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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 04/10/19 - ver ahora
Transcripción completa

Soy Daniel Monzón, esto es "Días de cine".

Hacía 25 años que no decía esto, pero como si fuera ayer.

(Música)

¿Te acuerdas de mí?, Germán Areta.

El detective más famoso del cine español.

Un documental de obligado visionado

para cualquier aficionado a la música,

y de Aretha Franklin en particular.

Joaquin Phoenix ha revolucionado el mundo

con el más carismático de los villanos.

(Música)

Es curioso cómo la claqueta

es uno de los elementos que se identifican

siempre con lo cinematográfico,

pero cuando ruedas, sobre todo tu primera película,

hacer esto por primera vez te da un subidón impresionante.

Yo guardo todas las claquetas de todas mis películas

como trofeos de haberlas hecho.

Simboliza y contiene toda la experiencia de la película.

En cada una de las tomas hemos hecho así,

y es como si contuviera toda la energía que tú has desplegado,

que un equipo desplegado estar en la claqueta,

con el nombre de la claqueta, tu nombre,

el del operador... Acción, amigos.

(Música)

(Música)

José Luis, te quiero,

gracias por darme esta oportunidad,

por este nuevo Germán Areta,

te debo un Martini, por supuesto.

(Aplausos)

-Te acuerdas de mi, Germán Areta.

José Luis Garci se da un baño de clasicismo

en su nueva película.

No podía ser de otra manera.

A estas alturas del metraje,

con la edad que tengo,

sería muy difícil que todos los planos no fueran otoñales.

Sería complicado, algo pasaría.

-La policía no nos permite investigar delitos de sangre.

-Pero la policía ha dicho que es un suicidio.

-Y esa especie de tiempo perdido,

sería más justo decir en busca del tiempo aprendido.

-Veo que tenía razón.

Y que es usted un profesional extraordinario.

"El crack cero" es la precuela de "El crack".

Un luminoso blanco y negro sustituye al color de sus predecesoras.

Nos vamos a 1975,

asistimos al inicio de esta mítica agencia.

Escribirías una historia de amor con lo que me acabas de contar.

Intenté hacer películas policiacas,

y vamos a ver una película negra, no existía.

Me gustaba mucho hacer un wéstern, no lo sepa.

Me hubiera gustado hacer un wéstern como "Raíces profundas".

-Quiero saber si hay otro hombre.

-Necesito un tipo que quiera hacer un trabajo sucio.

Han pasado 36 años

desde las primeras aventuras del detective Germán Areta.

Sobre todo a la derecha.

-Va muy bien de izquierda, valiente.

Hace falta saber si tiene pegada.

Los actores Carlos Santos y Miguel Ángel Muñoz,

soberbios en sus interpretaciones,

sustituyen a Alfredo Landa y Miguel Rellán, respectivamente.

Necesito alguien de confianza que me eche una mano.

-Hago lo que tú mi digas, aunque esté cagando.

-No se viene a imitar a nadie,

los personajes están ahí.

Su esencia está en el texto.

-Cuando le preguntas a alguien por muerto,

lo importante no es lo que diga, sino lo que no te diga.

-Aceptar el encargo,

y dar lo mejor para que el maestro Garci esté contento.

-La investigación es como la política,

el que no está contigo, está contra ti.

-He intentado, en esa especie de...

Esa especie de planificación otoñal,

como te digo, es que la película fuera confortable.

Es que la película

fuera como esas que muchas veces hemos visto tú y yo,

y que te echa los brazos al cuello. -Es un campeón.

-Venga.

-Lo he intentado muchas veces, muchas películas.

Yo no sé si te sale o no te sale,

porque cuando tú pegas,

es cuando te das cuenta de si funciona o no.

Yo tenía el hándicap de no trabajar con la gente

que he tenido la suerte

de que me acompañaron en 30 o 40 años.

Mateos...

-No es policía, ¿verdad? -No, soy detective.

¿Qué significa?

Lo que hace no es oficial. -Exacto.

Patricia Vico, María Cantoral, y Macarena Gómez.

Es absorber su energía,

y entras en el año 75.

No hace falta más.

-Hay veces que la tormenta te pilla justo debajo.

José Luis Garci llena de emoción,

melancolía y nostalgia "El crack cero",

una película llevada a cabo desde el amor,

a una época y al final de esa época.

Arrastro una nostalgia sobre todo de cosas no vividas.

Esa vida de repuesto que eran las películas para mí,

para mucha gente de mi generación,

te transmitirán algo,

una especie de tristeza por un mundo inalcanzable,

pero que tú creías que existía.

Cuando han pasado los años,

El mundo cinematográfico tan real...

-Hace más de 50 años, lo decía Valle-Inclán:

"En España solo se premia lo malo,

es una costumbre muy arraigada, y no va a cambiar nunca".

-Mi película favorita de la historia del cine, es imposible,

son tantas y tantas...

Esta película me cambió la vida.

(Música)

Después de inaugurar la sección en el reciente festival

de San Sebastián,

se estrena en salas el documental "Varados", de Helena Taberna.

Una mirada atenta y sensible al fenómeno de los refugiados

que arriesgan la vida en aguas del Mediterráneo,

huyendo de la guerra y de situaciones de extrema necesidad.

En realidad,

surge de una conversación con un amigo

que me pide que apoyase

con una intervención ese proyecto,

ONG que da comida a los refugiados. Empezaron con una cosa anecdótica,

dar un caldo o a los pobres, dan 1700 comidas.

Ha sido una película de riesgo en el sentido estricto,

porque no podíamos entrar en los campos de refugiados.

El tema no es nuevo para la directora,

se arriesgó a un grupo de mujeres

emigrantes que trataban de lanzarse a una nueva forma de vida. Mosaico

de rostros, biografías y culturas que ha ablandado a los síntomas

de un fenómeno que no hace más que crecer y empeorar.

No me importa que me llamen negra, soy negra.

-Es otra cosa, pero es la misma,

cómo vamos a construir las sociedades del futuro,

de "Extranjeras" a ahora,

aviso para navegantes, para poner el foco ahí...

Lo que me interesaba no era las grandes noticias,

los grandes eventos,

sino ver cómo viven unos seres humanos que están entre el cielo

y la tierra sin saber lo que va a ser de sus vidas,

en una cárcel sin condena.

Yo siempre quise hacer una historia de personajes,

me parece que la multitud nos aísla de la empatía

que un personaje concreto genera,

la función de espejo que yo quería que produjese.

Mohammed, en su silla de ruedas,

y el boxeador, el contraste me parecía magnífico,

representaba la fuerza física de la fuerza intelectual.

Vas descubriendo la ternura,

cómo se preocupa, y cómo va generando esperanza a través

de esa capacidad de supervivencia, del apoyo entre ellos.

(Música)

28 años después del primer "Días de cine",

por eso está Daniel Monzón

con nosotros, os recomendamos cine en salas.

Esta semana dos películas que jugando con las relaciones

hombre mujer cuenta mucho de la realidad desde los países

que tienen lugar esas películas.

A través de una relación de diferentes religiones y países...

-A través de la relación

entre el señor de la casa y la criada,

muestra el sistema de castas en India.

Esta semana el festival

conjuga lo visual y lo sonoro tiene como invitado a Pedro Costa.

Mañana tenéis ocasión de ver un espectáculo.

Dos ciclos muy interesantes,

una retrospectiva de un autor que va a venir a Madrid,

y que va a presentar el día 13 "Master and Commander".

Se ha podido ver ese libro,

como todos los años, por el Festival de San Sebastián.

Una película que debería gustarme, pero que no me gusta.

Reconociendo sus virtudes...

"Cinema Paradiso", que todo el mundo dice que es maravillosa,

me parece ñoña.

Me encanta Morricone, conecto con lo que quiere decir, pero...

(Música)

"Cuernavaca" es la ópera prima de Alejandro Andrade.

Busca los materiales dramáticos

de la historia en el fondo de su propia memoria.

Este carácter autobiográfico

se sospecha de inmediato cuando uno descubre

que el punto de vista adoptado es el del protagonista,

un chico de entorno a 10 años de edad.

Si esto les hace pensar en "Roma" olviden,

la distancia entre ambas es sideral.

Qué tanto de autobiográfico, la abuela,

la casa, todo el telón de fondo, todo el entorno.

Algunos personajes, la mujer con síndrome de Down,

o Esmeralda, son personajes que si convivían con mi abuela,

que estaban en esa casa.

Es totalmente ficticia la historia del niño y lo que le pasa.

También los giros que hay.

-Mi papá vive en Cuernavaca, a veces viene a verme.

Pierde a su madre los primeros compases de la película.

Un hecho trágico que debería pensar sobre su desarrollo

más de lo que se percibe.

Carencia que debemos achacar a un guion

del propio director,

centrado en la relación del chico con su padre,

que aparece y desaparece como el Guadiana,

y sobre todo en la atracción

que sobre él ejerce un joven descarriado.

Como te enseñe.

-A pesar de que habla de cosas de que recuerdo,

de cosas de mi infancia,

quería que fuera una película enmarcada en problemas actuales

de México, sin ser una película social,

sin ser una película de denuncia.

Que tuviera este entorno,

donde muchas veces estamos encerrados en los lugares.

No salimos por el peligro que implica salir a la calle.

Andy se muda a vivir con su abuela.

La abuela de Andry es Carmen Maura,

que regenta un negocio de mermeladas,

y reina solitaria en la ciudad de Cuernavaca.

Entre delirios y enfados,

el personaje de Carmen Maura no es un bombón de personaje.

Me tienes que devolver ese dinero,

porque vas a estar castigado.

Era muy complicado, es una tía con muchos problemas.

Es abuela, pero no es la abuela cariñosa que se suele tener.

Al final, la defendí bien.

Entre la abuela y el niño no hay frío ni calor,

ni buena ni mala química.

Nos referimos a la índole de su trato mutuo,

de baja densidad dramática,

como el diseño de ambos personajes.

Lastrados por la frialdad general,

contagia a todo el relato.

Cuando murió tu abuelo yo también estaba así,

pero con el trabajo se me fue pasando.

-¿También se lo dijiste a mi papá por teléfono?

-¿Qué dices?

Lo mismo sucede con los vínculos más trascendentes,

que definen la historia de iniciación y maduración.

Alejandro Andrade pretende impregnarla

de un tono delicado e intimista,

pero se queda es muy difícil encontrar razones

para el entusiasmo.

El problema es la vieja, estamos jodidos los dos.

Se basa en un cómic.

Después de varios años el proyecto ha acabado

en manos de Julien Rappeneau.

¿No te das cuenta de que no es normal?

¿Desde cuándo se sigue a la gente?

Debutó con una comedia con forma de puzzle,

también adaptaba un cómic.

Puede que sea pequeño,

pero tiene una intuición impresionante.

¿Puede una mentira salvar una persona?

Sus padres están separados,

y el fútbol es su válvula de escape.

Esto podría cambiar tu vida.

-¿Cómo quieres que los que lo sepa?

-Cree que eres demasiado bajito. -Me ha seleccionado.

¿Merece la pena la mentira para salvar a su padre?

Si te vas con papá, no serás futbolista, serás camarero.

Pero la mentira va creciendo

poco a poco con la ayuda de uno de sus amigos,

un hacker agorafóbico que se hace pasar por el ojeador inglés.

Si no me sale lo del arsenal,

podríamos seguir viviendo aquí y pasar tiempo juntos.

La película no solo habla de la pasión por el fútbol,

explora las relaciones familiares y de amistad, la crisis

económica,

el poder y la ilusión de un niño por salvar a su padre.

-Ahora tengo que lograrlo.

-No eres responsable de todo el mundo.

Protagonizan una comedia de buenos sentimientos.

Una pequeña que enseña a más de una lección a los más pequeños.

No debería gustarme, pero me gusta,

es magnífica, una especie de "Eva al desnudo" grosera,

incisiva, como reírse en la cara de la industria

que le había proporcionado éxitos como "Instinto básico".

Es para disfrutar.

-Ya que tengo que encontrar una,

elijo una película rusa,

"Cuando pasan las cigüeñas".

-No espero a nadie.

-Verónica.

En tiempos de guerra,

lo principal es no perder la cabeza.

Uno debe conservar una vida normal y en paz.

-La primera vez que la vi fue en 1957.

Había ido a Rusia a hacer un reportaje, tenía 20 años,

y tuve la suerte de acudir al estudio

a ver el rodaje de esta película.

Viendo la forma de rodar, los planos...

fue cuando decidí hacerme cineasta.

Por lo tanto, fue un plano muy importante para mí.

Se trata del plano final de la película,

cuando ella va a buscar a su amado, que regresa de la guerra.

(Música)

Y no está.

-Mira esta foto.

-Aparece un primer plano de Natalia,

un plano del que tengo muchos celos,

porque me hubiera encantado rodarlo a mí.

(Música)

Ese plano cuenta la historia de la vida,

del amor y de la muerte.

Se da cuenta de que no está,

y lo más probable es que haya muerto.

-Sentimos el dolor de quienes no pueden no recibir a sus familiares.

Por eso, tenemos que prometer

que las novias no perderán a sus novios,

prometer que las madres

no volverán a temer por sus hijos nunca más.

No hemos ganado ni conservado

la vida en nombre de la destrucción,

sino de la creación de la nueva vida.

-Dé las flores y ya está.

-Al final del plano, ella sonríe.

Porque la vida es más fuerte que la muerte.

Es preciosa.

Mira, vuelan sobre las torres.

-Hacer esto...

¿Con qué actores y actrices de siempre?

Pepe Isbert, ya no puedo trabajar con él, me encanta.

Es la naturalidad hecha ser humano.

-Se me hace muy importante la provocación,

el humor, quizá el mejor cumplido que me pueden hacer

de una película mía es decir que le ha conmovido.

Tuvimos la suerte de conocer a Luis Ospina,

con alegría y con pena a la vez.

La muerte, que siempre lo acompañó, se lo ha llevado.

Lo vimos en 2018, donde formaba parte del jurado.

A lo largo de sus 70 años de vida,

el colombiano Luis Ospina dirigió más de 35 películas,

en su mayoría documentales,

aunque también se internó en la ficción.

Casi toda mi carrera es documental,

aunque he hecho dos películas de ficción,

una de vampiros y otra de cine negro.

Fue un cineasta universal,

unido a sus raíces,

las de su ciudad, Cali, sus amigos, y el propio cine.

Todas sirven para trazar las coordenadas de su vida.

Pusieron las tres cruces

para que no entrara el diablo,

pero el diablo estaba dentro, y no ha podido salir.

Luis Ospina y Andrés Calesero pusieron las bases

de lo que llamaron Cali para decir que el cine

se podía hacer en cualquier parte.

Fueron profetas de un movimiento

que no solo quería cambiar el cine,

sino cambiar el mundo y la forma de mirarlo.

Dirección y actuación, Luis Ospina.

Dirigieron un documental

imprescindible, un manifiesto contra

lo que ellos llamaban porno miseria.

¡Corten!

-Es una película que trata sobre el cine muy miserable,

en ese momento lanzamos un manifiesto,

se llamaba "Qué es la porno miseria".

Como en el cine porno,

el sexo se vuelve una mercancía,

en el cine de la miseria, la miseria es una mercancía.

Lo contó en su última película,

"Todo comenzó por el fin".

Es un documental que es un ensayo, un diario,

un homenaje de una investigación.

La evidencia de que incluso la enfermedad

puede convertirse en un acicate.

Cuando yo la hice,

la hice como si fuera mi última película,

porque enfermé gravemente el primer día de rodaje,

y esa ordalía por la que pase, se incorporó a la película.

Luis Ospina nos deja un cine

que es tiempo y habla del tiempo, que habla de la vida.

No es un legado pequeño.

El cine es memoria, es muerte. ¿Qué es el cine? El cine es eso.

-¿Qué película de la historia

del cine me hubiera gustado firmar como director?

Muchísimas. "Tiburón", una película épica, extraordinaria,

y me hubiera gustado que estuviera mi nombre puesto.

La directora de "Orquesta"

cuenta una historia basada en hechos reales,

la de una mujer de origen holandés afincado en Estados Unidos,

que se encontró con obstáculos para alcanzar su meta,

dirigir una orquesta.

¿Verdad que enseña piano en el conservatorio?

Quiero que me dé la oportunidad de tocar para usted.

-No quiero malgastar mi tiempo. -Yo tampoco.

La película nos traslada al Nueva York de la primera mitad

del siglo XX, una joven acomodador sueña con mejorar sus conocimientos

de piano y aprender a dirigir orquestas en un mundo reservado a

hombres. Me he instalado en Berlín.

Recibo clases.

Me ha preparado para el examen

de ingreso en la academia nacional de música.

Es donde tendrás que demostrar realmente mi valía.

Solo admiten a dos candidatos para dirección de orquesta.

Nunca han aceptado a una mujer.

Pese a ser holandesa,

la historia está narrada al estilo de Hollywood,

con algunos clichés, quizá edulcorado la vida tan dura

y los impedimentos a los que debió enfrentarse

la verdadera protagonista, la primera mujer que dirigió

la Filarmónica de Nueva York en 1938,

y que ocho años antes había debutado en la de Berlín.

¿Por qué tocas así? -¿Cómo toco?

-Como si no tuvieras sentimientos.

-A nadie le interesan mis sentimientos.

La consideran más por su belleza que por su talento.

-No acepto órdenes de una mujer.

-Una mujer enfrente de 100 hombres.

Recuerda el machismo y sus consecuencias.

No te dejaran avanzar.

No te dejarán avanzar.

Las burlas por aspirar a un puesto

que consideraban exclusivo de hombres.

Quiere dirigir orquestas.

La renuncia al amor por la incompatibilidad con el trabajo,

las zancadillas para dificultar su ascenso,

o el abuso sexual y de poder.

Se ha dedicado a la dirección porque era una pianista sin talento.

-Es una anomalía.

-¿Ser una mujer?

-Como en otros tantos,

brilla por su ausencia,

el panorama es mayoritariamente masculino.

Fue una de las luchadoras contra esta injusticia,

creó una orquesta sinfónica compuesta solo por mujeres.

-¿Qué sabes de Bach? -Toco su música, señor.

-No puedes tocar su música sin haber estudiado al hombre.

¿Quiénes la máxima autoridad sobre Bach?

-No lo sabe.

Hemos visto pocos biopics sobre mujeres profesionales

de la música clásica.

Se me afloja la cuerda,

menos mal que ya no han sido las bragas.

Nunca la aceptarán.

La directora de orquesta

aporta un grano de arena a la difusión

de vidas femeninas apasionantes,

relatada como un cuento, entretenida y emocionante.

Con su ayuda o sin ella, señor, llegaré a ser directora.

(Música)

(Aplausos)

Han tenido que pasar 47 años

para poder ver en todo su esplendor las imágenes

de este impresionante documental que levanta testimonio

de la elaboración del disco

de Aretha Franklin, "Amazing Grace".

Dos noches en una iglesia bap

tista, acompañada con un coro y una banda, y un público entregado,

da a la intérprete un tratamiento cercano al de mujer santa.

Comenzó en la música muy joven,

tenía 17 años cuando empecé a trabajar para esta compañía.

El productor de este disco fue mi confesor, mi rabino, mi todo.

Un día me dice: "¿Qué es lo que más te gusta de lo que he hecho?".

-Le dije: "Amazing Grace".

Ahí empieza todo.

El responsable es el director Sydney Pollack,

que por razones desconocidas olvidó utilizar las plaquetas

ante las cinco cámaras,

y luego renunció a montarlo

ante la dificultad de sincronizar la música y las imágenes.

En su momento, Sydney Pollack, gran director de cine,

un hombre inteligente y maravilloso, se olvidó de esto, de la claqueta.

El valioso material quedó abandonado en un almacén,

hasta que más de 40 años

después el productor Alan Elliot,

con ayuda de las modernas tecnologías,

consiguió sacarlas.

Había opciones para elegir entre el material.

El teatro sigue una estructura que conozco bien,

me di cuenta de que el servicio religioso

de la iglesia afroamericana tenía una estructura similar.

Es muy teatral, la energía se va poco a poco.

Al comienzo entran y se presentan a sí mismos,

casi como una obra de Shakespeare.

(CANTA EN INGLÉS)

Crees en el poder de la comunidad, en el coro hay alegría,

en la alegría de estar con el pastor y con Aretha Franklin,

con los músicos.

La suma de las partes es mayor...

Es como si dos y dos fueran seis.

El resultado es un espectáculo emocionante que transmite

toda la magia de ese canto de inspiración religiosa

que es el góspel.

En la voz de Aretha Franklin

se materializa en un milagro que logra conmover

a los creyentes y a los agnósticos.

(Música)

Daniel Monzón, un placer tenerte en "Días de cine",

que fue tu casa, empezaste aquí hace un montón de años.

Subdirector del programa.

-En efecto,

podía ver mucho cine,

era muy joven, de 19 a 23 años, podía ver mucho cine gratis.

Podía hablar con directores, con actores...

Roman Polanski, John Carpenter,

y otra cosa maravillosa que me dio el programa, era montar.

Cada semana teníamos que hacer un montaje con material de directores,

era cortar, pegar con materiales maravillosos.

De Alfred Hitchcock, de Sam Peckinpah, de Buñeal...

-Una pregunta comprometida.

Este eras tú en su día.

-Es sobre todo con la comedia.

Lo primero en "Días de cine" fue comentar películas cada semana.

Yo era la parte joven,

que venía a contrastar con la mirada más adulta. Me lo pasaba muybien.

-Has aprendido tanto después...

¿Qué es el cine?

-Si no existiera el cine,

no tendría sentido mi existencia,

mi personalidad está hecha de películas.

Hay cosas que he vivido a través

de las películas que tienen más peso que cosas

que he vivido en la realidad.

¿Qué es? Es el aire del que respiro.

-¿Cómo fue llegar a ser director?

-Es una cosa que me ocurrió de muy pequeño.

Yo tenía siete años cuando mi abuela me llevó a ver "King Kong".

Me identifiqué con el gorila.

Yo cogía a la chica con mi mano, todavía no he salido

de esa película.

No sabía cómo se hacía, quería hacer algo así.

-¿Qué es ser director de cine?

-¿Por qué soy director de cine?

Me salió del alma, no puedo evitarlo.

No deja vez de ser el niño que jugaba

que sentía y creía estar encima de una ballena,

cuando está encima de un colchón.

Ese espíritu del juego tienes que mantenerlo siempre vivo.

Tienes que jugar en invitar a jugar.

El cine es el tren eléctrico más maravilloso

con el que se puede topar un niño.

Me pongo a escribir, con Jorge Guerricaechevarría,

me sumerjo en un espacio

de ficción que tengo que recrear para el espectador,

en invitar al espectador

a que se introduzca en su universo.

Hacer una película es crear un universo.

Si no estás enamorado de eso,

no tiene sentido para mí hacer la película.

Yo quería verter todo lo que tenía dentro, es un cóctel de géneros...

Yo quería jugar con todos los juguetes.

La segunda era una comedia, un género...

Quería a hacer...

Era un cruce entre las películas americanas a lo "Misión imposible",

con el espíritu de la comedia mediterránea,

a italiana, "Atraco a las tres".

Unos pobres diablos que querían robar el Guernica.

Quería hacer una película de suspense.

Me empujó al siguiente paso, "Celda 211",

me dediqué a contar una historia.

Tomé la decisión consciente

de no recurrir para nada a toda esa carga

de cinefilia que tenía adentro.

Pasó lo mismo con "El niño",

lo mismo, estuvimos ocho meses investigando la zona.

Queríamos hacer un gran fresco

de lo que sucede, del narcotráfico en el estrecho de Gibraltar,

un espacio maravilloso en todos los sentidos,

nadie lo había aprovechado para el primer.

La última película, "Batán",

una un tipo de comedia que yo no veía,

una comedia clásica, con un aroma de Edwards.

Ahora estoy embarcado en mi séptima película,

totalmente distinta, me gusta cambiar de género,

de tono, no quedarme lo que he hecho.

Quiero hacer cosas diferentes.

Lo que viene a continuación es una película de época,

que tiene un aroma de thriller,

pero es una desgarradora historia de amor.

No tiene nada que ver con lo que he hecho hasta ahora.

-Confiesa, si como dicen muchos, tu participación en "Torrente".

-Me puse morado, los ojos se me salían, una cosa brutal.

Casi me desmayé allí, fue brutal.

(Música)

-¿Cuántas veces has estado aquí, Héctor?

-Siete.

Daniel Sánchez Arévalo

vuelve al largo con una historia cargada de humanidad,

hará felices a los amantes del mundo canino.

¿Qué conclusión sacas?

-Que mientes.

Un chico de 17 años desarraigado muestra una ilusión afectiva

cuando conoce a un perro abandonado al que llama Oveja.

Es adoptado,

y la obsesión de Héctor es encontrarle cómo sea.

"Diecisiete" se convierte

en una road movie por los paisajes cántabros

donde transcurre la acción.

Me interesan los viajes al interior de los personajes,

obligarles a buscar soluciones en su caos.

Lo más apreciable del nuevo trabajo de Sánchez Arévalo

es cómo a poco te atrapa

en una historia que en principio

podría ser candidata a lo previsible.

Me agotas.

Tiene mucha responsabilidad

el trabajo de los actores, desde Bielle Montoro,

a Nacho Sánchez, el familiar responsable

que intenta reconducir a su hermano.

Es además el personaje de Nacho Sánchez

quien logra un protagonismo inesperado,

y al mismo tiempo muy interesante,

puesto que al lado de toda persona conflictiva,

y otra que sufre las consecuencias,

y debe llevar con resignación una carga

que probablemente no ha elegido.

Me interesan las pequeñas grandes aventuras cotidianas.

Me inspiro en lo que me rodea.

Para escribir necesito vivir,

en estos seis años que han pasado,

lo más importante que he hecho ha sido vivir,

sentir cosas, sentirme legitimado para contar.

Ese caldo de cultivo,

el entorno en el que nos ha tocado vivir, las cosas nos afectan más,

la familia es el epicentro de todo eso.

Sobre todo, las relaciones entre hermanos.

-No es un verano, son más de dos años.

-Sí, es una burla. -Es un infierno.

La resiliencia y el compromiso afectivo

se van apoderando de la historia.

Conquistan al espectador

de una manera convincente y nada impositiva.

¿Qué hay qué hacer?

Pasearlos, jugar con ellos, enseñarles trucos, convivir.

Un regalo que halla una verdad inapelable y conmovedora.

Cada espectador lo elaborará a su manera.

-¿Qué director me hubiera gustado ser?

Daniel Monzón.

¿Por qué quiero ser Orson Welles o Alfred Hitchcock?

Me conformo con lo que soy.

(Música)

Llega el acontecimiento cinematográfico

de la temporada directo a la carrera hacia los Oscar.

Gran expectación para esta película libre y salvaje,

llamada a conquistar las taquillas,

subvirtiendo las leyes del género de superhéroes.

No tiene nada que ver con ese tipo de cine,

nadie vuela ni tiene superpoderes,

ni siquiera sale Batman,

aunque el protagonista sea su archienemigo.

No tiene escenas de acción espectaculares,

ni efectos especiales.

Tampoco cuenta la cruzada del bien contra el mal,

no existe el bien, y no es de reír,

aunque cuenta la historia de un payaso.

Acaba con él.

Por no ser, ni siquiera

es la película que cabría esperar de Todd Phillips,

director de la trilogía

de "Resacón en Las Vegas".

Si la comedia surge cuando el mamporros se lo llevan los demás,

y el drama cuando lo recibe estuvo...

En toda la cara.

Es un drama en estado puro,

sabiamente diseñado para que las bofetadas al payaso

nos duelan a nosotros. Su selección a concurso en el último

festival de Venecia.

"Joker".

Nadie protestó, acababa de nacer un clásico moderno.

(Aplausos)

No es el típico Joker,

y si vas a ver la película, que no estás obligado...

Hazlo con la mente abierta.

Va cogiendo ritmo abiertamente, y creo que te gustará.

-¿Cómo están ustedes?

Hubo un tiempo en que ir al circo era lo mejor

que le podía pasar a un niño.

Hoy, hacer el payaso es sospechoso.

¿Quiere dejar de molestar a mi hijo?

Desde que mentes retorcidas

se hicieran con las pinturas de maquillaje,

el clásico carablanca ha pasado de simbolizar

la inocencia a las pesadillas.

Ilustre antepasado,

apenas un guasón impertinente en los cómics de Batman.

Con el asalto a Hollywood,

creció como villano,

hasta convertirse en un cínico asesino a quien Jack Nicholson

le sentaba como un guante.

La llegada de Christopher Nolan imprimió una deriva tenebrosa

de la que tampoco se libraría el Joker.

La memorable interpretación

y un diseño del personaje digno de Francis Bacon,

dejan para la memoria

un Joker cuyos ecos redoblan en Todd Phillips y Joaquin Phoenix.

No debe nada a nadie, ni a la broma asesina,

la novela donde por primera vez aporta su propia versión

sobre las génesis del personaje.

Carne de cañón hasta que las víctimas dicen: "Basta".

¿Quién nos sacó del arroyo? Tú.

Criaturas arriesgadas, primo hermano del Travis

de Rober de Niro en "Taxi driver", terminan plantando cara

al sistema con las armas del humor.

Mucho se ha hablado de la influencia del cine de Martin Scorsese,

que rodó junto al de Leonardo DiCaprio

por la gestación del proyecto.

A lo que más se parece,

homenaje o plagio,

es uno de los fracasos más sonados de Scorsese, "El rey de la comedia".

Cuando decía que iba a ser cómico,

todos se reían de mí.

Ahora nadie se ríe el.

-¿Por qué será?

-El Robert de Niro que daba vida al psicópata fascinado

por la fama interpreta al rey de la comedia que fascina el Joker.

-¿Cuando salga, puedes presentarme como Joker?

Es el retrato descarnado de una psicología eterna.

Sueña con triunfar de monologuista, pero no tiene gracia.

Pasa demasiado tiempo solo,

cultivando el campo de minas que tiene en la cabeza,

pero ya no hay vuelta atrás.

Me he pasado toda la vida sin saber si realmente existía.

Pero existo.

La gente está empezando a darse cuenta.

Su rabia es el descontento general,

y libraría la metáfora política

hay un paso, describe la frustración de una sociedad

cuyo parecido con la nuestra aterra.

Trata de lo que ocurre ahora en el mundo.

Habla de la falta de amor a través del trauma infantil

que sufre nuestro protagonista, habla de la falta de empatía.

¿A la gente se le va la pinza?

-No es una película fácil,

no ofrece respuestas fáciles a las preguntas que plantea,

pero eso fue lo que me gustó.

Hay tendencia en el cine a contestar a todas las preguntas,

pero yo creo que los temas son demasiado complicados

para solucionarlos en una película.

Se trata de explorar las diferentes posibilidades.

-No he conocido a ningún actor como él, si le das libertad,

eleva el guion hasta un nivel difícil de cuantificar.

Me gustaría que la gente

estuviera el guion delante cuando vieran la película.

Que se leyera dos páginas,

y luego las viera representadas en la película,

para que viera todo lo que Joaquin Phoenix aporta.

Es tanto lo que aporta,

que cabría hablar de coautoría, como sucedió

dedicándole su película.

Finalmente, por supuesto,

no existiría la película sin Joaquin Phoenix.

Es el más valiente y abierto a todo lo que he conocido en mi vida.

Tienes un alma muy bonita,

gracias por haber confiado en mí tu loco talento.

Estamos ante un monumental error del sistema,

una anomalía del cine de entretenimiento,

tan incorrecta políticamente como el llanto de un payaso nihilista

y un espasmo atravesado en la garganta.

(Música)

"Sed de mal",

el plano secuencia de arranque me pareció extraordinario.

"Los olvidados", la secuencia del sueño del niño,

aparece la madre,

coge un trozo de carne y aparece debajo de la cama

que le está persiguiendo.

Es algo que todavía no he conseguido sacar de mi mente.

"Los olvidados", nada, es inolvidable.

(Viento)

(Música tensión)

¡Es para mí!

-Hasta aquí ha llegado el programa de hoy,

una nueva edición del mítico "Días de cine".

La semana que viene habrá otra persona.

Espero que lo disfrutes,

que hayas disfrutado este,

y que vayas al cine a ver las películas.

Las podéis disfrutar en el ordenador.

Hay que pensar que el público la disfruta en una sala.

Gracias, hasta la semana que viene.

¿Qué tal?

-Otra, otra.

-Lo tuyo no es ser actor.

-Uno da para lo que da.

(Música dramática)

(Música dramática)

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Días de cine - 04/10/19

04 oct 2019

El 6 de octubre de 1991 se emitía por primera vez Días de Cine, que celebra esta semana sus 28 años en antena de la mano de un padrino muy especial: Daniel Monzón, director de títulos como 'Celda 211' o 'El niño', que comenzó como crítico en el programa de La 2 y también fue subdirector.

Para comenzar el repaso, 'El crack cero', una película participada por RTVE precuela de la cinta de José Luis Garci de comienzos de los 80 con Alfredo Landa como protagonista. En esta ocasión es Carlos Santos el actor que da vida al mítico Germán Areta.

También llega a las salas 'Varados', un documental sobre inmigración de Helena Taberna; la mexicana 'Cuernavaca', de Alejandro Andrade; y la francesa 'Una pequeña mentira', de Julien Rappeneau.

La música y el cine se encuentran en la película holandesa 'La directora de orquesta', y en el documental 'Amazing Grace', que muestra el material hasta ahora inédito de la grabación de un disco mítico de góspel de Aretha Franklin.

Días de cine se fija también en 'Diecisiete', la nueva película de Daniel Sánchez Arévalo; y 'Joker', ganadora del pasado Festival de Venecia, con Joaquín Phoenix dirigido por Todd Phillips.

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