coloquio. Será en los Cines Golem a las 20:30h.

Y el jueves una película francesa

con Guillaume Canet y con Mélanie Laurent, "Perdido".

Así que que escriban los respectivos mails al correo.

"¡Al abordaje! Piratas en el cine y la televisión".

Esto no se refiere a la gente que nos dirige

en la industria del cine y la televisión,

sino a las películas que se han hecho para cine y televisión

sobre piratas, que es un género maravilloso.

Algunas películas de este género están entre mis favoritas.

¿Con cuál te quedas tú?

"El temido burlón", por ejemplo, que es un películon precioso,

pero "El isla del tesoro" tampoco está nada mal.

Las varias versiones que se hicieron.

Del autor Eduardo Galán Blanco.

Pues hasta aquí la recomendaciones de esta semana, Gerardo,

que tenemos muchas otras cosas que contaros.

(Música)

Llevábamos muchos años esperando, desde que vimos cosas

que nunca creímos que pudiéramos ver.

Aquel universo surgido de Philip K. Dick

pasado por la mirada de Ridley Scott,

ha estado aguardando hasta que Denis Villeneuve

llevó a la pantalla

una de las secuelas más esperadas de la historia.

Es interesante, aunque no imprescindible,

ver los tres cortos que se crearon para hilar

en el mundo del Blade Runner con el de esta continuación.

Y que están disponibles

tanto en la edición de DVD como Blue Ray y en 4K.

Si parecía haber un director capaz de llevar a cabo con éxito

la titánica y casi quijotesca tarea de hacer

una secuela de "Blade Runner"

ese director aparecía ser, sin duda, y Denis Villeneuve,

un tipo que nos acababa de sorprender

con la estupenda "La llegada", que se puso manos a la obra

con la pasión del fan y el buen hacer que se le conoce y reconoce.

(Música)

El mundo replicante ha sufrido algunos cambios,

según nos explican al comienzo de la película.

Ryan Gosling es uno de ellos, de nombre tan kafkiano como es K.

Ya no tienen fecha de caducidad, pero no dejan de ser esclavos

en una tierra moribunda en la que hacen los trabajos sucios

y los que lo son aún mucho más.

Si algo nos gusta de "Blade Runner 2049"

es la reflexión sobre la condición humana,

algo inherente a la propia historia desde que vimos al replicante Roy

enfrentarse con su creador en el "Blade Runner" original.

Los replicantes tienen unos recuerdos tan reales como inducidos

como por otra parte son los nuestros, o sea,

las personas que creemos que somos humanas.

Si algo no acaba de gustarnos en "Blade Runner 2049",

es que el sumo hacedor que interpreta Jared Leto

se nos antoja sobreactuado en demasía.

Por contra, el personaje al que da vida Ana de Armas, Joy,

es un gran hallazgo.

Su porte virtual y vital

del replicante al que da vida a Ryan Gosling,

su nombre es mucho más que un guiño.

(Música)

Tiene "Blade Runner" momentos maravillosos

y alguno que ni se merece ni nos merecemos.

Entre los primeros, esos fantasmas pop del pasado en Las Vegas,

mientras los personajes de Ryan Gosling y Harrison Ford

aclaran algunas dudas sobre qué hacen ahí.

"Blade Runner 2049" es una película fascinante en cualquier caso,

cuyo mayor reto es que en nuestra memoria de replicantes

alguien implantó el recuerdo de una película irrepetible

hace ya varias décadas.

Objeto de coleccionistas en cualquier caso,

ya sea en las ediciones normales, en DVD como en Blue Ray,

en Blue Ray 3D o Ultra HD, en 4K,

por no hablar de esa edición espiritual que lo tiene todo,

pistolón cazarreplicantes incluido.

(Canción en inglés)

Y de un mundo de replicantes al mundo felino

que retrata maravillosamente bien "Kedi",

un documental que nos muestra el deambular vital

en la ciudad de Estambul

de una serie de gatos que son la representación

de los cientos de miles de gatos que parecen haber tomado la ciudad

desde que la memoria de Estambul, puente entre Oriente y Occidente,

se pierde en el origen de los tiempos.

(Música)

Dicen que alguien dijo en una ocasión

que Dios crea a los gatos para que los hombres

pudieran acariciar a un tigre.

Hoy una frase así tendría que matizarse.

Ni todo el mundo es creyente ni las mujeres tienen por qué renunciar

a acariciar también a un tigre.

Pero que los gatos son unos seres fascinantes

da buena fe este documental, "Kedi: gatos de Estambul",

para amantes de los gatos y nos atrevemos a suponer

para aquellos que aún no sepan que lo son.

Hace una semana, el director alemán de origen turco, Fatih Akin,

quiso estar en Madrid para preestrenar con "Días de cine"

su nuevo trabajo, "En la sombra".

Globo de Oro a la Mejor Película de Habla no Inglesa

y ya aprovechamos para preguntarle por su secuencia preferida

de la historia del cine. Eligió una película turca.

Una de las escenas más espectaculares y duras

que jamás he visto en el cine es una de una película

del director Ylmaz Güney, "Yol".

Es una escena, hacia el final de la película,

en la que Tarik Akan tiene que cargar con su mujer enferma en la nieve.

Se está muriendo porque está enferma, no tiene suficiente ropa.

Hace mucho frío, no puede andar.

La esposa le ha traicionado y debe ser castigada.

Por eso camino por la nieve junto a él y a su hijo.

La mujer se cae, pero él no puede dejarla ahí.

Quiere castigarla, pero no puede dejarla, porque todavía la quiere.

El hijo también quiere castigar a la madre,

pero tampoco puede.

Es el padre el que tiene que hacer algo

y acaba cargando con su mujer a cuestas.

Camina por la nieve con ella y la mujer muere sobre sus hombros.

La vi cuando era niño y ahora que lo estoy contando

me vuelve a poner los pelos de punta.

Puedo ver la escena una y otra vez

y siempre siento el mismo impacto.

Cuando vi por primera vez la película, tenía 12 años.

(Música)

A pesar de los intentos del Ministerio de Cultura ruso

por evitar su distribución internacional,

"La muerte de Stalin" llega este fin de semana a la cartelera española.

La sátira sobre las luchas de poder en los días previos

al funeral de Stalin en 1953

han sido tomadas por la administración de Vladimir Putin

como una provocación planificada y dice que lo que intenta es

generar revueltas en Rusia.

Hace unos años, el guionista Fabien Nury

y el dibujante Thierry Robin decidieron

plasmar en sendas novelas gráficas

un capítulo clave de la historia de la Unión Soviética,

la muerte de Joseph Stalin

y las circunstancias que rodearon su funeral.

Y para ello combinaron una profunda labor de documentación

con su imaginación.

El resultado fue una oscura ficción histórica

donde la ironía y el humor convivían con el horror.

(Música)

¿Investigamos?

-Cierra esa puta boca antes de que nos maten a los dos.

Las productoras francesas Yann Zenou y Laurent Zeitoun,

responsables de éxitos como "Intocable" o "Ces't la vie",

compraron los derechos ya con un nombre en la cabeza,

el de Armando Iannucci, un maestro de la farsa

que considera que la crítica mirada de los cómicos

nos ha convertido en una especie

de nuevos periodistas de nuestra realidad.

Iannucci ya había dado pruebas de su mordaz sentido del humor

y de su aguda inteligencia en series televisivas

como "The Thick of It" y "Veep" en las cuales despellejaba

a la clase política angloamericana de alto nivel.

¿Así que la guerra es imprevisible, señor ministro?

Para el avión que va entre la niebla, la montaña es imprevisible.

(RADIO) "Pero de pronto se convierte en algo muy real".

Imprevisible...

Basándose en la primera de ellas, dirigió su primer largometraje:

"In the loop", una sátira feroz

sobre los comienzos de la Guerra de Irak

en la que de nuevo los responsables del devenir mundial

y su legión de acólitos se caracterizaban

por su egocentrismo, cinismo e incompetencia.

Y las guerras a veces salen bien.

-¡Pum! -Stalin ha muerto.

-Ha muerto... -¡Stalin ha muerto!

Quiero decir unas palabras en el funeral de mi padre.

No... hay problema.

Técnicamente sí, pero ya...

Al decir "No... hay problema" quería decir: "Hay problemas".

(SUSPIRA) Ignórenme.

En "La muerte de Stalin", Iannucci se ha sentido como pez en el agua

en este oscuro océano de intrigas

donde el valor de la vida humana es igual a cero.

-Comienza la carrera.

Tenemos que empezar a definir el plan.

¿Cómo puede correr y conspirar a la vez?

Dispárale a ella antes que a él. Y que él mire.

Mátalo, llévalo a su iglesia y déjalo en el altar.

El resto te lo dejo a tu gusto.

Un imperio del terror en que está en juego

el liderazgo de la URSS una vez Stalin ha desaparecido.

Khrushchev, Malenkov, Beria, Molotov y el mariscal Zhukov,

entre muchos otros,

muestran el lado más perverso de su personalidad.

-Necesito tu ayuda. -Voy a tener que informar de esto.

Amenazar u obstaculizar a algún miembro del Presidium

en el proceso... (RÍE) ¡Mira qué cara pone!

Me follé a Alemania,

creo que puedo follarme a una puta bola de sebo con chaleco.

Es precisamente esta visión negra, muy negra,

de algunos líderes de su pasado lo que levanta ampollas en Rusia.

El Ministerio de Cultura prohibió el estreno

de "La muerte de Stalin" pero, aun así,

un cine se atrevió a proyectarla con la sala abarrotada.

Hasta que la policía irrumpió en el local.

Me cago en la puta, ¿Coco Chanel te ha cagado en la cabeza?

No, no ha sido ella.

Para Iannucci, el reto era hacer creíble

una película cómica en un contexto tan trágico.

Algo en lo que el genial Lubitsch obtuvo matrícula de honor.

¡"Heil Hitler"!

"Heil" a mí mismo.

"La muerte de Stalin" no es "Ser o no ser" ni lo pretende.

No es una obra maestra,

pero sí una película valiente, corrosiva y a ratos incómoda.

Resulta muy divertida, pero nos congela la sangre

cuando, bajo la farsa, atisbamos el horror.

Y desde luego resulta imprescindible destacar uno de los puntos fuertes

de Iannucci como director: la excelente elección de actores.

El reparto de "La muerte de Stalin", con un soberbio Steve Buscemi,

ofrece una magistral lección de interpretación.

Nadie va a morir aquí, se lo prometo.

Es solo una emergencia musical.

(Música)

Hoy se celebra, como sabéis, el Día Internacional de la Mujer

y en el programa hemos querido analizar

cómo el cine nos ha retratado a lo largo de los años.

Para ello hemos recurrido a los testimonios

de una serie de cineastas mujeres

que saben lo que es trabajar dentro de una industria

donde ellos siguen siendo mayoría.

La única contradicción de este reportaje

es que quien lo firma es un hombre.

(Música)

Y sin embargo nuestro propósito es dar voz y visibilidad

a las mujeres relacionadas con el mundo del cine.

Afortunadamente, no tienen el mismo discurso

y hay variedad de puntos de vista.

Aunque sí hay líneas rojas indiscutibles,

como una mayor y más equitativa presencia profesional.

Sin necesidad de gritar, sí hay que tener más constancia

y más exigencia en ese sentido.

Porque las mujeres tenemos mucho que contar,

somos la mitad de la población mundial.

Y tenemos, por lo menos, que contar la mitad

de lo que sucede en el mundo y en nuestros corazones.

Laura Mulvey, veterana cineasta situada en la vanguardia,

teórica y feminista británica,

invitada de honor en la última edición de Filmadrid,

habló para "Días de cine" el verano pasado

sobre su gran pasión: el cine clásico

y cómo determinados estereotipos se imponían

aunque hubiera también gozosos ejemplos

que sacaban al rol de la mujer de su habitual encasillamiento.

(HABLA EN INGLÉS)

Obviamente, mi interés por el cine de Hollywood

se vio condicionado por el feminismo.

El melodrama era un género hecho para el público femenino.

A menudo eran condescendientes, sensacionalistas y vulgares.

Sin embargo, como feminista que adoraba Hollywood,

encontré un terreno fértil en el cine de Douglas Sirk.

Empecé a pensar que eran películas interesantes

tanto por su contenido como por su forma.

Películas sobre las mujeres y sobre cómo se silenciaba su voz.

Es decir, sobre campos enteros de la vida humana

sobre los que no se producían imágenes.

(Música)

Pensando en el "star system"

y en la forma en que las películas de Hollywood

se negaban a exponer al protagonista masculino

a la mirada del espectador, que era objetificante y feminizante,

como todos sabemos por la experiencia de Rodolfo Valentino en los años 20,

que era un objeto para la mirada femenina,

para consternación del espectador masculino.

Así que, en cierto sentido, a veces pienso en Rodolfo Valentino

como el que inoculó el virus al cine americano.

Le enseñó que era peligroso visibilizar al hombre bello.

Pero a la vez, naturalmente, era inevitable dejar ver esa belleza.

Así que para compensarlo

el varón tenía que estar del lado de la acción.

Controlar la acción, controlar la violencia,

y en particular, distraer de sí mismo la mirada objetificante

y redirigirla hacia la mujer como espectáculo bello,

canalizando así la mirada del espectador en el cine

hacia la mujer.

El punto crucial de mi argumento era que esto estaba inscrito

en el lenguaje del cine, no dependía de cada espectador.

Yo por ejemplo, como mujer,

miraba a Robert Mitchum o a Humphrey Bogart

como si yo misma fuese un hombre.

Ese cine que tanto había amado lo empecé a ver con otros ojos

cuando me topé con el feminismo.

Tuve que descubrir otra relación con él

que consistía en analizarlo en vez de absorberlo sin más.

(Música)

En la pasada Berlinale,

donde subrayamos la importante contribución de mujeres

que traían sus películas,

hablamos con ellas sobre este asunto.

Ver a una mujer en una posición de dirección

es algo que todavía hay que convencer a la gente

que una puede dirigir obras de teatro,

películas, un país...

El movimiento que se está generando en torno a esta reivindicación

se refleja en cosas concretas.

Y entre ellas, por lo que a mí respecta,

que haya ficciones con personajes femeninos interesantes,

diferentes, reales, fantasiosos...

Lo que quieras, pero que las haya.

Sí que es cierto que me gustaría que esa moda trascendiese un poco más

y la visibilidad fuera real y mayor.

Porque estamos ahí todo el tiempo.

En las escuelas de cine

es muy equitativo el porcentaje de hombres y de mujeres.

Y después, en el mundo laboral, no es así.

Y eso nos da un poco que pensar.

La diferencia entre mujeres en la universidad

y mujeres en el ámbito laboral.

Entonces, yo creo que aquí hay un tema

de la sensación de capacidades y de los referentes.

Si en la universidad solo se habla de directores megalómanos

te están dando el mensaje subliminal:

"Como tú no tienes pito y no eres un dictador,

no te vas a ganar la vida dirigiendo".

A propósito de esta realidad inapelable,

¿cómo es que en las escuelas de cine

hay tantas mujeres como hombres o más,

y esta proporción no se refleja en el ambiente laboral?

Hemos preguntado a María del Puy Alvarado,

reciente Goya al mejor cortometraje por "Madre"

y preparando en la actualidad como productora

su versión de largometraje junto a Rodrigo Sorogoyen.

Además, María es también profesora

en la facultad de Ciencias de la Información

de la Complutense de Madrid.

Es interesante cómo hay muchas más mujeres que hombres

matriculadas en la facultad de Ciencias de la Información

y cómo, además, suelen sacar mejores notas.

Hay muchísimos factores.

Está el factor cultural, el factor social,

el famoso techo de cristal.

Pero que es un techo de cristal de verdad, que nos encontramos.

Y hay un tema muy importante: el tema de referentes.

La teoría del espejo.

Creo que necesitas poder reflejarte en un espejo, tener referentes.

Decir: "Voy a ser como...

...la directora de foto nominada a los Óscar este año".

Si no hay referentes, en cierto modo,

tú crees que no puedes llegar ahí, y eso es muy importante.

Yo creo que es una teoría sobre la que hay muchos estudios

y sucede en todos los ámbitos.

Por eso es tan importante que poco a poco

vayan saliendo mujeres pioneras

que sirvan para que las generaciones jóvenes digan:

"Yo puedo. Quiero ser como ella".

A Meritxell Colell le preguntamos si considera adecuado imponer cuotas

y esto nos dijo.

No tengo una posición muy clara sobre esto.

Sí creo que es muy importante que esto no...

Cuando se habla de "cine de mujeres" hay el peligro de que se convierta

en una etiqueta o casi en una moda.

Algo tipo "Me too", que empieza como una reivindicación

y puede acabar siendo simplificada o banalizada.

En este sentido, sí que creo que es muy importante cuidar la paridad

no tanto en cuotas,

sino desde el inicio de un proyecto hasta la exhibición

que haya presencia no solo femenina y masculina

sino en una diversidad de gustos y criterios.

Para poder acercarnos al máximo a esa pluralidad

deseable en todo arte.

Desde aquí nos unimos a esas voces que reclaman

más participación creativa y autoral de mujeres cineastas.

Sin duda, el cine se verá beneficiado por ello.

(Música)

Siguiendo la senda de clásicos

donde el hombre se enfrenta a una naturaleza extrema,

como "Dersu Uzala" o "El oso",

Samu Fuentes debuta en la dirección con "Bajo la piel de lobo".

Todo un reto porque ha tenido que rodar en lugares muy complicados

con condiciones climatológicas adversas

y el resultado ha sido una película en la que la trama avanza

a golpe de sentimientos.

Está protagonizada por Mario Casas.

-"Bajo la piel de lobo" cuenta la historia

de un cazador, de un alimañero en la época,

en los años 20 o 30 que cazaban, comercializaban con pieles.

Y dos veces al año, antes de la primavera y después,

bajaban y las comercializaban con la gente del pueblo.

-Cinco lobos y tres lobeznos.

59 monedas.

No sé si tengo tanto dinero aquí.

Hablamos de un tipo de unos 40 años que vive solo, no tiene familia.

Y en una de esas veces que baja, uno de los del pueblo le dice

que por qué no tiene un hijo, quién se quedará con lo de arriba.

Y le mete el gusanillo,

y una de esas veces que baja compra a estas dos mujeres.

Al entrar en contacto con una de las mujeres,

se da en la película, se replantea su situación

de lobo solitario apartado de la manada.

O intentar abrirse un poco a su lado humano.

-Marcho.

Si entras en las casas ve con cuidado.

En esta época puede haber víboras.

En líneas generales, es una película que habla

sobre la condición humana

y sobre que el hombre es un lobo para el hombre.

Y la naturaleza y el instinto de supervivencia...

Y también tiene una cosa de cómo el hombre intenta someter

todo lo que...

Donde pone la mano, intenta someterlo.

(Puerta se abre)

(Puerta se cierra)

Habla de la lucha de la mujer en esa época y cómo sobrevivían.

Al final, que te puedan comprar,

llevar a una cárcel en un campo donde no hay nada,

y tener que luchar por tu vida

porque un hombre, en este caso, es un animal

y te está colocando en un sitio donde te trata como a un animal

y no está educado,

entonces Irene sí tengo que decir que como mujer luchó mucho.

En el caso de mi personaje, de la necesidad de libertad.

De la búsqueda de libertad.

Y más siendo una mujer en esa época,

creo que eso es algo muy destacable.

En el guion había muy pocos diálogos.

En rodaje quitamos más diálogos, y en montaje quitamos aún más.

Intentamos una película que no sea muy verbalizada al espectador.

La apuesta está en que el espectador sienta la película.

(SE QUEJA)

Sugiere más de lo que se dice, es el subtexto.

Aquí aparece el subtexto continuamente

y no necesitas las palabras.

-Yo lo hubiese dejado que ni hubiese hablado el personaje.

Completamente mudo.

Me parece que era lo más interesante para mí

porque me parece que el confiar en un guion donde no hay texto,

es la naturaleza.

La naturaleza en esta película o lo animal es otro protagonista

y me parece muy interesante

que esa naturaleza o ese sonido que tiene la peli hable por sí solo.

La naturaleza es un personaje más, está clarísimo.

Tanto la naturaleza como la climatología.

Teníamos que encontrar muy bien esos sitios.

Una parte está en Asturias, que yo conozco bastante bien.

Soy de allí.

Y tenía muy claro dónde encontrar cosas que necesitábamos.

Y la otra parte, necesitábamos nieve en la historia,

la zona que vimos y nos gustó mucho, y estuve localizando ahí también

era Huesca, en la zona de Ordesa.

Y lo de dominar la naturaleza, imposible.

De eso va un poco la historia también.

El personaje que vive en ese medio tan difícil.

Si nos pasa algo, si enfermas o te ocurre algo cazando, ¿qué?

Aquí se aprende a sobrevivir sin darte cuenta.

Ya lo verás.

Además, ahora ya no estoy solo.

-Fue muy interesante conocer al cazador, a Manolo.

Tuve la oportunidad de convivir con él y con Samu

dos o tres días en la montaña, un tipo real

que solo bajaba en la época una vez al año.

Para mí, cuando conocí a Manolo, era la mirada.

La mirada era pura.

Mi personaje está mucho más manchado por la sociedad,

pero era alguien puro.

Y la sonrisa que tenía... No estaba infectado por nada.

-En un principio yo no había pensado en Mario.

Pero nos lo propusieron y hablamos.

A Mario le enviamos el guion y en dos días respondió:

"Yo quiero hacer ese papel".

Me parece muy valiente por su parte

arriesgar con este papel.

Me parece que en ese riesgo está la carrera de un actor

y el convertirte en alguien grande o que por lo menos se ha arriesgado.

Y esta profesión es eso.

Uno va a tropezar y es donde va a aprender

y donde vas a crear personajes distintos.

En la madurez del actor creo que está la madurez como persona

y poder contar después historias.

(Disparo)

(Quejido animal)

(Música)

Yo creo que "Familia" es un túnel de pruebas para una familia.

En un solo día se le hace...

Un poco porque ese personaje así lo busca.

Se le hace experimenta a una familia una serie de pruebas

equivalentes a 40 años de vida en familia.

Y se trata de ver la resistencia de la institución en general

y de esta familia concreta.

(Música)

Han pasado 25 años de su muerte

y Pablo Escobar parece estar más vivo que nunca en la ficción.

El último en quedar fascinado por el capo de la droga colombiano

ha sido Fernando León de Aranoa.

Cuenta Javier Bardem que el director le pidió que trabajase el personaje

desde la energía de un hipopótamo:

aparentemente tranquila pero arrolladora.

-Ahí está.

Creo que hemos trabajado arduamente el tema de los acentos.

Y sí, evidentemente,

los 5 o 10 primeros minutos te choca, pero yo creo,

eso lo tendréis que decir vosotros, evidentemente,

que luego entras en la película,

te interesa la historia, los personajes,

y entras en la narración.

Gracias, Javier. Gracias, Julieth. Gracias, Fernando.

Mucho éxito.

Después de presentarse en Venecia

y pasar por San Sebastián en su sección Perlas,

se estrena ahora "Loving Pablo",

un contundente y convincente retrato de Pablo Escobar,

el capo del narcotráfico colombiano,

dirigido por Fernando León de Aranoa y encarnado, nunca mejor dicho,

por Javier Bardem en estado de gracia.

A partir del relato autobiográfico de la periodista Virginia Vallejo,

que fue su amante, a la que da vida Penélope Cruz.

-Es la narradora de la historia.

Pero a la vez nos brinda los momentos de mayor intimidad

con Pablo Escobar.

Tiene esa doble función en la película.

Por un lado, darnos el plano general,

la situación casi política en el momento, en Colombia.

Lo que pasó después de la irrupción de Pablo.

Y a la vez los momentos más terribles porque son los más cercanos a él.

La historia se cuenta a través de sus ojos.

Me pareció siempre un personaje muy interesante.

No nos parecemos en nada.

Empieza siendo una mujer y acaba siendo otra diferente.

Es un personaje con muchos colores, muchas capas,

muy complejo.

A mí me faltaba quizás algo más de intimidad

en los otros Escobares.

Y aquí hemos puesto el foco en eso.

Porque es ahí, en esa distancia corta,

donde reconocemos el monstruo: en el abuso de su poder.

Con su familia, con su amante en este caso,

y con el uso que hace de todo para su propio beneficio.

"Loving Pablo" se extiende a lo largo de una década

para contar la ascensión y caída de este personaje todopoderoso,

egocéntrico, arrogante, desmesuradamente violento,

patológicamente ambicioso,

que logró expandir sus negocios a prácticamente todo el mundo,

sirviéndose de todo tipo de resortes,

incluido el Parlamento de su propio país.

Me pareció siempre asombroso.

Muy terrible pero asombroso también lo que pasó en Colombia.

Por su desmesura,

por la escala desproporcionada que adquirió todo, la violencia...

Y no solo la violencia, el ángulo criminal,

también influyó en la vida política del país

y de toda Latinoamérica, incluso de EE.UU.

Afectó a la política exterior de EE.UU.

Me parecía una historia tremenda que había que contar.

-¡Dios bendiga al patrón! -¡Dios bendiga al patrón!

Cuando rodábamos en Colombia mucha gente se quejaba

de que se había glamurizado mucho el asunto, el personaje de Escobar,

con otros trabajos, otras propuestas, otros acercamientos.

Y que incluso los niños querían ser Escobar.

Eso hay que pararlo, es peligrosísimo, es terrible.

Y en esta distancia corta hemos querido todo lo contrario:

Reconocer el monstruo.

Y también la fascinación por ese monstruo, que debe estar.

Porque si no hubiese fascinación nunca se hubiese creado ese monstruo.

(Conversación lejana)

¿Están decidiendo o qué?

Eso creen.

Fernando León de Aranoa supera con notable alto

el reto de una producción exponencialmente mayor

a lo que había venido manejando hasta ahora.

(HABLA EN INGLÉS)

Manteniendo un sobresaliente equilibrio

entre la parafernalia de la espectacularidad

y la intensidad del intimismo.

¡Vamos, vamos, vamos! ¡Corran, corran, corran!

(Claxon)

¡Putos pirados!

Apoyándose sobre todo en el deslumbrante trabajo

de sus dos protagonistas,

que coinciden por tercera vez ante la cámara.

-No es un loco. No, no.

Es un tío muy consciente de lo que está haciendo.

Pero aun así sigue haciéndolo

porque se siente con el derecho de seguir haciéndolo.

Y esa es la parte peligrosa y que da más miedo.

(Helicóptero)

-Ave María. Ave María...

Javier Bardem y Fernando León se reencuentran

después de la ya lejana "Los lunes al sol".

Buenas noches, señores y señoras.

Bienvenidos a "Adivine quién es el más capullo que conozco".

Esta noche la cosa está muy reñida.

A mi izquierda, con una chaqueta de cuadros pasada de moda,

Paulino Rivas, parado de 80 kilos de peso.

Y a mi derecha, bastante capullo también,

el campeón de la semana pasada: José Suárez. Un aplauso.

El cineasta ha protagonizado una evolución evidente

en la que aparece haber atenuado

sus rasgos autorales más reconocibles.

Como su capacidad para estilizar determinada realidad social

o su habilidad para los diálogos irónicos y mordaces.

Para poner su incontestable oficio y su precisión narrativa

al servicio de lo que quiere contar.

¿Oyeron?

Cuando escribes una historia,

como en este caso eres tú el que se mete en ese universo,

se lee toda la documentación a mano sobre Pablo Escobar

y construye una historia, su visión de ese Pablo Escobar

en el texto.

Al final es eso, tu visión.

Creo que eso es indisociable,

la autoría de cuando uno hace una película.

(Música)

(Ruido de máquinas)

(Música)

Ahí veíamos a Sally Field en la piel de Norma Rae,

un papel por el que ganó el Óscar a la mejor actriz en 1997,

y con mujeres que abrieron camino, fuertes, luchadoras, trabajadoras,

vamos a terminar el programa de hoy.

Para eso recurrimos a una película estrenada hace ya 18 años

y dirigida por Lars Von Trier.

Cómo no recordar "Bailar en la oscuridad",

protagonizada por la gran Björk.

La secuencia que hemos elegido para despedir el programa

es aquella en la que la cantante crea música a partir del sonido

que producen las máquinas de aquella fábrica

en la que trabaja de forma miserable.

Volvemos dentro de siete días.

Os esperamos aquí, en "Días de cine".

(Ruido de máquinas)

(Música)

(IMITA SONIDOS)

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Días de cine - 08/03/18

08 mar 2018

Con ‘La forma del agua’ como mejor película en la 90ª edición de los Oscar y Guillermo del Toro con el tercer Oscar a la mejor dirección para un mexicano en los últimos diez años arranca esta semana ‘Días de Cine’. Una edición que ofrecerá un reportaje sobre cómo el cine ha reflejado a la mujer y cuál es su presencia en la industria, y que también repasará los estrenos más destacados de la semana, entre ellos, dos títulos españoles participados por RTVE: ‘Loving Pablo’ y ‘Bajo la piel de lobo’.

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